5 Piezas de Kara Walker que cuentan historias de vidas afroamericanas

 

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La artista Kara Walker es una de las artistas estadounidenses más reconocidas a nivel internacional. Walker explora la identidad racial afroamericana creando obras inspiradas en el sur de Estados Unidos previo a la guerra civil. Walker es conocida por su uso de los recortes de papel de la época victoriana, que utiliza para crear cuadros del tamaño de una habitación. Al revivir esta técnica del siglo XVIII, Walker relata impactantes relatos históricos sobre la esclavitud y los estereotipos étnicos. “Mi obra siempre ha sido una máquina del tiempo que mira hacia atrás a través de décadas y siglos para llegar a comprender mi ‘lugar' en el momento contemporáneo”, dice Walker sobre su trabajo.

La obra de Walker suele representar escenas perturbadoras de violencia y opresión, con las que espera provocar sentimientos incómodos en el espectador. “No quería un espectador completamente pasivo”, dice. “Quería hacer una obra en la que el espectador no se alejara; que se riera nerviosamente, se viera arrastrado a la historia, a la ficción, a algo totalmente degradante y posiblemente muy hermoso”.

Aunque Walker es mejor conocida por sus siluetas, también realiza grabados, pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones. Sigue leyendo para descubrir cinco de las obras más famosas de Walker.

Aquí tienes cinco obras de Kara Walker que debes conocer.

 

Gone: An Historical Romance of a Civil War as it Occurred b'tween the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart, 1994

 

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Esta épica instalación mural de 1994 fue la primera exposición de Walker en Nueva York. La artista estrenó su medio característico: siluetas negras recortadas de figuras vestidas con trajes del siglo XIX, dispuestas sobre una pared blanca. El elaborado título de la obra (que podría traducirse como “Llevada: un romance histórico de una guerra civil tal como ocurrió entre las oscuras piernas de una joven negra y su corazón”) hace varias referencias. Gone es un guiño a la novela de Margaret Mitchell de 1936 Lo que el viento se llevó, ambientada durante la guerra civil estadounidense. Walker también hace referencia a un pasaje de The Clansman, de Thomas Dixon, Jr. (un texto principal del Ku Klux Klan) dedicado al poder manipulador de la “negra leonada”.

La forma del cuadro parece contar una historia romántica de cuento, como indican las dos figuras enamoradas de la izquierda. Sin embargo, una mirada más cercana a los otros personajes revela representaciones gráficas de sexo y violencia. Al describir sus pensamientos cuando realizó la obra, Walker dice: “La historia de Estados Unidos se basa en esta desigualdad… El maltrato burdo y brutal de un grupo de personas, dominantes con un tipo de color de piel y un tipo de percepción de sí mismos, frente a otro grupo de personas con un tipo de color de piel y una posición social diferente. Y la suposición sería que, bueno, los tiempos cambiaron y hemos avanzado. Pero esta es la mitología subyacente… Y nos la creemos. La blancura es una construcción tan artificial como la negritud”.

 

Darkytown Rebellion, 2001

Tras realizar varias obras con recortes en blanco y negro, Walker comenzó a experimentar con la luz a principios de la década de 2000. En Darkytown Rebellion, proyectó luz de colores sobre sus figuras, acentuando los aspectos terroríficos de la escena. La luz permitía incluso que las sombras de los espectadores interactuaran con los personajes recortados de Walker. Al fusionar el blanco y negro con el color, Walker vincula el pasado con el presente. Invita a los espectadores a contemplar cómo la historia del racismo sistémico de Estados Unidos sigue afectando y definiendo la cultura del país en la actualidad.

 

A Subtlety, or the Marvelous Sugar Baby, 2014

Encargada por la organización artística pública Creative Time, se trata de la mayor obra de Walker hasta la fecha. El título completo de la obra se traduce como: Una sutileza, o la maravillosa bebé de azúcar un homenaje a los artesanos no remunerados y sobrecargados de trabajo que han refinado nuestros dulces sabores desde los campos de caña hasta las cocinas del Nuevo Mundo con motivo de la demolición de la planta refinadora de azúcar Domino.

Walker realizó una gigantesca escultura de una mujer recubierta de azúcar dentro de la ya demolida fábrica de azúcar Domino de Brooklyn. La artista realizó docenas de dibujos y modelos a escala de la pieza antes de que un equipo de escultores y expertos en confitería pasara dos meses construyendo el diseño final en forma de esfinge. La increíble instalación se hizo con 330 bloques de espuma de poliestireno y 40 toneladas de azúcar.

Como respuesta a la historia del edificio, la obra gigante representa un estereotipo racista de “mammy”. Esculturas de jóvenes negros—hechas de melaza y resina—la rodeaban, pero se fueron derritiendo lentamente en el transcurso de la exposición. El azúcar crudo es marrón y, hasta el siglo XIX, el azúcar blanco era elaborado por los esclavos que lo blanqueaban. El proceso era peligroso y a menudo llevaba a los trabajadores a perder miembros, e incluso sus vidas. La poderosa pieza in situ de Walker conmemora las experiencias indocumentadas de la clase trabajadora de este momento de la historia y llama la atención sobre la desigualdad racial.

“La fábrica de azúcar Domino tiene un papel clave en la obra”, dice Walker sobre la pieza. “[Quería] hacer una pieza que la complementara, que se hiciera eco de ella y que, con suerte, contuviera estos diferentes significados sobre el imperialismo, sobre la esclavitud, sobre el comercio de esclavos que cambiaba azúcar por cuerpos y cuerpos por azúcar”.

 

Resurrection Story with Patrons, 2017

 

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Resurrection Story with Patrons (“Historia de resurrección con patronos”) de Walker es una pintura en tres partes (o tríptico). Hace referencia a la residencia de 2016 de la artista en la Academia Americana de Roma. Durante su estancia en Italia, vio numerosos ejemplos de arte renacentista y barroco. La forma y las imágenes del grabado imitan un retablo, una obra de arte tradicional utilizada para decorar el altar de las iglesias cristianas. Los retablos suelen reservarse para contar historias bíblicas, pero Walker reinterpreta esta forma de arte para crear una narración de la historia estadounidense y de la identidad afroamericana.

La imagen central (mostrada aquí) representa una gigantesca escultura del torso de una mujer negra desnuda siendo levantada por varias figuras negras. La pieza hace referencia a los trabajos forzados de los esclavos en los Estados Unidos del siglo XIX, pero también ilustra un puerto africano, al otro lado del comercio transatlántico de esclavos.

Dos figuras afroamericanas—un hombre y una mujer—enmarcan el panel central a la izquierda y a la derecha. Al estar representadas en blanco sobre un fondo oscuro, Walker puede revelar más detalles que sus siluetas anteriores. Las figuras tienen rasgos acentuados, como cejas prominentes y labios y narices agrandados. La vestimenta formal de la figura masculina indica que es del periodo antebellum, mientras que la mujer apenas está vestida. En la obra de tres paneles, Walker yuxtapone la belleza de la silueta con escenas de violencia y explotación. La obra también destaca la conexión entre los esclavos oprimidos y las figuras que se beneficiaban de ellos.

 

Fons Americanus, 2019

 

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Creada para la comisión de Hyundai del Tate Modern en 2019, Fons Americanus es una escultura pública a gran escala en forma de fuente de cuatro niveles. Está inspirada en el Victoria Memorial que se encuentra frente al Palacio de Buckingham, en Londres. Sin embargo, en lugar de celebrar el Imperio británico, la pieza de Walker presenta una narrativa del poder en las historias de África, América y Europa.

Fons Americanus mide la mitad que el Victoria Memorial, y en lugar de mármol blanco, Walker utilizó materiales sostenibles, como corcho, madera blanda y metal, para crear su fuente de 13 metros de altura. La escultura representa la brutalidad de la esclavitud en yuxtaposición con la tranquilidad de una fuente, y cuenta con varios elementos figurativos.

La pieza central de la fuente hace referencia a una obra de propaganda de 1801 llamada El viaje de la Venus de Sable, de Angola a las Indias Occidentales. La figura extiende sus brazos hacia el cielo, pero su garganta está cortada y el agua brota de ella como si fuera sangre. Debajo de la Venus de Sable hay dos figuras masculinas; una representa a un capitán de barco y la otra simboliza a un antiguo y poderoso propietario de esclavos. Ambos miran hacia la base de la fuente, donde el agua está llena de esclavos ahogados y tiburones. El agua es tal vez el elemento más importante de la obra, ya que representa los océanos por los que se transportaba a los esclavos a la fuerza cuando se comerciaba con ellos.

 

Kara Walker: Sitio web | InstagramTwitter

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Sofía Vargas

Sofía Vargas es redactora en español para My Modern Met. Originaria de la Ciudad de México, es licenciada en Lenguas Modernas y Gestión Cultural por la Universidad Anáhuac. A lo largo de su carrera ha trabajado para varias instituciones culturales y ferias de arte en México. Además de escribir, Sofía es una apasionada de la cocina y dedica su tiempo a desarrollar otras habilidades artísticas, como la cerámica y la ilustración.
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