Explorando la visión y los diversos estilos de los pioneros postimpresionistas

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Conocidos por sus diversos y distintivos estilos y por sus percepciones subjetivas del mundo que los rodeaba, los postimpresionistas fueron pioneros en cuanto a la forma de hacer arte a finales del siglo XIX. A diferencia de los impresionistas que los precedieron y los fauvistas que vinieron después, los artistas postimpresionistas no compartían un solo enfoque estético. En cambio, lo que los unió fue un interés común en explorar abiertamente la mente del artista.

Dada la variedad de estilos, técnicas e incluso temáticas presentes en las pinturas postimpresionistas, definir el movimiento puede ser difícil. Sin embargo, al hacer un recuento de su historia, identificar a sus artistas y determinar sus características distintivas, se puede empezar a comprender el significado histórico y simbólico de esta corriente artística.

¿Qué es el postimpresionismo?

El postimpresionismo es un movimiento artístico que se desarrolló durante la década de 1890. Se caracteriza por un enfoque subjetivo de la pintura, ya que los artistas buscaban evocar emociones a través de su obra, dejando a un lado el realismo. Si bien sus estilos varían mucho, las pinturas postimpresionistas sí comparten algunas características. Éstas incluyen motivos simbólicos, colores poco naturales, y pinceladas pictóricas.

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Vincent van Gogh, ‘La noche estrellada' (1889)

Historia

Entre 1870 y 1880, el impresionismo era la corriente vanguardista dominante en Francia. Sin embargo, muchos nuevos artistas no estaban de acuerdo con el enfoque impresionista en la forma en vez de la temática. Con la intención de revolucionar el mundo del arte contemporáneo, varios artistas con estilos disímiles —incluyendo a Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Georges Seurat, Henri Toulouse-Lautrec y Henri Rousseau— formaron el grupo de los postimpresionistas.

Al igual que los impresionistas, los postimpresionistas compartieron su trabajo con el público a través de exhibiciones independientes por todo París. En 1910, el conocido crítico de arte, historiador y curador Roger Fry acuñó el término “postimpresionismo” en su exposición Manet y los postimpresionistas. Al igual que los artistas de esta corriente, Fry creía firmemente que la belleza del arte está intrínsicamente anclada a la percepción. “El arte es una expresión y un estímulo a la vida imaginaria más que una copia de la vida real”, explica Fry en An Essay in Aesthetics. “El arte aprecia la emoción por sí sola. El artista es un constante observador de su entorno y el menos afectado por su valor estético intrínseco. Al contemplar un campo de visión específico, la conjunción estética caótica y accidental de formas y colores comienza a cristalizarle en una armonía”. Hoy en día, estas ideas nos ayudan a entender el hilo conductor entre estos artistas.

 

Características clave

Simbolismo emocional

Como explica Fry, los postimpresionistas creían que una obra de arte no debería de girar alrededor de un estilo, proceso o enfoque estético en particular. En cambio, la obra debería de hacer énfasis en el simbolismo al comunicar los pensamientos más profundos del subconsciente del artista. En lugar de emplear el sujeto como una herramienta visual o como un medio para un fin, los postimpresionistas lo percibieron como una forma de transmitir sentimientos. Según Paul Cézanne, “una obra de arte que no comenzó en las emociones no es una obra de arte”.

Post-Impressionism

Paul Cézanne, ‘Pirámide de cráneos' (1901)

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Henri Rousseau, ‘El sueño,' 1910

Colores llamativos

“¡El color! Qué profundo y misterioso lenguaje, el lenguaje de los sueños”. -Paul Gauguin

A diferencia de los impresionistas, quienes buscaban capturar los efectos de la luz natural sobre los tonos, los postimpresionistas deliberadamente adoptaron una paleta de color artificial para representar su percepción emocional del mundo que los rodeaba. Tonalidades saturadas, sombras multicolor y una gran variedad de colores son evidentes en la mayoría de las pinturas postimpresionistas, mostrando el enfoque innovador e imaginativo de los artistas hacia la representación.

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Paul Gauguin, ‘El Cristo amarillo' (1889)

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Henri de Toulouse-Lautrec, ‘En el Moulin Rouge' (1892–1895)

Pinceladas distintivas

Al igual que las pinturas que pertenecen al impresionismo, la mayoría de las pinturas postimpresionistas presentan pinceladas gruesas y perceptibles. Además de añadir textura y un sentido de profundidad a la obra de arte, estas marcas también apuntan a las cualidades pictóricas de la obra, dejando claro que no pretende ser una representación realista.

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Paul Cézanne, ‘Las grandes bañistas' (1898–1905)

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Vincent van Gogh, ‘Dos figuras en el bosque' (1890)

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Vincent van Gogh, detalle de  ‘Dos figuras en el bosque' (1890)

 

Diferentes técnicas

A diferencia de otros movimientos artísticos importantes, el postimpresionismo incluye una enorme variedad de estilos y subgéneros. Entre ellos se encuentran el puntillismo, el japonismo y el primitivismo.

 

Puntillismo

Impulsado por Georges Seurat y Paul Signac, el puntillismo es una técnica que emplea pequeños puntos de color que se unen para formar una composición cohesiva. Si bien se inspira en las pinceladas del impresionismo, el puntillismo muestra el enfoque en la planitud y la formalidad evidente en muchas piezas postimpresionistas. Seurat y Signac introdujeron el método en 1886, y continuaron trabajando en este estilo a lo largo de toda su carrera.

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Georges Seurat, ‘Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte' (1884-1886)

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Georges Seurat, detalle de ‘Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte' (1884-1886)

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Paul Signac, ‘El pino en Saint Tropez' (1909)

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Georges Seurat, ‘Bañistas en Asnières' (1884)

Japonismo

De forma similar en que los artistas impresionistas se inspiraron en el uso de perspectiva y color en el arte japonés, los postimpresionistas —específicamente, Vincent van Gogh— emularon e imitaron las estampas japonesas en su trabajo. En algunas piezas, como Ciruelo en flor (después de Hiroshige) y Puente en la lluvia (después de Hiroshige), van Gogh replica obras de arte conocidas. En otras, como Retrato de Père Tanguy, simplemente emplea el arte japonés como acento.

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Vincent van Gogh, ‘Retrato de Père Tanguy' (1887)

Van Gogh admiraba el impacto emocional y la calidad filosófica del contenido del arte japonés. “Cuando estudiamos el arte japonés, vemos a un hombre que sin duda es sabio, filosófico e inteligente. ¿Y cómo pasa su tiempo?”, pregunta a su hermano, Theo, en una carta de 1888.

“Estudia una sola brizna de hierba. Pero esa brizna de hierba lo lleva a dibujar plantas de todo tipo, y después las estaciones, los aspectos generales del paisaje, después animales y, finalmente, al ser humano. Así es como pasa su vida, y la vida es demasiado corta para hacerlo todo. Vamos, ¿no es casi una verdadera religión la que nos enseñan estos sencillos japoneses, que viven en la naturaleza como si ellos mismos fueran flores? Y me parece que no podemos estudiar arte japonés sin volvernos mucho más alegres y felices, y debemos volver a la naturaleza a pesar de nuestra educación y nuestro trabajo en un mundo de convenciones”.

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Vincent van Gogh, ‘Ciruelo en flor (después de Hiroshige)' (1887)

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Vincent van Gogh, ‘Puente en la lluvia (después de Hiroshige)' (1887)

Primitivismo 

Aunque la estética “primitiva” ha sido usada por artistas de muchos movimientos, se asocia más estrechamente con dos géneros de arte: el postimpresionismo y, más tarde, el cubismo.

Varios artistas postimpresionistas como Paul Gauguin y Henri Rousseau fueron pioneros en el enfoque del arte moderno con piezas como ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? y El gitano dormido, respectivamente. Estas piezas presentan las dos cualidades principales del primitivismo —un interés por temas no occidentales y un estilo de pintura inocente— a la vez que capturan el interés de los artistas en temas emocionales e incluso oníricos.

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Paul Gauguin, ‘¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?' (1897-1898)

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Henri Rousseau, ‘El gitano dormido' (1897)

En definitiva, y aunque se componga de muchas características, estilos e incluso subgéneros diferentes, el postimpresionismo logra transmitir la conexión inherente entre las emociones y el arte, demostrando el poder y el potencial de la mente del artista.

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Sofía Vargas

Sofía Vargas es redactora en español para My Modern Met. Originaria de la Ciudad de México, es licenciada en Lenguas Modernas y tiene un Máster en Gestión Cultural por la Universidad Carlos III de Madrid. A lo largo de su carrera ha trabajado para varias instituciones culturales y ferias de arte en México. Además de escribir, Sofía dedica su tiempo a explorar otras prácticas artísticas, como la cerámica y la ilustración.
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