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En los años 80, Keith Haring alcanzó la fama internacional. Su obra, caracterizada por sus dibujos de líneas, se volvió instantáneamente reconocible gracias a su estilo pop. Este artista pasaría de la escena underground de Nueva York a codearse con grandes personajes como Andy Warhol, Grace Jones, Yoko Ono y Madonna. Desafortunadamente, el prolífico artista falleció en 1990 por complicaciones causadas por el SIDA. Aún así, su legado vive hasta el día de hoy.
Hoy en día, Haring es famoso no solo por sus habilidades artísticas, sino por la manera en que utilizaba su arte para crear conciencia sobre las causas sociales cercanas a su corazón. A menudo se le asocia con otros artistas urbanos y del graffiti de esa era en Nueva York, incluyendo a Jean-Michel Basquiat. De hecho, ambos suelen exhibirse juntos para mostrar cómo se cruzaron sus vidas en Nueva York en ese entonces.
Las líneas gruesas y la iconografía de Haring son legendarias, pero ¿cuánto sabes sobre su vida y su carrera? Como uno de los pioneros del arte contemporáneo del siglo XX, ayudó a allanar el camino para que otros artistas desconocidos tuvieran éxito en la industria del arte popular. De hecho, muchos de los artistas urbanos que conocemos y amamos hoy en día, desde Banksy hasta Shepherd Fairey, se han inspirado en la carrera de Haring.
Conoce 7 datos sobre la vida y el legado de Keith Haring, gran maestro del arte urbano pop.
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Su llegada al mundo del arte fue poco convencional.
Aunque a Haring le fascinaba el arte desde que era niño, su llegada al mundo del arte no fue nada tradicional. Pasó dos semestres estudiando arte comercial en la Ivy School of Professional Art, pero abandonó la escuela al darse cuenta de que el arte gráfico no era lo suyo.
Más tarde, aceptó un puesto como trabajador de mantenimiento en el Centro de Artes y Oficios de Pittsburgh, donde pudo escuchar conferencias de artistas influyentes como Christo, quien le hizo empezar a pensar en el arte público. Eventualmente, Haring tendría su primera exposición individual en este centro.
Haring siguió estudiando arte por su cuenta y eventualmente se inscribió en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Ahí empezaría a desarrollar una relación profunda con miembros de la escena de arte alternativa, forjando amistades con artistas del graffiti como Futura 2000, Kenny Scharf y Jean-Michel Basquiat.
Su carrera empezó pintando ilegalmente en el metro.
Keith Haring llegó a la mayoría de edad en una época emocionante en la ciudad de Nueva York, cuando la escena del graffiti underground y el arte callejero apenas estaba floreciendo. Varios artistas comenzaron a organizar sus propios eventos fuera del sistema tradicional de galerías. Inspirado por esto, Haring comenzó a usar el metro de Nueva York como su “laboratorio”.
Aunque sus dibujos tenían más en común con el pop art que con los graffitis tradicionales, su esencia era mayoritariamente la misma. Entre 1980 y 1985 creó cientos de sus “dibujos del metro” usando tiza blanca para dibujar en paneles publicitarios sin usar.
La creación de estos dibujos casi se convirtió en un performance, ya que los transeúntes a menudo se detenían para ver a Haring trabajar. Altamente efímeros en la naturaleza, ya que o bien se arrancaban o se cubrían con anuncios, la mayoría de las fotos que tenemos de estos dibujos provienen del fotógrafo Tseng Kwong Chi. Haring lo llamaba después de terminar sus dibujos y le daba las ubicaciones.
Por supuesto, trabajar en el metro tenía sus riesgos. Haring a menudo era multado por la policía por este acto de vandalismo y, de hecho, fue arrestado varias veces. Sin embargo, normalmente lo dejaban, ya que los dibujos eran de tiza y causaban poco daño.
“Las piezas del metro se convirtieron en algo mediático, y las imágenes comenzaron a salir al resto del mundo a través de revistas y la televisión”, compartió Haring. “Empezaron a asociarme con Nueva York y la escena del hip-hop, que era todo sobre graffiti y música rap y break dance. Había existido durante cinco años o más, pero no había empezado a llegar a la población en general. Fue increíblemente interesante para mí que llegara a todo tipo de personas en diferentes estratos y de diferentes orígenes”.
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Fue todo un éxito comercial.
En 1982, Haring comenzó a hacerse famoso y fue uno de los primeros éxitos en cruzar al mundo del arte tradicional. Fue presentado en dos importantes eventos internacionales de arte contemporáneo: Documenta en Alemania y la Bienal de São Paulo en Brasil. También tuvo su primera exposición en la Tony Shafrazi Gallery, que era conocida por trabajar con artistas tanto establecidos como en ascenso.
Ese mismo año, Haring comenzó a viajar por el mundo, algo que seguiría haciendo durante el resto de su carrera. En los 7 años siguientes, el artista crearía más de 50 piezas de arte público en diferentes países; Australia, Brasil, Italia y los Países Bajos fueron algunos de ellos. Incluso le pidieron que pintara un mural en el muro de Berlín. Además del arte público, Haring usó su estilo icónico para dar vida a escenografía, decoraciones de teatro y portadas de discos—a menudo para alguna causa social.
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El artista usó su trabajo para hacer consciencia sobre varias causas sociales.
Desde el principio, Haring usó su arte para discutir temas de importancia social y política. En particular, su trabajo a menudo trata temas de homosexualidad y SIDA. El SIDA fue una causa de particular importancia para el artista, ya que él mismo fue diagnosticado con esta enfermedad en 1988. Utilizó su iconografía no sólo para discutir su condición, sino como una forma de generar conciencia en un momento en que se sabía poco sobre la enfermedad. Otros temas que Haring exploró fueron el apartheid y la creciente epidemia de crack en Nueva York. De hecho, su infame mural Crack is Whack en la unidad FDR Drive de Nueva York aborda este tema.
Haring a menudo donó su arte a causas caritativas y pintó murales en numerosos hospitales y orfanatos. En 1989, estableció la Fundación Keith Haring como una forma de dar fondos a organizaciones de SIDA y programas para niños.
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Haring abrió una tienda para vender sus propios productos.
Aunque hoy en día muchos artistas como Takashi Murakami y Shepherd Fairey comercializan su trabajo, no era así en 1986 cuando Haring abrió su Pop Shop. Situada en SoHo, su tienda vendía todo tipo de productos con los diseños de Haring. Mientras que el ícono del arte pop Andy Warhol era un gran partidario del proyecto, Haring se enfrentó a una intensa reacción de otros en la comunidad artística que resentían la comercialización de su trabajo.
“Otros artistas me han acusado de venderme desde que mis pinturas empezaron a venderse”, dijo a Rolling Stone en 1989. “No sé qué pretendían que hiciera: ¿que me quedara en el metro el resto de mi vida? ¿De alguna manera eso me hubiera mantenido puro? En 1984, lo del metro empezó a fracasar, porque todo el mundo se estaba robando las piezas. Yo bajaba y dibujaba en el metro, y dos horas después la pieza desaparecía. Después aparecían para venderse”.
Para Haring, el Pop Shop era un ecualizador y una forma de hacer su trabajo accesible a todo el mundo. Esto estaba perfectamente en línea con su deseo de no ser dominado por el mundo del arte contemporáneo. Y, de hecho, Haring simplemente seguía el ejemplo de numerosos artistas, desde Alphonse Mucha hasta Salvador Dalí, quienes trabajaron en proyectos tanto comerciales como de bellas artes.
El Pop Shop de Nueva York de Haring finalmente cerró sus puertas en 2005 (un segundo Pop Shop en Tokio ya había cerrado en 1988). Hoy en día, la Fundación Keith Haring mantiene viva la ideología del artista vendiendo mercancía a través de un Pop Shop en línea.
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Fue un buen amigo de Madonna y Andy Warhol.
Haring se hizo amigo de muchos artistas importantes a lo largo de su carrera. Conoció a Jean-Michel Basquiat y a Madonna en la escena underground y se mantuvo cercano a ellos durante toda su vida. Después de la muerte de Haring en 1990, Madonna donó todas las ganancias del concierto de apertura de su gira Blonde Ambition a organizaciones benéficas dedicadas al SIDA en su honor.
Otra figura clave en la vida de Haring fue Andy Warhol. Después de conocerse a través del fotógrafo Christopher Makos, Warhol y Haring se hicieron íntimos amigos. De hecho, solían intercambian arte y Warhol fue el sujeto de muchas de las pinturas de Haring.
“Todo el mundo lo admiraba”, dijo Haring de Warhol. “Era la única figura que representaba un verdadero precursor de la actitud de hacer arte de una manera más pública y de tratar el arte como parte del mundo real. Incluso cuando nos hicimos amigos, siempre lo miré con asombro. Pero todos los que conocían a Andy hablan de él como si fuera la persona más dulce, generosa, sencilla y amable”.
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Su legado vive hasta hoy.
Aunque la carrera de Haring fue breve, ya que murió de complicaciones del SIDA en 1990 a la edad de 31 años, su legado ha perdurado. Este artista se ha convertido en un ícono de la comunidad LGBTQ y fue incluido en el edredón conmemorativo sobre el SIDA.
Artísticamente, su carrera dio esperanza a otros artistas urbanos al mostrar que el éxito comercial era posible. Su estilo se ha vuelto famoso y es a menudo utilizado por grandes marcas como Lacoste, Adidas y UNIQLO.
Por encima de todo, Haring demostró que era posible equilibrar el arte, el activismo político y la caridad sin sacrificar el éxito. La artista Samantha McEwen, quien era muy amiga de la artista, comparte: “Ideó este pensamiento sobre cómo comunicarse, cómo poner en el papel lo que estaba pensando. Tenía tantas ideas que encontró una manera de comunicarse. Creo que la mayoría de los artistas encuentran una forma de comunicar tal vez una o dos ideas principales, pero Keith comunicaba todo lo que pensaba: dinero, política, religión, sexo, vida, niños. Encontró la manera de dibujar lo que estaba pensando”.
Hoy en día, el trabajo de Haring sigue siendo objeto de exposiciones en todo el mundo. El Museo Whitney, el MoMA y el Museo Stedelijk son sólo algunas instituciones que albergan piezas de este artista en sus colecciones.
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