Este artista crea patrones hipnóticos en la arena de la playa

“Coordinated Chaos II”, California, 2019

El artista Andres Amador, quien reside en San Francisco, lleva creando diseños a gran escala en las playas desde 2004. Sus patrones van desde diseños geométricos hasta mandalas y corrientes de agua, los cuales desaparecen cuando sube la marea. Si bien su proyecto comenzó en el norte de California, el artista ahora crea sus obras de arte en costas de todo el mundo.

“El enfoque de mi trabajo durante los últimos 15 años es la serie Earthscape Art, en constante evolución, inspirada en mi estudio de la caligrafía, la arquitectura antigua y la ciencia de todas las disciplinas”, escribe Amador. “La obra de arte puede extenderse más de 100,000 pies (30.4 km), alcanzable solo durante la marea baja cuando la playa queda revelada”. Estos grabados en la arena crean un diálogo entre el arte y el entorno, y de igual manera, entre el artista y su propia obra. El aspecto efímero del proceso invita a Amador a meditar sobre temas profundos. “A través de esta forma de arte he llegado a valorar el acto contemplativo de la creación por sí mismo”, continúa. “Todo el acto se convierte en una meditación sobre estar en el momento, de celebrar y estar en paz con la vida y la muerte”.

Tuvimos la oportunidad de charlar con Amador sobre su serie Earthscape Art y cómo da vida a estos diseños monumentales en la arena. A continuación, lee la entrevista exclusiva de My Modern Met.

“Disk”, Greyhound Beach, California, 2017

¿Cómo empezaste a hacer arte en la arena?

Antes de estas obras, hice trabajos escultóricos. Ese trabajo resultó ser muy geométrico. Al estudiar las formas que estaba creando, me topé con los métodos que nuestros ancestros habrían utilizado para diseñar sus enormes templos y edificios. Los círculos de cultivo comparten muchas de estas técnicas, por lo que mi ojo también se sintió atraído por eso. Después, cuando estaba en la playa compartiendo lo que había estado aprendiendo con un amigo, de repente me di cuenta de lo que podía ser posible con un lienzo tan grande como el que la playa podía ofrecer.

“Disk”, Kehoe, California, 2017

“Disk VII”, California, Estados Unidos, 2017

La mayoría de tus diseños se centran en patrones. ¿En qué te inspiras para crear estas piezas abstractas?

La naturaleza es mi máxima inspiración. Durante los primeros años, me enfoqué en el trabajo geométrico, ya que fue mi puerta de entrada a la creación a gran escala. Para entonces, mis estudios se habían centrado en los fractales y los patrones de la naturaleza. Mi trabajo geométrico representaba un gran problema para mí. Se sentían estáticos y sin vida, mientras que estas nuevas áreas de investigación se sentían vivas y dinámicas. Siempre me ha atraído la naturaleza, pero nunca pude descifrar lo que estaba viendo. Y luego tuve una epifanía de que en la naturaleza siempre están ocurriendo procesos y el patrón que vemos es el resultado.

Por ejemplo, en algún umbral de temperatura, la humedad de la atmósfera se precipitará y formará una nube. Si la temperatura sube, el agua se evapora. Si sube la humedad, puede llover. Es un proceso dinámico, que se puede apreciar al observar cómo las nubes aparecen, cambian y evolucionan a medida que pasan flotando. La nube no sabe cómo se ve, simplemente aparece como resultado de la interacción de otras fuerzas. Piensa también en las ondas en la arena formadas por el agua o el viento. O la forma en que el crecimiento de los árboles responde a la luz. Cada especie a su manera, haciendo sus propios perfiles identificables pero individualmente únicos en el bosque. Entonces comencé a imitar esta aparente complejidad combinando procesos simples mientras trabajaba, procesos que podía mantener juntos en un área grande sin tener que ser específico de ninguna manera en particular (como tendría que ser con el trabajo geométrico). De esta manera, la obra de arte “emergería” sin una dirección o intención específicas.

Estos días he estado combinando estos enfoques “geométricos” y “orgánicos”, reconociendo tanto el lado del orden como el caos de nuestra existencia.

“Coordinated Chaos I”, San Francisco, Estados Unidos, 2019

“Coordinated Chaos I”, San Francisco, Estados Unidos, 2019 (detail)

¿Cómo es tu proceso creativo para cada pieza?

Siempre estoy tomando fotos y notas de los patrones que veo cuando estoy al exterior, tanto naturales como creados por el hombre, y me pregunto qué está sucediendo y qué puedo aprender que pueda aplicarse a gran escala. A veces, un enfoque con el que me encuentro para trabajar a nivel de paisaje sugerirá sus propias posibilidades. Exploraré todo esto en mi cuaderno de bocetos. Cuando un diseño se ha convertido en algo que se siente maduro, entra en una “olla” de ideas para seleccionar la próxima vez que esté en la playa. Una vez que puedo evaluar una ubicación en persona, elijo el diseño que funciona bien con las circunstancias de la playa. Cada diseño tiene su propio enfoque. A veces tengo una mejor idea de lo que será antes de comenzar y, a veces, el proceso se interrumpe de alguna manera imprevista.

“Mandala”, Stinson Beach, California, Estados Unidos, 2015

¿Tienes alguna idea en mente antes de visitar un lugar o creas las piezas dependiendo del sitio?

En su mayoría, llego a la playa sin ideas preconcebidas. Sin embargo, una vez que he comenzado a trabajar en una nueva pieza, sé el proceso que seguiré. Así que no lo estoy inventando sobre la marcha; hay algún tipo de plan que me permite mantenerlo todo junto a una escala tan grande. Generalmente, cuando llego a una nueva ubicación, vengo preparado con varias posibilidades en las que he estado trabajando. Luego decido qué sería lo más apropiado dadas las condiciones de la playa: si la playa es ancha o estrecha, inclinada o plana, etc.

Algunos diseños requieren más espacio, otros funcionan mejor cuando hay rincones y grietas naturales que llenar. Hay ocasiones en las que puedo pasar varios días en un lugar, en cuyo caso puedo diseñar para esa circunstancia específica. Puede haber un diálogo entre la obra de arte y el paisaje, nunca puedo dar por sentado cómo puede presentarse una playa. Todos cambian a lo largo del mes y el año, por lo que debo ser flexible con lo que hago.

“Substructures V”, Half Moon Bay, California, Estados Unidos, 2009

“Xiuhcoatl I”, Sayulita, México, 2014

¿Qué piensas del aspecto efímero de tu arte?

Después de haber hecho este tipo de arte durante tanto tiempo, lo efímero juega un papel menos importante en mi experiencia que al principio. Al principio, había una cualidad subversiva en el arte. No es que sea especial de ninguna manera por crear arte que no está destinado a durar, pero como norma cultural, consideramos que la permanencia tiene más valor. Pero a través de este arte, llegué a reconocer que en el largo tiempo, nada durará. Eventualmente, todas las cosas que he hecho y que todos los humanos han hecho serán borradas.

Me hizo reconocer que, en el fondo, el deseo de permanencia es el miedo a nuestra mortalidad. ¿Cómo elegimos pasar nuestro tiempo en esta existencia limitada? Es una pregunta fundamental que puede resultar desafiante e inspiradora. Me llevó al siguiente reconocimiento: ¿qué vale la pena hacer además de lo que eleva mi espíritu? Eso hizo que me permitiera dejar que el arte ocupara un lugar más importante en mi vida, invirtiendo tanta energía en algo que casi de inmediato comenzará a desaparecer. Mi arte es un indicador de esta conciencia más amplia: valorar la experiencia de la vida a medida que está sucediendo.

“Warped Fields”, San Francisco, Estados Unidos, 2009

¿Cómo ha cambiado tu práctica artística con el paso de los años?

Hay un par de cosas que valoro del desarrollo de mi trabajo. Al comienzo de mi obra de arte profesional, hace más de 20 años, casi siempre estaba en interiores, a menudo casi a oscuras debido a las esculturas que estaba construyendo, encorvado haciendo un trabajo fino y meticuloso. Trabajar al aire libre y en la playa (¡descalzo!) fue un cambio enorme y bienvenido. Interactuar físicamente con mi arte, usar mi cuerpo como el pincel esencialmente, me trajo una conexión mucho mayor con mis creaciones.

“Flow II”, Stinson Beach, California, Estados Unidos, 2015

¿Hay una obra de la que estés particularmente orgulloso?

Sí. Flow II es mi pieza más grande que trabaja con un paisaje específico. Mi inspiración fue la pintura al agua japonesa de un río que fluye. Lo diseñé en una foto aérea del lugar. Ser capaz de atravesar la larga línea curva como si fueran trazos creados desde arriba es bastante difícil. Para un diseño orgánico, obtuve un resultado específico que se ve y se siente natural desde arriba, pero en el suelo, es una gran distancia y tuve que “sentir los golpes”.

“Thumbprint”, Boston, Estados Unidos, 2019

“Field II”, California, Estados Unidos, 2018

¿Cómo sabes cuando una pieza está terminada?

Diferentes diseños tienen finales diferentes. Algunos necesitan alcanzar una cierto término. Algunos pueden seguir y seguir sin fin y se terminan cuando mi lienzo se agota, las olas regresan o estoy listo para detenerme. Un diseño puede necesitar algunos intentos antes de que se complete como concepto.

¿Cuál es la mejor parte de ser un artista?

Aprecio que puedo ser creativo para ganarme la vida, hacerlo en mis términos y expresar quién soy. Es gratificante crear un trabajo que trae alegría, asombro e inspiración a tantos.