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Como en cualquier ámbito creativo, la historia del arte tiene su propio vocabulario. Aunque esto a veces puede ser un poco abrumador para algunos, tener un práctico glosario de artes visuales puede hacer que analizar una obra de arte sea mucho menos intimidante.
En esta lista encontrarás 26 palabras que te ayudarán a hablar de arte sin esfuerzo. Yendo de conceptos generales, como “pincelada” y “composición”, hasta técnicas específicas, incluyendo “claroscuro “y “trampantojo“, este arsenal de términos artísticos ofrece todo lo que necesitarás para aprovechar al máximo tu próxima visita a un museo.
Analiza arte como un profesional con este glosario de artes visuales.
Abstracto
Rompiendo con las representaciones figurativas tradicionales, el arte abstracto reimagina la imagen como un estudio de la relación entre formas, colores y líneas. La abstracción ocurre en un espectro, incluyendo las formas fragmentadas y, aún así, reconocibles del cubismo y la naturaleza completamente no pictórica del expresionismo abstracto.
Assemblage
También conocido como ensamblaje, este proceso o medio artístico usa materiales variados para crear capas tridimensionales sobre una base fija. El uso de diferentes materiales hace que sea similar al collage, pero con formas tridimensionales. El assemblage tiene sus orígenes en el cubismo y en el trabajo de artistas como Man Ray y Vladimir Tatlin, quienes a menudo incluían objetos cotidianos en sus obras.
Claroscuro
Tal como lo indica su nombre, el claroscuro se refiere al uso de contrastes fuertes entre luces y sombras para dar volumen y dimensión a la pintura. Esta técnica única fue utilizada durante el Renacimiento italiano por Leonardo da Vinci, en el Barroco por Caravaggio y en el Siglo de Oro neerlandés por Rembrandt.
Rembrandt, ‘Judit en el banquete de Holorfenes (antes Artemisa)' (1634) (Foto: Museo del Prado vía Wikimedia Commons Dominio público)
Composición
La composición de una obra de arte es la forma en la que están ordenados sus elementos visuales, particularmente la relación espacial entre ellos.
Conceptual
Esta forma de arte se desarrolló durante la década de 1960, cuando los artistas empezaron a dar prioridad a ideas y conceptos sobre la obra de arte terminada. El arte conceptual rompe con todas las reglas establecidas y puede tomar cualquier forma, desde esculturas y pinturas hasta happenings y performances.
Contorno
El contorno, o la representación de una forma a través de sus líneas exteriores, es uno de los elementos básicos del dibujo. Usar diferentes tipos de líneas de contorno pueden modificar dramáticamente el aspecto de una obra, tal y como demuestra el line art. La danza de Henri Matisse es una obra de arte famosa por sus distintivos contornos.
Contrapposto
En la escultura, contrapposto (“contraposición” en italiano) es una postura asimétrica donde el peso de la figura cae sobre un solo pie. Esto da como resultado una pose realista, como podemos ver en el David de Miguel Ángel.
Escala
La escala se refiere al tamaño de un objeto en relación a otro. A menudo, como en el caso de las pinturas a gran escala, esta comparación se basa en el tamaño real del objeto retratado.
Escorzo
El escorzo es una técnica donde el artista distorsiona la perspectiva para crear la ilusión de profundidad. Con el escorzo, las figuras parecen retroceder en el plano de la imagen.
Esfumado
Predominantemente asociado con las pinturas de Leonardo da Vinci, el esfumado (derivado de la palabra fumo, o “humo” en italiano) es un método de sombreado y mezcla de colores que evoca una bruma suave. Esta técnica es evidente en el fondo borroso y los rasgos faciales suavemente definidos de la Mona Lisa.
Leonardo da Vinci, ‘Mona Lisa' (ca. 1503-1516) (Foto: Galerie de tableaux en très haute définition vía Wikimedia Commons Dominio público)
Estilo
El estilo de una obra de arte es la clasificación de su apariencia visual. A menudo, el estilo se clasifica dependiendo del enfoque estético específico de un artista individual, corriente artística, periodo o cultura.
Figurativo
Se considera que una obra de arte es figurativa cuando su temática es representativa.
Género
El género se refiere a un tipo de arte (generalmente en la pintura). Los paisajes y la naturaleza muerta son algunos ejemplos de géneros.
Iconografía
La iconografía se refiere a las temáticas, o imágenes, que se utilizan para transmitir un idea o comunicar un mensaje en una obra de arte.
Impasto
Esta palabra italiana que significa “mezcla” se refiere a capas gruesas de pintura usadas para crear textura. Si bien esta técnica fue utilizada por primera vez por los pintores venecianos durante el Renacimiento italiano, se volvió especialmente popular durante el siglo XIX. El renombrado pintor de paisajes J.M.W. Turner utilizó el impasto para construir capas de color y darle un efecto dramático a sus pinturas. Es común utilizar cuchillos de paleta para pintar con esta técnica, algo que en teoría enfatiza las habilidades de manipulación de este medio.
Medio
El medio es el material utilizado para crear la obra de arte. Algunos ejemplos de medios son las acuarelas, las pinturas acrílicas, el mármol y el carbón.
Moderno
Como movimiento, el término “moderno” se refiere al arte creado entre el impresionismo y el Pop Art, que sirvió como catalizador del arte contemporáneo. En términos más generales, “moderno” puede significar nuevo o innovador.
Motivo
En las artes visuales, un motivo es un elemento de la iconografía. En la pintura puede referirse a cualquier elemento pictórico de la composición, mientras que en las artes decorativas y en la arquitectura suele denotar un símbolo que se repite.
Narrativa
La narrativa, en términos de arte, es la historia visual que ocurre dentro de una obra de arte. Aunque no todas las piezas tienen una historia clara, el arte narrativo requiere del uso de claves visuales para guiar a los espectadores a través de una serie de eventos.
Pentimento
Pentimento (“arrepentimiento” en italiano) se refiere a evidencia de que el artista pintó por encima de un cuadro que ya había pintado. En El viejo guitarrista ciego de Pablo Picasso, por ejemplo, podemos ver la vaga silueta del rostro de una mujer debajo de las pinceladas finales.
Detalle de Picasso, ‘El viejo guitarrista ciego' (1903) (Foto: The Art Institute of Chicago vía Wikimedia Commons Dominio público)
Perspectiva
La perspectiva es la representación de profundidad y espacio tridimensional sobre una superficie plana. Existen dos tipos de perspectiva: lineal y aérea. La perspectiva lineal emplea líneas que intersectan y puntos de fuga para hacer que los objetos parezcan estar a la distancia. Por otro lado, de acuerdo con Leonardo da Vinci en El tratado de la pintura, la perspectiva aérea ilustra la idea de que “los colores se vuelven más tenues según aumenta la distancia de la persona que los mira” a través de cambios de tonalidad.
Pincelada
La pincelada se refiere a la manera en la que el pintor aplica pintura sobre una superficie. Suelen caracterizarse por su tamaño, textura y precisión; por ejemplo, uno podría describir las pinceladas como “finas” o “gruesas” dependiendo de qué tan visibles son a simple vista.
Primer plano
El primer plano de una obra de arte es la parte de la composición que más cerca está del espectador. Suele distinguirse fácilmente del fondo, que parece estar más lejos.
Tono
El tono se refiere a la claridad u oscuridad de un color en particular.
Trampantojo
El término trampantojo viene del francés trompe l'oeil, que significa “engaña al ojo”. Esta técnica crea ilusiones ópticas que hacen que imágenes realistas luzcan como si estuvieran en un plano tridimensional.
Pere Borrell del Caso, ‘Escaping Criticism' (1874) (Photo: Collection Banco de España via Wikimedia Commons Public Domain)
Vanguardismo
Este término también se conoce por su nombre en francés, avant-garde, y se usa para describir piezas, corrientes o artistas que son experimentales e innovadoras.
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