Exhibición de Hilma af Klint en el Museo Guggenheim, 2018 (Foto: Wikimedia Commons, CC BY 2.0)
Aunque Wassily Kandinsky y Piet Mondrian a menudo son considerados los pioneros del arte abstracto europeo, en realidad fue la artista sueca Hilma af Klint quien dio origen a este movimiento. Esta pintora radical empezó a crear piezas atrevidas y coloridas en 1906 y siguió trabajando durante los últimos años de su vida. Sin embargo, Af Klint sabía que el mundo no estaba preparado para su trabajo. Rara vez exhibió sus pinturas y pidió que su obra no se mostrara por veinte años después de su muerte. Al final, su revolucionario cuerpo de trabajo permaneció oculto hasta 1986.
A lo largo de su vida adulta, Af Klint formó parte de un movimiento religioso en el que practicó una especie de espiritualismo trascendental. La pintora creía que los espíritus podían comunicarse con los vivos y comenzó a participar en sesiones espiritistas. Mientras hacía contacto con los muertos, tomaba notas detalladas y practicaba el dibujo automático. Durante una sesión en 1906, la artista, quien tenía 43 años en ese momento, afirmó que recibió un mensaje de un ser superior que solicitó una “gran comisión”. Af Klint sostuvo que le habían pedido unas pinturas en un plano trascendente, que algún día serían colgadas en un templo circular.
Durante los siguientes nueve años, Af Klint fue consumida por esta misión. Así, completó Las pinturas para el templo, una gran serie de 193 obras que explora varios temas.
A continuación, descubre 5 de las pinturas más famosas de Af Klint, desde sus primeros trabajos abstractos hasta sus piezas de la serie Las pinturas para el templo.
Conoce 5 pinturas de Hilma af Klint y el fascinante significado detrás de ellas.
Caos primordial núm. 7, 1906-07
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En 1906, Af Klint comenzó a trabajar en su primera serie de obras abstractas a las que llamó Urkaos o Caos primordial. Esta serie de 26 pequeños lienzos ilustra la creación de la vida y ciertas dualidades que fascinaron a la artista. Esta pintura, titulada Caos primordial núm. 7, representa el momento en que el esperma se encuentra con el óvulo. La narrativa de Af Klint se enfatiza con el símbolo de “W”, que representa al hombre y la materia, y “U”, que representa a la mujer y lo espiritual. La polaridad y la unión también se representan en color. La artista usó el azul para representar al hombre y el amarillo para simbolizar a la mujer. Cuando los dos tonos se fusionan, crean un verde armonioso, lo que implica que se han convertido espiritualmente en uno mismo.
Núm. 7, edad adulta, 1907
“Núm. 7, edad adulta”, 1907 (Foto: Wikimedia Commons, Dominio público)
Núm. 7, edad adulta es parte de la serie De tio största (“los diez más grandes”) de Af Klint. La colección representa las etapas de la vida, incluyendo la infancia, la juventud, la edad adulta y la vejez. Combinan elementos botánicos y objetos orgánicos reconocibles que hacen referencia al nacimiento y al crecimiento. Este enorme lienzo, de tres metros de alto y dos de ancho, fue pintado sobre papel, en el piso de su estudio, y luego pegado sobre un lienzo.
Af Klint interpreta la edad adulta en plena floración pintando varias formas fluidas en diferentes tamaños y colores sobre un fondo lila. El símbolo amarillo central se asemeja a una flor, mientras que las espirales y las formas biomórficas son símbolos de crecimiento y fertilidad.
Evolución, núm. 12, 1908
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La serie Evolución explora las teorías de la evolución. En 1859, Charles Darwin acababa de publicar su revolucionario libro titulado El origen de las especies. Mientras Af Klint estaba creando su serie Evolución, el tema fue ampliamente discutido en la sociedad, los periódicos y los libros. La artista exploró el tema con un sentido de espiritualidad. A través de sus pinturas, ilustró la interacción entre las polaridades: masculino y femenino; luz y oscuridad; y el bien y el mal.
En Evolución, núm. 12, Af Klint hace referencia al relato bíblico de la creación. Adán y Eva están representados en la escena: Eva con el amarillo femenino característico de Af Klint, mientras que Adán está adornado con túnicas azules. Las dos figuras están siendo provocadas por dos grandes serpientes negras. Esta es una referencia a la serpiente en el Jardín del Edén que tentó a los humanos a comer del fruto prohibido del árbol del conocimiento. La pintura también ilustra espermatozoides nadadores y un óvulo femenino central. Esto significa que el hombre y la mujer están en proceso de reproducción.
El cisne, núm. 1, 1914-15
“El cisne, núm. 1”, 1914-15 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
El cisne, núm. 1 (o Svanen, Nº. 1) representa dos cisnes voladores: uno con plumas negras y pico amarillo, y otro con plumaje blanco y pico y patas azules. Af Klint hace referencia al antiguo símbolo chino del yin y el yang, que se destaca por los contrastantes primeros planos en blanco y negro. Aunque los dos cisnes parecen estar luchando entre sí, también se complementan y reflejan el otro. Los dos pájaros son símbolos de feminidad (el cisne negro) y masculinidad (el cisne blanco).
Af Klint creó otra pintura dentro de la misma serie titulada El cisne, núm. 2. Representa a los mismos dos cisnes pero estrellados violentamente; del ala negra de la hembra del cisne gotea sangre roja. Juntas, las dos pinturas son una narración del equilibrio (y a menudo desequilibrio) entre los sexos, así como otras dualidades en la vida, como el bien y el mal, y la paz y la guerra.
Retablo, núm. 1, 1915
“Retablo, núm. 1”, 1915 (Foto: Wikimedia Commons, Dominio público)
Para sus obras finales dentro de sus obras de las Pinturas para el templo, Af Klint produjo tres grandes “retablos”. En Retablo, núm. 1, la artista crea un sol brillante con una “pirámide” debajo. La estructura triangular está dividida en bloques de los colores del arcoíris, y una línea de discos ovalados dorados se presenta en el centro. Cada uno de los matices tiene un significado simbólico dentro de la teoría espiritualista teosófica y antroposófica. A través de esta pintura, Af Klint ilustra los vínculos entre el mundo físico y el espiritual. Algunos teorizan que simboliza el propio viaje de la artista hacia la iluminación y una conciencia espiritual aún más elevada.
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