Conoce la historia del ‘color field painting’ y los artistas que lo desarrollaron

 

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El arte moderno atravesó varios giros estilísticos, pero pocos fueron tan sublimes como el color field painting. El término, que en español quiere decir “pintura de campos de colores”, se aplica a obras de arte con grandes áreas de un solo tono. Este método surgió por primera vez a finales de la década de 1940, cuando varios artistas abstractos intentaron crear una nueva forma de arte. Buscaban evocar emociones e ideas a través del color puro en lugar de representar escenas y formas ilustrativas y reconocibles. Así, en cambio, el fondo y el primer plano de la pintura son uno mismo, y el espacio de la imagen, concebido como un “campo”, parece consumir tanto el lienzo como el punto de vista del espectador.

Este movimiento fue creado por los expresionistas abstractos Mark Rothko, Barnett Newman y Clyfford Still. Para finales de la década de 1950, una nueva generación de artistas de color field comenzaron a aparecer, y la popularidad de este estilo continuó creciendo entre los artistas modernos hasta mediados de la década de 1960. Sigue leyendo para descubrir a los artistas que encabezaron este innovador movimiento.

Estos seis artistas popularizaron el color field painting.

 

Clyfford Still

 

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Muchos creen que el pintor estadounidense Clyfford Still fue el primer artista en llegar al estilo del color field. La etapa madura de su obra presenta campos de tonos brillantes en una escala monumental, evocando una tensión dramática. “Estas no son pinturas en el sentido habitual”, dijo una vez. “Son vida y muerte fusionándose en una unión terrible… Encienden un fuego; a través de ellos respiro de nuevo, sostengo un cordón dorado, encuentro mi propia revelación “.

 

Mark Rothko

 

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Mark Rothko nunca se vio a sí mismo como un pintor del estilo color field, pero es considerado por los críticos como uno de los pioneros de esta corriente. Conocido por sus lienzos gigantes con grandes secciones de tonos puros, Rothko creía que el color podía tocar nuestras emociones más íntimas. Su elección pigmentos reflejaba su estado de ánimo en un momento en particular. Cuando adoptó por primera vez el estilo color field en la década de 1950, pintaba con tonos cálidos y brillantes. Sin embargo, a medida que pasaron los años y su salud mental se deterioró, comenzó a usar negros, azules y grises sombríos. Una vez dijo: “Si solo te conmueven las relaciones de color, no lo estás entendiendo. Me interesa expresar las grandes emociones: tragedia, éxtasis, perdición”.

 

Barnett Newman

Barnett NewmanBarnett Newman creía que “un pintor es un coreógrafo del espacio”. El artista estadounidense inventó un elemento que llamó “zips”, bandas de color vertical que distinguen su trabajo de sus compañeros expresionistas abstractos. Una de sus pinturas más famosas de 1950-51, titulada Vir heroicus sublimis (“Hombre, heroico y sublime”), mide 2.41 por 5.41 metros y fue su pintura más grande en ese momento. La pieza tiene grandes campos de color rojo brillante que se dividen por las ocasionales líneas verticales. Con su gran escala, Newman intentó evocar una fuerte reacción del espectador y envolverlo por completo en ese tono vibrante.

 

Kenneth Noland

 

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El pintor estadounidense Kenneth Noland es conocido por sus formas abstractas simplificadas, incluyendo círculos y rayas. Sus composiciones minimalistas no pretendían representar un objeto, sino únicamente un medio de explorar el color puro. Sus obras circulares ligeramente irregulares presentan diferentes tonos que se complementan y contrastan entre sí. El efecto es una energía viva que parece vibrar desde el lienzo. Noland dijo una vez: “Pienso en la pintura sin sujeto como música sin palabras”.

 

Helen Frankenthaler

 

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La artista estadounidense Helen Frankenthaler tuvo un papel crucial en la evolución del color field painting, ya que ella desarrolló su propia técnica revolucionaria para rellenar lienzos con grandes campos de color. La pintora inventó el proceso de “remojo-mancha”, que consistía en verter pintura diluida con trementina sobre el lienzo. Esta técnica produjo composiciones vibrantes y brumosas que dieron como resultado un aspecto y una sensación completamente nuevos en la textura del lienzo. Mountains and Sea (1952) fue la primera obra de arte en la que Frankenthaler utilizó este proceso, y después de que los artistas Morris Louis y Kenneth Noland vieron su trabajo, adoptaron rápidamente este método.

 

Morris Louis

 

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Morris Louis, uno de los últimos artistas de color field painting, desafió la noción de cómo el color debe llenar un espacio. Experimentó continuamente manipulando grandes lienzos de formas creativas para controlar el flujo de la pintura acrílica. En Delta Theta, un trabajo de 1961 que forma parte de la serie Unfurled, Louis dobló el enorme lienzo de 6 metros de ancho por la mitad antes de verter la pintura acrílica en su superficie. Las rayas multicolores que creó con esta técnica aparecen en las dos esquinas inferiores del lienzo, mientras que la gran zona central de la obra quedó sin pintar.

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Regina Sienra

Regina Sienra es colaboradora y redactora en español para My Modern Met. Periodista y traductora originaria de la Ciudad de México. Es egresada de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde cursó la licenciatura en Ciencias de la Comunicación con especialidad en Periodismo. Su pasión por escribir sobre las artes visuales, la música, el cine, la literatura y el teatro ha dado vida a una carrera de casi 10 años en diversos medios culturales de México, Estados Unidos y Canadá.
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