La escultura helenística es una de las prácticas más valoradas de la historia del arte. Celebrado por su naturalismo sin precedentes, este movimiento introdujo un enfoque escultórico que sería emulado por artistas muchos siglos después.
Hoy en día, podemos encontrar piezas helenísticas en todos los rincones del mundo, siendo la Victoria alada de Samotracia una de las más famosas. Si bien es probable que estés familiarizado con algunas de estas asombrosas esculturas de mármol, puede que no sepas mucho del movimiento que las originó.
¿Qué fue el periodo helenístico?
El periodo helenístico fue una era de la antigua Grecia que tuvo lugar entre 323 a.C. y 31 d.C. Durante este periodo, los escultores buscaron y perfeccionaron el naturalismo—un interés artístico que los artistas griegos llevaban cientos de años desarrollando.
La fascinación por la escultura naturalista comienza en la época arcaica de Grecia, un periodo que duró desde el siglo VIII hasta el año 500 a.C. Aunque las esculturas realizadas en esta época transmitían más realismo que las que las precedieron, sus poses son rígidas y sus expresiones, estoicas. Del mismo modo, los escultores arcaicos se aferraban a dos tipos de figuras: “el kouros masculino, o joven desnudo de pie, y el kore femenino, o doncella vestida de pie” (Museo Metropolitano de Arte).
Sin embargo, todo cambió con la llegada del periodo clásico en el año 500 a.C. Con una mayor atención a los detalles y una percepción idealizada de la anatomía humana, los escultores clásicos buscaban la perfección en su trabajo. Por lo tanto, cambiaron su enfoque de figuras kouros y kore a una gran variedad de personajes mitológicos.
Este acercamiento llevó las cosas un poco más lejos en el año 323 a.C. En esta época, los escultores adaptaron las técnicas clásicas para representar figuras realistas. Esta tendencia duró casi 200 años y culminó en lo que ahora se conoce como el período helenístico.
Características clásicas
Para lograr esta estética realista, los escultores helenísticos incorporaron hábilmente en su trabajo tres características: movimiento expresivo, anatomía realista y detalles ornamentales.
Movimiento expresivo
Para que sus esculturas lucieran lo más humanas posible, los escultores utilizaban siluetas dinámicas y formas sinuosas para sugerir movimiento. Este énfasis en el movimiento expresivo y exagerado es particularmente evidente en Laocoonte y sus hijos, una de las obras maestras más famosas de la época.
Inspirada en una epopeya griega, la estatua representa a tres figuras—Laocoonte, un sacerdote de Troya, y sus dos hijos, Antifante y Timbreo—mientras tratan desesperadamente de escapar de un par de serpientes que los atacan. Por mucho que giran y se retuercen, los tres permanecen atrapados, culminando en la escena arremolinada y llena de acción que ilustra perfectamente el interés helénico en el movimiento.
Anatomía realista
Esta preocupación por el movimiento también influyó en el enfoque helenístico de la anatomía. Rompiendo con “las poses universales, sin emociones y a menudo rígidas de los arcaicos” (Google Arts & Culture) y basándose en modelos clásicos, los artistas helenísticos crearon esculturas inspiradas en posturas humanas reales. En lugar de posiciones erguidas poco realistas, figuras como la Venus de Milo eran esculpidas en una posición asimétrica. Conocida como contrapposto, esta postura sugiere movimiento mediante el uso de una distribución realista del peso y un cuerpo en forma de S.
Además de las poses naturales, los artistas helenísticos buscaban replicar los cuerpos de seres humanos reales. Si bien esto es evidente en las esculturas poco idealizadas de dioses que fueron populares durante el periodo, también se manifestó en forma de estatuas de gente común. “Uno de los resultados inmediatos del nuevo entorno helenístico internacional fue la ampliación de la gama de temas que tenían pocos precedentes en el arte griego de antaño”, explica el Museo de Arte Metropolitano. “Hay representaciones de sujetos poco ortodoxos, como los grotescos, y de ciudadanos convencionales, como los niños y las personas mayores”.
Detalles ornamentales
Una característica clave de la escultura helenística es la atención al detalle. Además de los rasgos anatómicos realistas, esto es evidente en el drapeado, un elemento escultórico que resultó ser particularmente popular durante esta época.
Los escultores optaban por adornar sus esculturas con “tela” por tres razones principales: para acentuar el movimiento sugerido de la figura, para enfatizar los contornos de su anatomía realista y para mostrar sus propias habilidades escultóricas. Conocida como “paños mojados”, esta técnica apareció por primera vez durante el período clásico y fue adoptada y adaptada por los artistas helenísticos.
Legado
Si bien han pasado siglos, la escultura helenística sigue siendo uno de los géneros más influyentes de esta disciplina. Durante el Renacimiento, su énfasis en la anatomía fue emulado por artistas italianos como Miguel Ángel; en el Barroco, Bernini se inspiró en su movimiento dinámico; y, en el siglo XIX, Giovanni Strazza empleó la técnica de las “paños mojados” para crear su increíble Virgen velada.
Abarcando diferentes movimientos, géneros e incluso siglos, estas piezas—junto con muchas otras—demuestran el legado duradero de la escultura helenística.
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