Al revisar la historia del arte occidental, resulta increíble ver cuántas corrientes han tenido un impacto en la sociedad. Si trazamos una línea de tiempo a través de diferentes movimientos artísticos, podremos ver no solo el desarrollo del arte moderno y contemporáneo, sino también cómo el arte es un reflejo del momento en el que fue creado.
Por ejemplo, ¿sabías que el impresionismo alguna vez fue considerado un movimiento alternativo y controversial, o que el expresionismo abstracto transformó la escena artística en lugares como París y Nueva York? Como bloques de construcción, desde el realismo hasta el lowbrow, estos diferentes tipos de arte están conectados entre ellos. A medida que el péndulo creativo oscila, los estilos artísticos suelen responder u homenajear a sus antecesores. Al recordar algunos de los movimientos artísticos más importantes de la historia, tendremos una comprensión más clara de cómo artistas famosos como Van Gogh, Picasso y Warhol revolucionaron el mundo del arte.
Estos 20 movimientos artísticos son fundamentales para comprender los diferentes tipos de artes visuales que dan forma a la historia moderna.
Renacimiento italiano
Miguel Ángel, “David”, 1501-1504. Galleria dell'Accademia (Foto: Jörg Bittner Unna via Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0)
Desde el siglo XIV hasta el siglo XVII, Italia vivió un periodo artístico sin precedentes. Conocido como el Renacimiento—un término derivado de la palabra italiana Rinascimento—este movimiento se caracteriza por una mayor atención a temas culturales como el arte y la arquitectura.
Los artistas italianos del Renacimiento como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y Rafael se inspiraron en el arte clásico de la antigua Roma y Grecia, y mostraron un interés por elementos clásicos como el equilibrio, el naturalismo y la perspectiva en sus piezas. En la Italia de la época del Renacimiento, este enfoque inspirado en la antigüedad se materializó como en una pintura humanista de retratos, esculturas anatómicamente correctas y arquitectura armoniosa y simétrica.
Artistas clave: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano
Obras importantes: Nacimiento de Venus de Sandro Botticelli (1486), La última cena de Leonardo da Vinci (1495 – 1498), Mona Lisa de Leonardo da Vinci (c. 1503 – 1506), David de Miguel Ángel (1501 – 1504), La escuela de Atenas de Rafael (1509 – 1511)
Barroco
Bernini, “El éxtasis de Santa Teresa”, 1647-1652. Capilla Cornaro, Santa Maria della Vittoria, Roma
El Barroco surgió en Italia hacia el final del Renacimiento. Al igual que su movimiento predecesor, el arte barroco mostró un interés artístico en el realismo y la riqueza del color. Sin embargo, a diferencia del arte y la arquitectura renacentista, las obras barrocas hicieron énfasis en la extravagancia.
Esta opulencia está presente en la pintura, escultura y arquitectura barroca. Pintores como Caravaggio añadieron drama a sus escenas a través de su tratamiento de la luz y la representación del movimiento. Escultores como Bernini alcanzaron un sentido de teatralidad a través de contornos dinámicos y drapeados complejos. Por otro lado, los arquitectos de toda Europa embellecieron sus diseños con adornos que van desde tallados intrincados hasta columnas imponentes.
Artistas clave: Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Bernini, Velázquez
Obras importantes: La vocación de san Mateo de Caravaggio (1599 –1600), La ronda de noche de Rembrandt (1642), El éxtasis de Santa Teresa de Bernini (1647 – 1652), Las meninas de Velázquez
Rococó
Jean-Honoré Fragonard, “El columpio”, 1767 (Photo: Wikimedia Commons, dominio público)
Tras la extravagancia y el poder del arte barroco, llegó el exuberante y desenfadado movimiento rococó, que floreció en la Francia del siglo XVIII antes de extenderse a otros países europeos. El término rococó deriva de la palabra rocaille, un método de decoración con guijarros, conchas y cemento para adornar grutas y fuentes en el Renacimiento. En la década de 1730, la decoración rococó inspiró las ornamentadas curvas en los muebles y el diseño de interiores. En la pintura, este estilo decorativo se trasladó al amor por las narrativas fantasiosas, los colores pastel y las formas fluidas.
Artistas clave: Jean-Honoré Fragonard, Antoine Watteau, François Boucher
Obras importantes: El columpio de Jean-Honoré Fragonard (1767)
Neoclasicismo
Jacques-Louis David, “El juramento de los Horacios”, 1784–5 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
El neoclasicismo es un movimiento artístico del siglo XVIII basado en los ideales del arte de Roma y la Antigua Grecia. Su interés por la sencillez y la armonía se inspiró en parte como reacción negativa a la estética excesivamente frívola del estilo decorativo rococó. El descubrimiento de las ciudades arqueológicas romanas de Pompeya y Herculano (en 1738 y 1748, respectivamente) contribuyó a galvanizar el espíritu de este movimiento.
Artistas clave: Jacques-Louis David, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Antonio Canova
Obras importantes: El juramento de los Horacios de Jacques-Louis David (1784–1785), La muerte de Sócrates de Jacques-Louis David (1787), La muerte de Marat de Jacques-Louis David (1793), La gran odalisca de Ingres (1814)
Romanticismo
Eugène Delacroix, “La Libertad guiando al pueblo”, 1830 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
El Romanticismo fue un movimiento cultural que surgió alrededor de 1780. Hasta su aparición, el neoclasicismo había dominado el arte europeo del siglo XVIII, caracterizado por un enfoque en la temática clásica, un interés en la austeridad estética e ideas en línea con la Ilustración, un movimiento intelectual, filosófico y literario que ponía el énfasis en el individuo.
Artistas como Eugène Delacroix encontraron la inspiración en su propia imaginación. Este enfoque introspectivo se prestó a una forma de arte que exploraba predominantemente lo espiritual.
Artistas clave: Joseph Mallord William Turner, Eugène Delacroix, Theodore Gericault, Francisco de Goya
Obras importantes: El caminante sobre el mar de nubes de Caspar David Friedrich (1818), La Libertad guiando al pueblo de Delacroix (1830)
Realismo
Jean-François Millet, “Las espigadoras”, 1857. (Foto: Google Arts & Culture via Wikimedia Commons, dominio público)
El realismo es una corriente artística que inició en Francia tras la Revolución de 1848. En un claro rechazo al romanticismo, el estilo dominante que lo había precedido, los pintores realistas se centraron en escenas de personas contemporáneas y de la vida cotidiana. Esto puede parecer normal ahora, pero era una idea revolucionaria después de siglos de pintores que creaban escenas exóticas de la mitología y la Biblia, o que solo hacían retratos de la nobleza y el clero.
Artistas franceses como Gustave Courbet y Honoré Daumier, así como pintores internacionales como James Abbott McNeill Whistler, mostraron a personas de todas las clases sociales en sus obras de arte, dando voz a los miembros más pobres de la sociedad por primera vez y describiendo los problemas sociales derivados de la Revolución Industrial. La fotografía también influyó en este tipo de arte, al presionar a los pintores a producir representaciones realistas que pudieran competir con esta nueva tecnología.
Artistas clave: Gustav Courbet, Jean-Baptiste-Camille Corot, Jean-François Millet
Obras importantes: Las espigadoras de Jean-François Millet (1857), Entierro en Ornans de Gustave Courbet (1849 – 1850)
Impresionismo
Claude Monet, “Nenúfares”, 1906. (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Puede ser difícil de creer, pero este famoso movimiento artístico alguna vez fue una corriente menospreciada. Rompiendo con el realismo, los pintores impresionistas se distanciaron de las representaciones realistas al usar pinceladas visibles, colores vivos con pocas combinaciones, y composiciones abiertas para capturar la emoción de la luz y el movimiento. El impresionismo inició cuando un grupo de artistas franceses rompió con la tradición académica al pintar al aire libre—una decisión impactante, ya que la mayoría de los artistas de paisajes trabajaban al interior de sus estudios.
El grupo original, que incluía a Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley, y Frédéric Bazille, se formó a principios de la década de 1860 en Francia. Otros artistas se les unieron para formar su propia sociedad y exhibir sus obras de arte después de haber sido rechazados por los salones tradicionales franceses, que consideraron que sus piezas eran demasiado polémicas para ser expuestas. Esta exposición alternativa inicial, que tuvo lugar en 1874, les permitió ganarse el aprecio del público.
Artistas clave: Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir, Mary Cassatt
Obras representativas: Impresión, sol naciente de Monet (1872), Baile en el Moulin de la Galette de Renoir (1876), serie de Nenúfares de Monet (1890s – 1900s)
Postimpresionismo
Vincent van Gogh, “La noche estrellada”, 1889. (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
También originaria de Francia, esta corriente artística se desarrolló entre 1886 y 1905 como respuesta al movimiento impresionista. Esta vez, los artistas reaccionaron ante las representaciones naturalistas de la luz y el color en el arte impresionista. A diferencia de los estilos anteriores, el postimpresionismo abarca muchos tipos diferentes de arte, desde el puntillismo de Georges Seurat hasta el simbolismo de Paul Gauguin.
En lugar de estar unificados por un solo estilo, los artistas tenían en común la inclusión de elementos abstractos y contenido simbólico en sus obras de arte. Quizás el posimpresionista más conocido sea Vincent van Gogh, quien utilizó el color y sus pinceladas no para transmitir las cualidades emocionales del paisaje, sino expresar sus propias emociones y estado de ánimo.
Artistas clave: Georges Seurat, Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Émile Bernard
Obras importantes: Tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte de Georges Seurat (1884 – 1886), La noche estrellada by Vincent van Gogh (1889), El Cristo amarillo de Paul Gauguin (1891)
Art nouveau
Alphonse Mucha, “Las cuatro estaciones”, 1897 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
A finales del siglo XIX, un movimiento de “arte nuevo” recorrió Europa. Caracterizado por un interés en reinterpretar estilísticamente la belleza de la naturaleza, artistas de todo el continente adoptaron y adaptaron este estilo vanguardista. Como resultado, se materializó en submovimientos como la Secesión de Viena en Austria, el modernisme en España y, sobre todo, el art nouveau en Francia.
El estilo Art Nouveau francés fue adoptado por artistas que trabajaban en diversos medios. Además de las bellas artes, como la pintura y la escultura, tuvo un gran protagonismo en la arquitectura y las artes decorativas de la época. Sin embargo, quizá su legado más duradero se encuentre en el cartel, un medio comercial que el artista checo Alphonse Mucha contribuyó a elevar a la categoría de arte moderno.
Artistas clave: Alphonse Mucha, Gustav Klimt
Obras importantes: Las cuatro estaciones de Alphonse Mucha, El beso de Gustav Klimt
Cubismo
Pablo Picasso, “Las señoritas de Avignon”, 1907. MoMA (Foto: Wikimedia Commons, uso justo)
El cubismo, un estilo de arte verdaderamente revolucionario, es uno de los movimientos artísticos más importantes del siglo XX. Pablo Picasso y Georges Braque desarrollaron el cubismo a principios de 1900, y el término fue acuñado por el crítico de arte Louis Vauxcelles en 1907 para describir su trabajo. A lo largo de los años 1910 y 1920, los dos hombres, junto con otros artistas, usaron formas geométricas para construir la composición final. Rompiendo completamente con cualquier movimiento artístico anterior, los objetos eran analizados y fragmentados, solo para ser reensamblados en una forma abstracta.
Esta reducción de imágenes a líneas y formas mínimas fue parte de la búsqueda cubista por la simplificación. La perspectiva minimalista también influyó en la paleta de colores, ya que los cubistas renunciaban a la sombra y utilizando tonos limitados para generar una apariencia plana. Esto representó una clara ruptura con el uso de la perspectiva, que había sido el estándar desde el Renacimiento. El cubismo abrió las puertas para movimientos artísticos posteriores –como el surrealismo y el expresionismo abstracto– al desechar el reglamento de artistas preexistente.
Artistas clave: Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris
Obras importantes: Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso (1907), Guernica de Picasso (1937)
Futurismo
Giacomo Balla, “Dinamismo de perro con correa”, 1912 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Fascinados por la nueva industria y entusiasmados por lo que les deparaba el futuro, los futuristas de principios del siglo XX se hicieron de un lugar en la historia. Originarios de Italia, estos artistas trabajaron como pintores, escultores, diseñadores gráficos, músicos, arquitectos y diseñadores industriales. Como los primeros manifiestos no se referían directamente a la producción artística del futurismo, pasó algún tiempo antes de que existiera una cohesión visual. Una de las características del arte futurista es la representación de la velocidad y el movimiento. En particular, se adhirieron a los principios del “dinamismo universal”, lo que significa que ningún objeto está separado de su fondo o de otro objeto.
El mejor ejemplo es el Dinamismo de perro con correa, de Giacomo Balla, donde el movimiento de pasear al perro se muestra a través de la multiplicación de los pies del perro, la correa y las piernas del dueño.
Artistas clave: Giacomo Balla, Umberto Boccioni
Obras importantes: Dinamismo de perro con correa de Giacomo Balla (1912), Formas únicas de continuidad en el espacio de Umberto Boccioni (1913)
Dadaísmo
Marcel Duchamp, “La fuente”, 1917 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
El dadaísmo fue un movimiento artístico de vanguardia del siglo XX (a menudo denominado movimiento “antiartístico”) que nació del tumultuoso panorama social y de la agitación de la Primera Guerra Mundial. Comenzó como una vehemente reacción y revuelta contra los horrores de la guerra y la hipocresía y las locuras de la sociedad burguesa que la habían provocado. En una subversión de todos los aspectos de la civilización occidental (incluido su arte), los ideales del dadaísmo rechazaban toda lógica, razón, racionalidad y orden, considerados pilares de una sociedad evolucionada y avanzada desde los tiempos de la Ilustración.
Artistas clave: Marcel Duchamp, Man Ray, Tristan Tzara
Obras importantes: La fuente de Marcel Duchamp (1917)
Bauhaus
Póster de la Bauhaus diseñado por Joos Schmidt, 1923 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
El arte de la Bauhaus, que abarca desde la pintura y los gráficos hasta la arquitectura y los interiores, dominó muchas expresiones del arte experimental europeo durante las décadas de 1920 y 1930. Aunque se le asocia más estrechamente con Alemania, atrajo e inspiró a artistas de todos los orígenes. La Bauhaus —traducida literalmente como “casa de construcción”— se originó como una escuela de arte alemana a principios del siglo XX. Fundada por Walter Gropius, la escuela acabó convirtiéndose en su propio movimiento artístico moderno, caracterizado por su enfoque único hacia la arquitectura y el diseño.
Artistas clave: Wassily Kandinsky, Paul Klee, Joost Schmidt, Marcel Breur
Obras importantes: Amarillo-rojo-azul de Wassily Kandinsky (1925), Silla Wassily by Marcel Breur (1925)
Art déco
© 2019 Tamara Art Heritage / ADAGP, París / ARS, Nueva York
El art decó es un movimiento modernista que surgió en la Europa de los años veinte. Si bien este movimiento se caracteriza por una gran variedad de estéticas —incluyendo diferentes paletas de colores y una gama de materiales, desde el ébano y el marfil hasta la madera y el plástico—, se caracteriza principalmente por sus formas geométricas y aerodinámicas en contraste con una rica ornamentación y una decoración lineal.
Los cuadros producidos en el estilo art decó suelen presentar formas atrevidas y composiciones recargadas. Algunos, como los de la pintora de origen polaco Tamara de Lempicka, representan dinámicos retratos de personajes elegantes. Normalmente, estas figuras están vestidas con colores brillantes y situadas en lugares metropolitanos abstractos.
Artistas clave: Tamara de Lempicka
Obras importantes: Tamara en un Bugatti verde de Tamara de Lempicka (1929)
Surrealismo
“La persistencia de la memoria” por Salvador Dalí. 1931. MoMA, Nueva York.
Establecer una definición precisa de surrealismo puede ser difícil, pero está claro que este movimiento vanguardista tiene poder de permanencia, y sigue siendo uno de los géneros artísticos más accesibles incluso hoy en día. Las escenas imaginativas generadas por el subconsciente son un sello distintivo de este tipo de arte, que comenzó en la década de 1920. El movimiento comenzó cuando un grupo de artistas visuales adoptaron el automatismo, una técnica que dependía del subconsciente para la despertar la creatividad.
Aprovechando el atractivo para que los artistas se liberaran de la restricción y asumieran la libertad creativa total, los surrealistas a menudo desafiaron las percepciones y la realidad en sus obras de arte. Parte de esto vino de la yuxtaposición de un estilo de pintura realista con temas poco convencionales y poco realistas.
Artistas clave: Salvador Dalí, Max Ernst, René Magritte, Joan Miró, Remedios Varo
Obras importantes: La traición de las imágenes de René Magritte (1929), La persistencia de la memoria by Salvador Dalí (1931)
Expresionismo abstracto
Jackson Pollock, “Ritmo de otoño (núm. 30)”, 1950. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
El expresionismo abstracto es una corriente artística estadounidense —la primera en ganar fama a nivel internacional— que se originó después de la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento confirmó a Nueva York como el nuevo centro del mundo del arte, título que tradicionalmente había pertenecido a París. Este género se desarrolló en las décadas de 1940 y 1950, aunque el término también se usó para describir el trabajo de artistas que lo precedieron, como Wassily Kandinsky. Este estilo de arte toma la espontaneidad del surrealismo y lo inyecta con el humor oscuro de las heridas emocionales que persistieron en la posguerra.
Jackson Pollock es uno de los líderes del movimiento, y sus pinturas por goteo que destacan la creación espontánea y la aplicación de pintura gestual definen a este movimiento. Si bien el término “expresionismo abstracto” está estrechamente relacionado con el trabajo de Pollock, no se limita a un estilo específico. Obras tan diversas como las pinturas figurativas de Willem de Kooning y los campos de color de Mark Rothko se agrupan bajo el término del expresionismo abstracto.
Artistas clave: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko
Obras importantes: Ritmo de otoño (núm. 30) de Jackson Pollock
Pop Art
El Pop Art, que surgió en la década de 1950, es un movimiento fundamental que marcó el inicio del arte contemporáneo. Este género de la posguerra surgió en Gran Bretaña y Estados Unidos, e incluyó imágenes de publicidad, cómics y objetos cotidianos. A menudo satírico, el Pop Art enfatizaba los elementos banales de los bienes comunes, y frecuentemente es considerado como una reacción contra los elementos subconscientes del expresionismo abstracto.
El trabajo audaz y vibrante de Roy Lichtenstein es un excelente ejemplo de cómo la parodia y la cultura pop se fusionaron con las bellas artes para hacer accesible el arte. Andy Warhol, la figura más famosa del Pop Art, ayudó a impulsar el concepto revolucionario del arte como una producción en masa, creando numerosas series de serigrafía de sus obras más populares.
Artistas clave: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Jasper Johns
Obras importantes: Latas de sopa Campbell de Andy Warhol
Instalación
“The Souls of Millions of Light Years Away” por Yayoi Kusama
A mediados del siglo XX, artistas de vanguardia en Estados Unidos y Europa comenzaron a producir instalaciones. Las instalaciones son construcciones tridimensionales que juegan con el espacio para interactuar con los espectadores. Las piezas, que a menudo son gran escala y específicas para un sitio, transforman museos, galerías e incluso lugares al aire libre en entornos inmersivos.
Inspirados por los Readymades del dadaísta Marcel Duchamp—una serie de objetos encontrados contextualizados como esculturas— este importante género fue iniciado por maestras modernas como Yayoi Kusama y Louise Bourgeois. Hoy en día, los artistas contemporáneos mantienen viva esta práctica, creando instalaciones experimentales a partir de medios como cuerdas, papel y flores.
Artistas clave: Yayoi Kusama, Louise Bourgeois, Damien Hirst
Obras importantes: Mirror Rooms de Yayoi Kusama
Arte cinético
Alexander Calder, “Rouge Triomphant”, 1959-1965.
Este movimiento artístico aparentemente contemporáneo en realidad tiene sus raíces en el impresionismo, cuando los artistas comenzaron a intentar expresar movimiento en sus obras. A principios de la década de 1900, los artistas comenzaron a experimentar más con el arte en movimiento con máquinas escultóricas y móviles que impulsaban el arte cinético. Los artistas rusos Vladimir Tatlin y Alexander Rodchenko fueron los primeros creadores de móviles escultóricos, algo que luego sería perfeccionado por Alexander Calder.
En términos contemporáneo, el arte cinético abarca esculturas e instalaciones que tienen el movimiento como su principal consideración. El artista estadounidense Anthony Howe es una figura destacada en este movimiento contemporáneo, ya que utiliza el diseño asistido por computadora para sus esculturas a gran escala impulsadas por el viento.
Artistas clave: Alexander Calder, Jean Tinguely, Anthony Howe
Obras importantes: Arco de pétalos de Alexander Calder
Fotorrealismo
Yigal Ozeri, “Sin título”, 2012.
El fotorrealismo es un movimiento artístico que tiene que ver con la capacidad técnica para sorprender a los espectadores. Esta corriente artística, principalmente estadounidense, cobró fuerza a fines de los años sesenta y setenta como una reacción contra el expresionismo abstracto. Aquí, los artistas estaban más interesados en replicar una fotografía de la mejor manera posible, planificando cuidadosamente su trabajo y evitando la espontaneidad, el sello distintivo del expresionismo abstracto. Al igual que en el Pop Art, el fotorrealismo se enfoca a menudo en imágenes relacionadas con la cultura del consumo.
El fotorrealismo temprano estaba lleno de nostalgia por el paisaje estadounidense, pero actualmente los retratos son el estilo más común entre los pintores fotorrealistas. El hiperrealismo es un avance del este estilo artístico, donde la pintura y la escultura se ejecutan de una manera que provoca una respuesta emotiva superior, ya que alcanza niveles más altos de realismo gracias a sus desarrollos técnicos. Una característica en común es que todas las obras deben comenzar con un punto de referencia fotográfico.
Artistas clave: Chuck Close, Ralph Going, Yigal Ozeri
Obras importantes: Sin título de Yigal Ozeri
Lowbrow
Lowbrow, también llamado surrealismo pop, es un movimiento artístico que surgió en la escena alternativa de California en la década de 1970. Tradicionalmente excluido del mundo de las bellas artes, el arte lowbrow involucra desde pintura hasta juguetes, arte digital y escultura. Este género también tiene sus raíces en la música punk y la cultura del surf, y sus artistas no buscan la aceptación de las galerías convencionales. Al mezclar imágenes surrealistas con colores o figuras pop, los artistas alcanzan resultados que a menudo juegan con temas eróticos o satíricos. La aparición de revistas como Juxtapoz y Hi-Fructose le han dado a los artistas lowbrow un espacio para mostrar su trabajo más allá de los medios mainstream de arte contemporáneo.
Artistas clave: Mark Ryden, Ray Caesar, Audrey Kawasaki
Obras importantes: Incarnation de Mark Ryden
Este artículo ha sido editado y actualizado.
Artículos relacionados:
Historia del arte: ¿Qué es el arte contemporáneo?
10 Grandes escultores que cambiaron el curso de la historia del arte
26 Términos de historia del arte para describir una obra de arte a la perfección
