En la historia del arte, las flores han sido uno de los temas preferidos de los pintores. Los vibrantes colores de las plantas han inspirado a artistas durante siglos, y muchos de ellos dedicaron sus vidas profesionales a la producción de bodegones llenos de ellas. Desde bodegones holandeses del siglo XVII hasta grabados japoneses en madera, el arte floral tiene una larga historia.
Ya sea pintando rosas, lirios o peonías en un florero o retratándolas directamente de la naturaleza, cada artista da su propio estilo a las piezas terminadas. De hecho, es posible seguir la progresión de la historia del arte solo con examinar las pinturas de flores a través del tiempo. Aún si no te interesa mucho aprender sobre historia del arte, las pinturas de flores tienen una cualidad especial innegable, sea cual sea la época en las que fueron creadas. Estos trabajos evocan una sensación de alegría, esperanza o incluso melancolía. No es ninguna sorpresa, entonces, que piezas con nada más que flores hayan resonado con el público durante siglos.
Estas pinturas de flores famosas nos recuerdan la increíble belleza de la naturaleza y que la inspiración está en todas partes, incluso en tu jardín. Cada pintura encapsula un momento en el tiempo, tanto en la historia del arte como en la vida del artista que la pintó. Echa un vistazo a algunas de las pinturas de flores más memorables de los últimos 500 años. Quién sabe, a lo mejor te sentirás inspirado para dibujar tus propias flores.
Bodegón de flores de Ambrosius Bosschaert (1617)
(Dominio público vía WikiCommons)
Aunque no lo creas, en algún momento de la historia los bodegones fueron considerados un tipo de arte inferior. La alta sociedad prefería tener pinturas religiosas o históricas en sus hogares. Esto empezó a cambiar en los siglos XVI y XVII gracias a los holandeses. La ciudad de Amberes fue de especial importancia: los artistas de la ciudad empezaron a pintar enormes bodegones, muchos de ellos con flores. Ambrosius Bosschaert era un artista holandés conocido por su amor por pintar ramos de flores con precisión casi científica. El amor por las flores era tan profundo en su familia que sus tres hijos también se convirtieron en pintores de flores. Las pinturas de Bosschaert muestran arreglos de flores simétricas y fue uno de los primeros artistas en pintar ramos. Sin duda, su trabajo inspiró una tendencia que ha perdurado a lo largo de la historia del arte.
Flores en un jarrón de cristal, con grillo en la orilla de Rachel Ruysch (1700)
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Rachel Ruysch no solo es la mujer artista más conocida del Siglo de Oro neerlandés, sino que también llevó las pinturas de flores a otro nivel. Ruysch inventó su propio estilo y pintó imágenes botánicas por más de 60 años. Rompiendo con la tradición, la artista creó composiciones asimétricas en sus pinturas de ramos, dando dinamismo a sus imágenes. Al mismo tiempo, los minuciosos detalles en cada pétalo y su habilidad para crear ramos de colores profundos hicieron que su trabajo destacara por encima del de otros pintores de flores de la época.
Flores en un florero de cristal de John Constable (c. 1814)
(Foto: WikiArt)
El pintor romántico inglés John Constable es conocido por sus pinturas de paisajes, donde capturó el área alrededor de su hogar. Al igual que muchos artistas antes que él, Constable jugó con muchos géneros, incluyendo los bodegones. Sus Flores en un florero de cristal fueron pintadas al óleo sobre un tablero de madera. La pintura pertenece a la colección del Victoria & Albert Museum, después de que la hija de Constable regalara al museo las obras en el estudio del pintor. La paleta de colores oscuros y apagados contrasta con el rojo y amarillo de las flores, creando un efecto dramático a través del contraste de luz y sombra.
Hibisco de Hiroshige (c. 1845)
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Las flores tienen una importancia histórica en la cultura japonesa, siendo usadas desde en elaborados arreglos florales hasta en impresiones. Las impresiones de flores de hibisco creadas por el maestro del Ukiyo-e Hiroshige son todo un logro, ya que su color naranja se sale de la página. Según el lenguaje de flores japonés, también conocido como hanakotoba, la palabra hibisco significa “gentil”. Estas flores suelen darse a los visitantes como un regalo de bienvenida. Hibisco, de 1845, es una de las muchas veces que representó la flor en sus grabados. Hiroshige incluía ocasionalmente a aves que interactuaban con el hibisco; en otros casos, como este, la planta ocupa el plano central en la composición.
Ramo de flores de Edouard Manet (1882)
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El famoso pintor Edouard Manet amaba las flores, pintándolas frecuentemente. Rompiendo con la tradición, no sólo pintó ramos de flores en floreros, sino también flores dispersas en mesas. Sus pinceladas libres y dinámicas, que lo convirtieron en una figura clave entre el realismo y el impresionismo, le dan a sus flores pintadas una sensación efímera. La pintura floral fue tan importante para Manet que durante los últimos seis meses de su vida sólo pintó bodegones florales. Según Christie's, Manet solía utilizar estas pinturas como pequeños regalos para sus amigos.
Rosas y lirios de Henri Fantin-Latour (1888)
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El pintor francés Henri Fantin-Latour se especializó en la pintura de flores, adoptando un enfoque conservador en una época en la que el impresionismo estaba ganando popularidad. Sus pinturas realistas muestran su dedicación a los grandes maestros del arte, ya que solía copiar pinturas en el Louvre para refinar sus habilidades. En Rosas y lirios, Fantin-Latour usa los largos tallos de los lirios para atravesar el lienzo, en equilibrio con el pequeño ramo de rosas rosadas y blancas que yace sobre la mesa. También muestra su brillante uso del color, jugando con el romanticismo de la pintura a través de los tonos rosados de los pétalos de rosa, que contrastan con el marrón profundo de la mesa de madera.
Jarrón con lirios de Vincent Van Gogh (1890)
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Hay muchos cuadros famosos de flores de Vincent van Gogh de donde escoger, incluyendo su famosa serie de girasoles. Sin embargo, Jarrón on lirios es particularmente interesante gracias al uso del color del artista. Pintado mientras era paciente en un hospital psiquiátrico de Saint-Rémy, este bodegón es magistral en el uso de colores atrevidos y contrastantes. La pintura es una de dos versiones. Una de ellas, que ahora se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte, fue pintada sobre un fondo rosa pálido con el fin de crear una atmósfera “suave y armoniosa”. En cambio, Van Gogh tenía intenciones muy diferentes para esta versión, que describe en una carta a su hermano Theo. “El otro ramo de violetas (con colores desde carmín hasta azul de Prusia puro) destaca sobre un asombroso fondo color limón, con otros tonos amarillos en el jarrón y en la base sobre la que se apoya, por lo que se trata de un efecto de complementos tremendamente dispares, que se refuerzan mutuamente por su yuxtaposición”.
Ramo de rosas de Pierre-Auguste Renoir (c. 1890 – 1900)
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El Ramo de rosas de Renoir es una sensual pintura al óleo donde el artista impresionista llena el lienzo con exuberantes rosas en varios tonos de rojo y rosa. Renoir también recurrió a pintar flores al final de su carrera, y las rosas rojas fueron uno de sus temas preferidos. En ese punto de su vida, el artista se tomaba más libertades, buscando tan solo evocar el sentimiento del objeto en vez de enfocarse en los detalles. Esto le permitió crear pinturas de flores con una cualidad táctil y una energía que irradia del lienzo.
JArdín de flores de Gustav Klimt (1905)
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Inspirándose en los jardines que visitó un verano en Litzlberg, la serie de pinturas de Gustav Klimt que representa campos de flores es un muy buen ejemplo de su trabajo durante su Etapa Dorada. El Jardín de Flores, o Bauerngarten, es considerado uno de los mejores paisajes de Klimt y muestra una multitud de flores que se salen del marco. La obra, que se vendió en subasta en 2017 por 59,3 millones de dólares, celebra el encanto rústico de un jardín sin depender del realismo. El catálogo de subastas de Sotheby's resume a la perfección su gran calidad: “Este extraordinario paisaje está arraigado en el mundo natural y, al mismo tiempo, se acerca a las vanguardias simbólicas y decorativas. Es esta síntesis de belleza natural y regularidad armoniosa la que confiere a la obra una cualidad profundamente conmovedora”.
Nenúfares de Claude Monet (1908)
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No podíamos hacer una lista de pinturas de flores sin incluir los Nenúfares de Claude Monet. En esta icónica serie, el genio del impresionismo nos da una clase magistral de pintura al aire libre. La dedicación de Monet a la serie era tal que se aseguró de que su jardín personal en Giverny estuviera siempre en perfectas condiciones para poder inspirarse en él. Monet pintó las más de 205 pinturas de la serie en los últimos 30 años de su vida, con pinceladas sueltas que a menudo hacen que sus composiciones rayen en la abstracción. Monet nunca dejó de dar vida a los delicados nenúfares, pintándolos en colores vivos y mostrando su belleza en diferentes tipos de luz.
Amaryllis de Piet Mondrian (1910)
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Piet Mondrian, siendo holandés, provenía de una larga tradición cultural de arte floral. Sin embargo, el artista se aseguraba de darle su propio toque contemporáneo a los bodegones. Esta naturaleza muerta, Amaryllis, fue creada mucho antes de las famosas pinturas abstractas de Mondrian, que se basan en la geometría. Pintada en el estilo fovista, la composición se divide en bloques de color que reducen las flores a sus formas más básicas. La acuarela ofrece un maravilloso equilibrio entre las cualidades pictóricas y el color de la obra, a la vez que rompe con el impresionismo.
Florero blanco con flores de Odilon Redon (1916)
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Hecha con pasteles, esta vibrante naturaleza muerta con flores creada por el pintor simbolista Odilon Redon ofrece una mirada al futuro. En ella ya no están presentes la mesa y los fondos clásicos de los primeros bodegones holandeses. En cambio, Redon crea el espacio utilizando diferentes gradientes de color pastel. Sus flores van de representaciones precisas y detalladas a pétalos más abstractos que hacen que toda la pintura sea dinámica. Curiosamente, Redon no se dedicó a pintar flores hasta los 60 años, y a partir de entonces dedicó la mayor parte de su tiempo a crearlas. La pintura de flores era una cosa seria para Redon y algo que disfrutaba enormemente. “Tengo en la mente como una de las mejores cosas que he pintado este jarrón de flores, que sigue siendo una visión para mí”, dijo alguna vez. “Nada me ha dado tanto placer como la apreciación de simples flores en su florero respirando aire.”
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