“Alegoría de vanidad”, por Antonio de Pereda, c. 1632-1636. (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Un cráneo puede simbolizar muchas cosas. Hay quien podría asociarlo con muerte o peligro por su asociación con las banderas de pirata. Otros podrían pensar en las calaveras en un contexto científico: un rastro evolutivo que nos da nuestra forma actual. Pero para muchos pintores del siglo XVII, los cráneos eran un símbolo de la naturaleza fugaz de la vida. Un motivo especialmente popular entre los antiguos maestros holandeses, los cráneos se incorporaron a un género de pintura conocido como vanitas.
La tradición pictórica de vanitas se inspira en la Biblia, pero las meditaciones artísticas sobre la vida fugaz y la muerte inminente se remontan a la antigüedad. Diferentes símbolos —como las ruedas, los relojes de arena y los relojes— representan el imparable paso del tiempo. Sin embargo, en las pinturas de vanitas no todo es fatalidad y pesimismo. Por el contrario, promovían un enfoque más piadoso y espiritual hacia la vida. Quienes veían un cuadro de vanitas eran invitados a vivir sus vidas más allá de las preocupaciones terrenales.
Memento mori
Un mosaico romano de “memento mori” de Pompeya. En él aparece la rueda de la fortuna y la vida y la muerte colgando de un hilo. (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Los antiguos griegos y romanos pensaban mucho en la muerte. Filósofos como Sócrates y Platón reflexionaron sobre el hecho de que el final de la vida era inevitable. El estoicismo incorporó esta verdad en su desarrollo como filosofía antigua. Un memento mori servía como recordatorio físico de este hecho. Estos objetos son la encarnación literal de su nombre en latín, que significa “recuerda que morirás”. Este recordatorio podía adoptar la forma de un mosaico. Una calavera solía estar en el centro de la pieza, pero también se utilizaban símbolos como la rueda del tiempo o vegetación (que se marchita de forma natural).
Los europeos medievales combinaron la teología cristiana con el legado estoico para dar su propio giro al memento mori. Centrados en la muerte inminente, incorporaron símbolos como relojes de arena, velas apagadas, flores y frutas. Cada objeto, al igual que la vida humana, se “acaba” inevitablemente de alguna manera, ya sea por una rápida ráfaga de aire, por el paso natural del tiempo o por la decadencia. Otros memento mori simbólicos que representan meditaciones sobre la vida y la muerte pueden verse en todo el mundo, desde México hasta el Tíbet.
El Siglo de Oro neerlandés
“Un retrato de vanitas de una dama”, Clara Peeters, c. 1613-1620. (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
El memento mori fue adoptado por los pintores del Siglo de Oro neerlandés. La Edad de Oro tuvo lugar en el siglo XVII, cuando el comercio hizo que los Países Bajos entraran en una época de gran prosperidad. El arte y la cultura florecieron bajo el próspero patrocinio de comerciantes y nobles. Pintores como Rembrandt van Rijn, Johannes Vermeer y Frans Hals produjeron innumerables obras de retratos, bodegones y paisajes. Conocidos por la sutil pincelada y el impactante realismo del periodo barroco, las obras de los grandes maestros holandeses alcanzan hoy precios increíbles en las subastas.
A partir del siglo XVI y hasta el siglo XVII, un grupo de pintores centrados en la ciudad holandesa de Leiden comenzó a producir distintivos cuadros de vanitas. La ciudad era muy protestante, y los teólogos que estudiaban en la Universidad de Leiden hacían mucho hincapié en los placeres artificiales de esta vida. Cuna de Rembrandt, la ciudad era también un centro del Renacimiento nórdico. La teología y la tradición artística se unirían para producir innumerables ejemplos conocidos de pinturas de vanitas.
Vanitas, una meditación
“Vanitas: bodegón con ramo y cráneo” por Adriaen van Utrecht, c. 1642. (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Vanitas es, en cierto modo, un subgénero de la antigua tradición del memento mori. El género toma su nombre del Libro del Eclesiastés de la Biblia: “Vanidad de vanidades, dice el Predicador, vanidad de vanidades, todo es vanidad”. Al igual que las obras de arte memento mori, las calaveras ocupan un lugar destacado, al igual que los relojes de arena y la vegetación marchita. Tienen el mismo significado: la vida es corta y fugaz. Sin embargo, como señala la Tate, las pinturas de vanitas añaden un simbolismo más mundano. El oro, las joyas, el vino, los libros y los instrumentos musicales recuerdan al espectador que estos placeres terrenales son inútiles o vanos.
“Vanitas,” por Jan van der Straet, conocido como Stradanus, mediados del siglo XVI a principios del siglo XVII. (Foto: The Metropolitan Museum of Art, dominio público)
Aunque la vanidad se utiliza a menudo para significar orgullo o presunción, aquí se refiere a la falacia de depositar la confianza y el disfrute en las actividades mundanas. En cambio, se anima al espectador a contemplar la vida eterna después de la muerte, tal y como se describe en la teología cristiana. Los pintores protestantes produjeron muchas de las obras de vanitas más conocidas. Sin embargo, los artistas católicos también contemplaron estos mismos temas. Al recordar la inminencia de la muerte y la inutilidad de sus propios logros seculares, se animaba a cualquier espectador a reexaminar su relación con Dios como su salvador y única esperanza. Aunque no era un mensaje estrictamente alegre, aún había esperanza para los piadosos.
“Alegoría de Carlos I de Inglaterra y Enriqueta de Francia en un bodegón de vanitas”, pintor flamenco anónimo, 1670.(Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Las obras de vanitas son un ejemplo de arte alegórico. Una obra alegórica puede ser figurativa o una naturaleza muerta, pero su verdadero significado va más allá de lo que se representa. El tema de la obra se utiliza para representar un ideal o una idea superior. Estos significados ocultos pueden no ser obvios para el espectador contemporáneo. Sin embargo, un espectador de aquella época habría compartido gran parte del mismo léxico religioso y cultural que el pintor. Una obra de vanitas con una calavera, un reloj de arena y abundantes flores habría comunicado claramente su significado temático a un holandés del siglo XVII.
Vanitas moderno
“Skull Portraits”, de Alexander de Cadenet, en exhibición en 30 Underwood Street Gallery, Shoreditch, Londres, marzo de 2000. (Foto: Saffarelli vía Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0)
Este léxico cultural compartido sigue presente hoy en día, incluso cuando los símbolos relevantes se han transformado con el tiempo. El más duradero es la calavera, que sigue siendo un símbolo de la muerte. Muchos artistas modernos han incorporado la calavera a sus obras, muchas de las cuales pueden considerarse una continuación de la tradición de las vanitas. Los retratos de calaveras de famosos realizados por el artista británico Alexander de Cadenet con rayos X son un ejemplo contemporáneo. For the Love of God de Damien Hirst es otro ejemplo. Descrita como una especie de “contra-vanitas”, o un triunfo sobre la muerte, la obra es un molde de platino de un cráneo humano del siglo XVIII con más de 8,000 diamantes incrustados. Los dientes son dientes humanos reales. La obra se estrenó en 2007 con muchos comentarios en el mundo del arte.
Hablar de la muerte a través del arte no es algo nuevo. La tradición de las vanitas continuó con la meditación sobre la vida y la muerte que existía desde hacía tiempo en los memento mori. A través de la pintura, los artistas ven a la muerte a la cara y se preguntan cómo debemos vivir nuestras vidas antes de que llegue ese momento. Mientras que algunos pueden ver las obras de vanitas como algo macabro, los primeros pintores modernos y sus espectadores vieron un mensaje de esperanza. Por muy efímera que sea esta vida, los cuadros ilustran que hay algo superior a lo que aspirar.
“Bodegón con cráneo, vanitas,” por Philippe de Champaigne, c. 1671. (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
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