El fotógrafo Adrien Le Falher relata cómo toma sus fotografías de ciudades

El fotógrafo francés Adrien Le Falher combina una planeación meticulosa con su visión poética de la atmósfera citadina para dar vida a unos magníficos paisajes urbanos. Desde París hasta Penang, sus fotografías funcionan como diarios visuales que le ayudan a compartir su percepción del mundo. El uso de la luz de Le Falher es magistral, ya sea para transmitir estados de ánimo contrastantes durante una sesión nocturna o para permitir que los rayos del amanecer arrojen un resplandor cálido sobre la arquitectura de la ciudad.

Si bien la luz es una característica dominante en el trabajo de muchos fotógrafos, Le Falher se basa en la luz para crear la narrativa de sus imágenes. Tan dominante como las características estructurales presentes la toma, su uso ingenioso de la luz se ha convertido en el elemento distintivo de su fotografía.

Para Le Falher, quien ha encontrado más inspiración en las bellas artes que en la fotografía, la aventura consiste en llevar su trabajo al límite. Sin miedo a esperar meses, e incluso años, para obtener la toma perfecta, su tenacidad se ha traducido en un portafolio repleto de imágenes impresionantes.

Tuvimos la oportunidad de charlar con Le Falher sobre su trabajo y sobre cómo da vida a su visión creativa. A continuación, lee la entrevista exclusiva de My Modern Met.

¿Cómo te iniciaste en la fotografía?

Cuando era niño, a mi padre le gustaba mucho la fotografía. No especialmente como una forma de arte, pero fue el tipo de padre que se tomaba su tiempo durante nuestras vacaciones para encontrar buenos lugares y esperar el momento adecuado, en lugar de simplemente tomar fotos. Entonces, cuando tuve la edad suficiente, para mí se volvió natural tomar fotos durante nuestras vacaciones también. Así descubrí lo mucho que me gustaba y decidí convertirlo en una gran parte de mi vida.

¿Cuál es la parte más inspiradora de fotografiar entornos urbanos?

Siento que los dos temas en mi trabajo son la batalla entre lo natural y lo artificial, y la verticalidad. Los entornos urbanos son un gran campo de juego para esto y se ajustan a mi amor por la arquitectura en general. Para mí, un edificio es similar a una escultura; es fundamentalmente tridimensional. Me gusta rodearlos, alinearlos y crear nuevas formas combinando diferentes estructuras o reflejos. Dependiendo del ángulo, un edificio puede sentirse monolítico o sin peso. Puede sentirse sombrío o puede elevarte. Algunas personas llaman a las ciudades “jungla urbana”, y para mí, eso tiene sentido. Fotografío edificios como si estuviera fotografiando árboles: me fijo en la forma, textura e interacción con la luz.

¿Qué haces para que estas escenas sean completamente tuyas?

Viajo mucho para tomar fotos, y solía buscar imágenes en Instagram y 500px para encontrar buenos lugares. Al final, solo estaba replicando lo que veía. Así que decidí dejar de usar la fotografía como inspiración. Me encanta la pintura clásica y la impresión japonesa en madera. Creo que mis dos inspiraciones principales son Thomas Cole y Kawase Hasui. Estudio sus composiciones, me pregunto por qué sus obras de arte resuenan conmigo e intento aplicar eso a mi fotografía. Creo que descubrir tu propio estilo es un 50% de comprensión de por qué te gusta lo que te gusta.

Es evidente que la luz es muy importante en tu trabajo. ¿Cómo has desarrollado tu técnica para capturar la luz correcta a lo largo de los años?

Creo que en la vida de cada fotógrafo, hay un momento especial en el que entiendes la luz a nivel emocional. En algún momento, te das cuenta de que un cierto tipo de luz que despierta emociones en ti, que no es solo un tecnicismo en tu arte sino la esencia pura del mismo. Cada sujeto es luz, solo se fotografía la luz, como su nombre lo indica. Tienes que ver mucha luz diferente, colores diferentes y difracciones diferentes, para entender realmente todo lo que la luz puede hacer.

Viajo alrededor del mundo y veo cómo interactúa el sol con la curvatura de la Tierra, y veo lo magnífico que es. La buena luz también es extremadamente rara, incluso en lugares propicios. Me encantaba la luz en Birmania, por ejemplo, nunca había visto algo así. Pero, de nuevo, también es tan sutil como las cosas más bellas. La diferencia entre una luz que me haría llorar y una luz que no me conmueve es indescriptible.

Como dijo Edward Hopper: “Si pudieras decirlo con palabras, no habría razón para pintarlo”. Lo mismo aplica para la fotografía. No podía describir por qué exactamente ese rayo de sol específico me conmueve, solo puedo hacer mi mejor esfuerzo para plasmarlo por toda la eternidad.

Nos encanta esta foto de un tranvía en San Francisco. ¿Puedes contarnos un poco sobre cómo nació esta fotografía y lo que fue necesario para hacerla realidad?

Tuve la suerte de ir a San Francisco cuando tenía 10 años, en el año 2000. Me encantó la ciudad, me encantó el puente Golden Gate, me encantaron los teleféricos. Tenía esta combinación de modernidad y tecnología casi vintage que realmente me impresionó. Entonces, cuando supe que volvería, pensé que tomaría una foto que encapsulara eso que tanto amaba de la ciudad cuando era niño. Sabía que quería un tranvía como sujeto principal, sabía que quería estar a media altura en comparación con los edificios en la toma, y quería ver el Puente Golden Gate. Así que primero revisé un mapa de dónde estaban los rieles del tranvía, y luego intenté dibujar una línea recta entre ellos y el Puente Golden Gate. Desafortunadamente, me di cuenta de que realmente no podría obtener la composición que quería, y descarté la idea por un tiempo.

Más tarde, estaba revisando el mapa de San Francisco nuevamente y me di cuenta de que tal vez podría intentar tener el Puente de la Bahía en mi toma. Así que seguí los rieles en Street View, hasta que finalmente encontré dónde quería estar: arriba de una colina, en la ruta de un tranvía y mirando directamente al Puente de la Bahía. Sabía que tenía la composición correcta, algo que me ayudaría a resumir cómo me sentía sobre la ciudad. Luego verifiqué la posición del sol en las fechas en que estaría en San Francisco para descubrir si podía tener el sol alineado con los edificios. No pude, pero debido a que hay una gran avenida al final de la calle, esperaba que dejara pasar los rayos del sol. Eso es lo más difícil con los entornos urbanos: las torres dejan a las calles en sombras durante la mayor parte del día, y puede hacer que una imagen sea realmente plana.

Después de investigar un poco, descubrí que sería mejor llegar al amanecer que al atardecer. Así que me desperté alrededor de las 5 de la mañana y finalmente descubrí el lugar. Todo estaba alineado como quería, sin embargo, el sol era bastante débil, ya que estaba oculto tanto por los edificios como por las nubes. Tomé algunas fotos, y eran… un poco sosas. Esto sucede mucho: planifico muchas cosas, pero al final, el clima es lo que hace o deshace una imagen. Ese día no era el indicado, o eso pensaba.

Así que me fui e intenté disfrutar de la ciudad cuando todavía estaba relativamente tranquila. Entonces, me di cuenta de que había salido el sol, y la luz era hermosa en ese momento. Corrí de regreso a mi lugar y BINGO. No solo tenía hermosos rayos de luz en el fondo, sino que algo que nunca anticipé sucedió: los rieles reflejaron la luz dorada del sol, creando las líneas guía perfectas, uniendo mi primer plano y mi fondo.

La fotografía de paisajes tiene mucho que ver con la planificación, y siento que una vez que lo entiendes, te ayuda a tomar mejores fotos. Sin embargo, no importa cuán bueno seas para encontrar lugares, la suerte siempre es lo que hace que tu imagen sea realmente excepcional.

¿Qué tipo de historias buscas contar con tus imágenes?

Esta es una pregunta interesante ya que mi formación educativa estuvo enfocada la escritura de guiones, así que aprendí a escribir una historia con palabras. Sin embargo, no puedes expresarlo todo; las palabras son solo una traducción de conceptos íntimos en tu cerebro. Entonces, con mi fotografía, trato de contar historias que las palabras no pueden contar: la emoción más sutil, esa pequeña fracción de tiempo. Hay una tensión que me gusta en la fotografía, donde trato de extraer un momento y hacerlo atemporal. Como una ventana al tiempo, un camino hacia otra época y un sentimiento específico. Por eso siempre tengo problemas para ponerle título a mis trabajos: si pudiera reducir la idea en pocas palabras, ¿cuál sería el punto de tomar la fotografía en primer lugar?

¿La paciencia es una característica indispensable para los fotógrafos?

Como dije, en última instancia, la luz es lo que hace o deshace una imagen. Pero no puedes apresurar la luz. La Tierra gira alrededor del sol, y a veces hay que esperar meses para tener el sol de una manera que tenga sentido para tu imagen. Y luego, en ese día especial, ¡debes tener esperanza en que haya buen clima!

Hay una foto que he querido tomar desde hace 10 años. Todo está planeado, y sé los pocos días del año en que sería una gran imagen. Intento tomarlo todos los años. Hasta ahora, el clima NUNCA ha sido el que necesitaba. Estoy seguro de que otros fotógrafos de paisajes experimentaron lo mismo que yo: ese momento especial, donde el clima es perfecto, lo has esperado durante años y, finalmente, estás ahí. Las pocas veces que me pasó, lloré. Es como finalmente reencontrarte con un amor que no has visto en años, y saber que este momento solo durará unos segundos antes de que desaparezca. Ser un buen fotógrafo es saber que tendrás que esperar años por esa fracción de segundo.

¿Tienes algún proyecto en puerta?

¡Sí! La imagen del teleférico de San Francisco es parte de una serie que hice en el oeste de Estados Unidos y está por salir un libro con todas las fotos de este proyecto.

Este viaje ha sido agotador y planear un libro implica mucho trabajo, así que estoy muy emocionado de volver a otro medio que realmente amo: AI-Art (arte con inteligencia artificial). Es una gran mezcla de fotografía y tecnología. Trato de crear inteligencia artificial que aprenda sobre mis propios gustos para generar pinturas digitales abstractas que no se parezcan a mis imágenes, pero que de alguna manera repliquen, de manera abstracta, los sentimientos que trato de capturar. Es un medio y una comunidad de la que me emociona para formar parte en este momento.

Por último, también estoy muy emocionado de volver a Japón para continuar una serie de fotografías inspiradas en grabados japoneses tradicionales en madera, impresos en papel de arroz japonés.