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Explorando la visión y los diversos estilos de los pioneros postimpresionistas

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Conocidos por sus diversos y distintivos estilos y por sus percepciones subjetivas del mundo que los rodeaba, los postimpresionistas fueron pioneros en cuanto a la forma de hacer arte a finales del siglo XIX. A diferencia de los impresionistas que los precedieron y los fovistas que vinieron después, los artistas postimpresionistas no compartían un solo enfoque estético. En cambio, lo que los unió fue un interés común en explorar abiertamente la mente del artista.

Dada la variedad de estilos, técnicas e incluso temáticas presentes en las pinturas post-impresionistas, definir el movimiento puede ser difícil. Sin embargo, al hacer un recuento de su historia, identificar a sus artistas y determinar sus características distintivas, se puede empezar a comprender el significado histórico y simbólico de esta corriente artística.

¿Qué es el postimpresionismo?

El postimpresionismo es un movimiento artístico que se desarrolló durante la década de 1890. Se caracteriza por un enfoque subjetivo de la pintura, ya que los artistas buscaban evocar emociones a través de su obra, dejando a un lado el realismo. Si bien sus estilos varían mucho, las pinturas postimpresionistas sí comparten algunas características. Éstas incluyen motivos simbólicos, colores poco naturales, y pinceladas pictóricas.

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Vincent van Gogh, ‘La noche estrellada’ (1889)

Historia

Entre 1870 y 1880, el impresionismo era la corriente vanguardista dominante en Francia. Sin embargo, muchos nuevos artistas no estaban de acuerdo con el enfoque impresionista en la forma en vez de la temática. Con la intención de revolucionar el mundo del arte contemporáneo, varios artistas con estilos disímiles—incluyendo a Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Georges Seurat, Henri Toulouse-Lautrec y Henri Rousseau—formaron el grupo de los postimpresionistas.

Al igual que los impresionistas, los postimpresionistas compartieron su trabajo con el público a través de exhibiciones independientes por todo París. En 1910, el conocido crítico de arte, historiador y curador Roger Fry acuñó el término “postimpresionismo” en su exposición Manet y los postimpresionistas. Al igual que los artistas de esta corriente, Fry creía firmemente que la belleza del arte está intrínsicamente anclada a la percepción. “El arte es una expresión y un estímulo a la vida imaginaria más que una copia de la vida real”, explica Fry en An Essay in Aesthetics. “El arte aprecia la emoción por sí sola. El artista es un constante observador de su entorno y el menos afectado por su valor estético intrínseco. Al contemplar un campo de visión específico, la conjunción estética caótica y accidental de formas y colores comienza a cristalizarle en una armonía”. Hoy en día, estas ideas nos ayudan a entender el hilo conductor entre estos artistas.

Características clave

Simbolismo emocional

Como explica Fry, los postimpresionistas creían que una obra de arte no debería de girar alrededor de un estilo, proceso o enfoque estético en particular. En cambio, la obra debería de hacer énfasis en el simbolismo al comunicar los pensamientos más profundos del subconsciente del artista. En lugar de emplear el sujeto como una herramienta visual o como un medio para un fin, los postimpresionistas lo percibieron como una forma de transmitir sentimientos. Según Paul Cézanne, “una obra de arte que no comenzó en las emociones no es una obra de arte”.

Post-Impressionism

Paul Cézanne, ‘Pirámide de cráneos’ (1901)

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Henri Rousseau, ‘El sueño,’ 1910

Colores llamativos

“¡El color! Qué profundo y misterioso lenguaje, el lenguaje de los sueños”. -Paul Gauguin

A diferencia de los impresionistas, quienes buscaban capturar los efectos de la luz natural sobre los tonos, los postimpresionistas deliberadamente adoptaron una paleta de color artificial para representar su percepción emocional del mundo que los rodeaba. Tonalidades saturadas, sombras multicolor y una gran variedad de colores son evidentes en la mayoría de las pinturas postimpresionistas, mostrando el enfoque innovador e imaginativo de los artistas hacia la representación.

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Paul Gauguin, ‘El Cristo amarillo’ (1889)

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Henri de Toulouse-Lautrec, ‘En el Moulin Rouge’ (1892–1895)

Pinceladas distintivas

Al igual que las pinturas que pertenecen al impresionismo, la mayoría de las pinturas postimpresionistas presentan pinceladas gruesas y perceptibles. Además de añadir textura y un sentido de profundidad a la obra de arte, estas marcas también apuntan a las cualidades pictóricas de la obra, dejando claro que no pretende ser una representación realista.

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Paul Cézanne, ‘Las grandes bañistas’ (1898–1905)

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Vincent van Gogh, ‘Dos figuras en el bosque’ (1890)

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Vincent van Gogh, detalle de  ‘Dos figuras en el bosque’ (1890)

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