Desde que hizo su colorido debut en los años 50, el Pop Art se ha mantenido como uno de los movimientos artísticos más importantes de la historia del arte. Gracias a las innovaciones de maestros tan conocidos como Andy Warhol, David Hockey y Keith Haring, esta corriente única marcó el fin del modernismo y el comienzo del arte contemporáneo.
Existen algunas piezas clave de Pop Art que contribuyeron a este cambio de ideología artística. Desde los collages poco convencionales de Richard Hamilton que originaron el movimiento hasta la icónica adaptación de un cómic por Roy Lichtenstein, estas obras maestras experimentales demuestran que la cultura pop es mucho más interesante de lo que se ve a simple vista.
¿Qué es el Pop Art?
El Pop Art es un género artístico que nació tras la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos y Gran Bretaña. Caracterizado principalmente por su interés en la cultura popular y en sus interpretaciones imaginativas de productos comerciales, el movimiento marcó el comienzo de un nuevo y accesible acercamiento al arte. Yendo de lo estrafalario a lo crítico, las piezas producidas por artistas pop en las décadas de 1950 y 1960 comentaban sobre la vida y los acontecimientos contemporáneos.
Además de su iconografía única, el estilo particular de los artistas pop ayuda a definir el género. Reconocido por sus imágenes audaces, su paleta de colores brillantes y su enfoque repetitivo inspirado en la producción en masa, el movimiento es famoso por su estilo único y reconocible.
Piezas clave
Richard Hamilton, Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? (1956)
Creado en 1956, este collage es considerado el catalizador del Pop Art en Estados Unidos y Reino Unido. El artista británico Richard Hamilton creó esta pieza para This is Tomorrow, una exhibición especial en la Whitechapel Art Gallery de Londres que presentaba las interpretaciones de artistas contemporáneos sobre la modernidad y sus predicciones para el futuro.
Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? incorpora varios elementos relacionados con la comunicación pensados por Hamilton. Estos incluyen: “Hombre, mujer, comida, historia, periódicos, cine, electrodomésticos, coches, espacio, cómics, TV, teléfono, información.” El artista creó una escena basada en estos motivos utilizando recortes de revistas americanas, creando literalmente una obra de arte a partir de piezas de cultura popular y comentando sobre “las diversas influencias que estaban empezando a dar forma a la Gran Bretaña de la posguerra”.
Andy Warhol, 32 Soup Cans (1962)
En 1962, el artista americano Andy Warhol exploró por primera vez el ahora famoso tema de las “latas de sopa”. 32 Soup Cans se compone de 32 lienzos pintados y estampados a mano, cada uno mostrando un sabor diferente de sopa Campbell's. Warhol, pionero del arte pop, eligió esta temática porque captaba el enfoque del Pop Art en la producción en masa y por su propio interés artístico en la repetición. “Solía beberlas. Solía comer el mismo almuerzo todos los días, durante 20 años, supongo, lo mismo una y otra vez”.
Poco después de pintar esta colección de lienzos, Warhol continuaría experimentando con el motivo de la lata de sopa y con la idea de los múltiplos. Sin embargo, en estas obras posteriores, cambió su proceso de la pintura a la serigrafía, un método de grabado que suele utilizarse en la producción comercial de anuncios.
Roy Lichtenstein, Whaam! (1963)
Conocido por sus coloridas pinturas inspiradas en los cómics, el artista Roy Lichtenstein dio un giro animado y enérgico al Pop Art. Whaam!, una de sus composiciones más conocidas, adapta una escena de All American Men of War, una popular serie publicada por DC Comics entre 1956 y 1966.
Panel original de Irv Novick para ‘All-American Men of War' de DC Comics, No. 89 (Feb. 1962)
Parecido a un cómic abierto, Whaam! se presenta en dos paneles. En el lado izquierdo del díptico, un avión dispara a otro avión que, junto con la exclamación “WHAAM!” ocupa todo el lado derecho de la pieza. Si bien la composición es muy similar a la original, Lichtenstein modificó algunos detalles: alteró el diseño de los aviones, eliminó la burbuja de texto y cambió el esquema de color.
Estos pequeños cambios hablan de la meta más general de Lichtenstein, que era personalizar estas obras de arte producidas en masa. “No hago un dibujo para reproducirlo, lo hago para recomponerlo”, explicó. “Paso de tener mi dibujo casi como el original a reinventarlo todo.”
