La artista contemporánea Elyse Dodge captura la belleza de los paisajes montañosos del mundo deconstruyéndolos visualmente en composiciones geométricas minimalistas. Al explorar el contraste entre las formas duras y suaves de la naturaleza, la talentosa artista ve el mundo en color, forma y luz. Sus llamativas pinturas paisajísticas reimaginan acantilados y cumbres con audaces formas poligonales, mientras que los mares y los bosques contrastan con sus pinceladas lisas y suaves.
Utilizando su experiencia como diseñadora gráfica, Dodge comienza cada pieza creando bocetos digitales de sus escenas, antes de traducirlas a pintura acrílica sobre lienzo. Muchas de sus pinturas están inspiradas en las cadenas montañosas y los bosques de su hogar, Columbia Británica, en Canadá. Los picos glaciares y los exuberantes bosques están representados en tonos azules helados y verdes profundos. Sin embargo, la reciente mudanza de Dodge a Los Ángeles ha comenzado a influir en su trabajo: el sol californiano y los paisajes desérticos son capturados con paletas de colores cálidos y motivos tropicales.
“Me he dado cuenta de que cuando descompones una escena en sus formas más básicas, aún sigue siendo hermosa”, revela Dodge en su declaración de artista. “Las formas poligonales pasan de ser algo reconocible como una montaña a una forma facetada, como si fuera un diamante. Estas escenas surrealistas animan a la mente a reimaginar cómo sería un mundo alternativo más vibrante”.
Recientemente pudimos conversar con Dodge para saber más acerca de su inspiración y proceso. Lee la entrevista exclusiva de My Modern Met a continuación.
¿Cuándo empezaste a pintar? ¿Tuviste una formación artística?
Desde pequeña, siempre he sido creativa y con una gran imaginación. Mi madre es artista y mi padre es constructor, así que creo que crecer en ese entorno me animó a encontrar mi propia expresión artística. Siempre estaba dibujando, pintando, creando y experimentando con diferentes medios, y tuve la suerte de tener una madre con una formación artística tradicional que pudiera enseñarme lo que sabía.
¿Cómo fue que desarrollaste tu estilo gráfico y minimalista?
Tomé todas las clases de arte que pude en la preparatoria; pero una vez que me gradué, no sabía si estudiar diseño gráfico o artes. Me pareció realmente limitante tener que decidirme por una sola dirección, así que en 2008 empecé un diplomado en formaciones de diseño que cubría muchas facetas diferentes de la ilustración y el diseño. A través de ese programa estuve expuesta a diferentes herramientas de diseño, diseño gráfico, tipografía, diseño de exposiciones, diseño de interiores e historia del arte. Fue la combinación perfecta de cursos para estimular mi interés por la relación entre el arte y el diseño. Durante ese tiempo seguí pintando, pero no fue hasta que tuve mi primera exposición de arte el 2013 cuando algo hizo clic. Me di cuenta de que podía combinar mi formación en diseño gráfico y mi gusto por el minimalismo con mi amor por la pintura de paisajes.
¿La tecnología inspira tu trabajo?
La tecnología es necesaria para mi trabajo. Hoy en día divido mi tiempo entre diseñar arte en Illustrator y pintar en mi caballete. Realmente disfruto de la flexibilidad de trabajar en diferentes medios y de tener la capacidad de ejercitar diferentes habilidades. En un futuro próximo, me encantaría explorar más profundamente la intersección entre la tecnología y el arte y jugar con el mapeo de proyecciones y la realidad virtual.
¿Puedes describir tu proceso para crear una pintura?
Siempre empiezo con un lugar y suelo encontrar inspiración en mis viajes, a través de comisiones privadas o buscando en Instagram o Pinterest. Una vez que encuentro o produzco la composición perfecta, la emparejo con la paleta de colores correcta. A partir de ahí comienzo el proceso de deconstruir el paisaje en un diseño low poly minimalista. Cuando la imagen está lista, la proyecto sobre mi lienzo y dibujo a mano las líneas. Una vez trazada la imagen, empieza el largo proceso de pintar y delimitar los triángulos.
¿Tu trabajo está influenciado por otros artistas o movimientos artísticos?
Admiro a los artistas que son capaces de ir más allá de la mera creación artística y son capaces de construir una marca y voz única. Creo que algunos de los grandes ejemplos de artistas que están haciendo esto ahora mismo son Heather Day, Andy Dixon y Ola Volo (dos de ellos también son de Vancouver). Me encanta ver a artistas que están creando experiencias con su trabajo, ya sea a través de medios como la RV, el mapeo de proyecciones, jugando con la escala o con instalaciones. Creo que TeamLab y Moment Factory son dos grupos que han logrado convertir el arte y el diseño en experiencias inmersivas e inesperadas.
Tu trabajo anterior estuvo influenciado por los paisajes montañosos de Canadá, pero te acabas de mudar a California. ¿Cómo ha influido este cambio de escena en su trabajo?
Siempre me han fascinado los paisajes tropicales y desérticos, por lo que mudarme aquí no hará más que impulsarme más lejos. Creo que mi trabajo comenzará a adquirir una paleta de colores cálidos saturados para reflejar los paisajes y el sol de California. He estado dibujando mucho desde que me mudé a Los Ángeles y creo que pueden esperar ver muchas más palmeras, cactus, vistas del desierto, líneas del horizonte del océano, y arquitectura mínima en mis próximas piezas.
