“Auto-portrait” d'Angelica Kauffmann, vers 1770 to 1775. (Photo: Wikimedia Commons, Domaine Public)
La peintre impressionniste du XIXe siècle Berthe Morisot a dit un jour : « Je ne crois pas qu'il y ait jamais eu un homme traitant une femme d'égale à égal, et c'est tout ce que j'aurais demandé, car je sais que je les vaux. » Morisot, parfois, a exprimé sa frustration que ses talents de peintre soient décrits – sur un ton condescendant – comme superficiellement léger et féminin.
Incontournable de la scène artistique parisienne, Morisot se positionne pour le succès commercial et artistique. Cependant, même cette membre fondatrice du mouvement artistique le plus célèbre (et belle-sœur de Manet) a rencontré des obstacles à la reconnaissance en raison de son sexe. Les femmes peintres des XVIIIe et XIXe siècles en Europe étaient confrontées à des dilemmes similaires – la gloire et la fortune étaient possibles, mais leur sexe pouvait constituer des obstacles supplémentaires à la formation formelle, à la reconnaissance et à l'exposition.
Malgré ces difficultés, les femmes peintres ont avancé de nouvelles techniques et ont lancé de nouveaux styles de représentation de leurs sujets. Elles ont peint des empereurs, des rois et des princesses. Leurs œuvres étaient convoitées par les nobles à travers l'Europe et les barons voleurs à travers l'Atlantique. Bien qu'il n'y ait jamais eu un temps où les femmes n'étaient pas impliquées dans des activités artistiques, leurs œuvres restent sous-représentées dans les collections des musées. Souvent, leurs œuvres ont été attribuées à tort à des hommes par des téléspectateurs et des érudits (généralement masculins).
Le génie des femmes peintres est toujours reconnu à mesure que les œuvres sont réévaluées et que les femmes artistes sont redécouvertes. Lisez la suite pour en savoir plus sur les femmes peintres de l'Europe des XVIIIe et XIXe siècles qui rivalisaient avec leurs homologues masculins pour les commandes et le prestige.
Découvrez les femmes peintres des XVIIIe et XIXe siècles en Europe qui ont été des pionnières dans leur domaine.
Angelica Kauffman (1741–1807)
“Portrait de Ferdinand IV de Naples, et sa famille” par Angelica Kauffmann, 1783. (Photo : Wikimedia Commons, Domaine Public)
Née en Suisse, Angelica Kauffman était la fille du muraliste Johann Joseph Kauffman. Elle a reçu une formation artistique tout en étant l'assistante de son père dès son plus jeune âge et en copiant les œuvres des maîtres anciens lors de leurs déplacements pour des commandes. Jeune femme, elle s'est également formée en Italie où ses peintures et portraits historiques ont été bien reçus.
Après avoir déménagé à Londres en 1766, Kauffman était l'une des deux femmes membres fondatrices de la Royal Academy of Arts. Outre ses portraits populaires de modèles aristocratiques, l'artiste a représenté de nombreuses scènes classiques et allégoriques. Elle était une figure éminente parmi ses peintres néoclassiques contemporains à la fin du XVIIIe siècle.
Élisabeth Vigée Le Brun (1755-1842)
“Marie Antoinette et ses enfants”, par Élisabeth Vigée-Lebrun, 1787. (Photo : Wikimedia Commons, Domaine Public)
Élisabeth Vigée Le Brun était une peintre parisienne et est toujours l'une des artistes féminines les plus connues de son époque, avec une œuvre à cheval sur la transition des goûts rococo aux goûts néoclassiques. Aujourd'hui, ses portraits de la reine française condamnée Marie-Antoinette sont bien connus. À l'époque, les portraits rehaussent la notoriété de Le Brun parmi les courtisans de l'Ancien Régime. Des nobles de Russie, d'Autriche et d'Italie ont également sollicité ses œuvres après sa fuite de France en 1789 au début de la révolution.
Comme d'autres peintres néoclassiques, elle a parfois représenté ses sujets comme des personnages de la mythologie. Des années après la révolution, la peintre préférée de la défunte reine a finalement pu retourner à Paris, où son travail a souvent été exposé dans le prestigieux Salon.
Rosalba Carriera (1673-1757)
“Young Woman with a Parrot,” par Rosalba Carriera, vers 1730. (Photo : Wikimedia Commons, Domaine Public)
Rosalba Carriera est née à Venise. Contrairement à de nombreuses femmes artistes, elle n'a pas appris à peindre d'un membre masculin de la famille. Bien qu'on ne sache pas où elle a appris, elle est devenue si habile qu'elle a finalement écrit un manuel de techniques. Ses premières œuvres de peintures miniatures étaient très populaires auprès des aristocrates européens qui parcouraient Venise à la recherche d'art et de luxe. Elles étaient si populaires que des contrefaçons ont commencé à apparaître.
Elle a ensuite fait sa marque dans le domaine du portrait en utilisant des pastels pour créer des images rococo. Les pastels n'étaient pas un support populaire pour le portrait formel jusqu'à ce que Carriera les popularise. Au cours de ses nombreuses années d'activité, elle a bien commercialisé son art et a peint d'innombrables membres de la famille royale et nobles, mourant une femme riche en 1757.
Marguerite Gérard (1761-1837)
“Le Chat Angora,” par Marguerite Gérard et Jean-Honoré Fragonard, dans les années 1780. (Photo : Wikimedia Commons, Domaine Public)
En 1775, l'adolescente Marguerite Gérard se rend à Paris depuis son domicile de Grasse. Elle vivait avec sa sœur Marie-Anne Gérard et son beau-frère Jean-Honoré Fragonard au Louvre, un ancien palais royal qui servait alors à abriter les artistes et leurs ateliers. La sœur aînée Gérard peignait des miniatures tandis que son mari était un peintre rococo très respecté. La jeune Gérard a appris de Fragonard.
D'abord, elle semble avoir pratiqué en copiant ses tableaux dans ses propres eaux-fortes. En tant que peintre, elle s'est concentrée sur l'art de genre représentant des scènes de la vie quotidienne. Son travail était populaire auprès des mécènes aristocratiques. Beaucoup de ses peintures ont également été vendues sous forme de gravures abordables, faisant d'elle un nom artistique bien connu de son vivant.
Adélaïde Labille-Guiard (1749-1803)
“Autoportrait avec deux élèves”, par Adélaïde Labille-Guiard, 1785. (Photo : The Metropolitan Museum of Art, Domaine Public)
Jeune Parisienne, Adélaïde Labille-Guiard a commencé à peindre des miniatures avant de passer aux portraits grandeur nature aux pastels et à l'huile. Comme sa contemporaine Élisabeth Vigée Le Brun, Labille-Guiard était un choix populaire parmi les rois et les nobles français à la recherche de portraits. Elle était l'une des quatre femmes autorisées à entrer à l'Académie Royale de Peinture et de Sculpture. Ses représentations audacieuses et à la mode de femmes d'élite étaient très admirées.
Contrairement à Vigée Le Brun, Labille-Guiard n'a pas eu à quitter Paris après la révolution, cependant, elle a perdu une grande partie de sa noble clientèle. On se souvient souvent de Labille-Guiard pour ses déclarations subtiles sur la place des femmes en tant qu'étudiantes en arts. Son portrait avec deux élèves – exposé au salon en 1785 – est considéré comme une déclaration de contradiction discrète avec la règle permanente selon laquelle seules quatre femmes peuvent être membres de l'académie à la fois.
Marie-Denise Villers (1774-1821)
“Marie Joséphine Charlotte du Val d'Ognes”, par Marie-Denise Villers, 1801. (Photo : The Metropolitan Museum of Art, Domaine Public)
La peintre parisienne Marie-Denise Villers fait partie de la génération artistique qui grandit en France après la révolution. L'une des trois femmes artistes de sa famille, elle a étudié la peinture avec François Gérard et Jacques-Louis David, ainsi qu'avec la femme peintre Anne Louis Girodet Trioson. L'œuvre néoclassique ci-dessus représente la jeune Marie Joséphine Charlotte du Val d'Ognes. On a longtemps pensé qu'il s'agissait d'un tableau de David. Cependant, au XXe siècle, les experts du Metropolitan Museum of Art ont rejeté cette attribution et ont émis l'hypothèse que la peinture est de Villers.
Rosa Bonheur (1822-1899)
“The Highland Shepherd,” par Rosa Bonheur, 1859. (Photo : Wikimedia Commons, Domaine Public)
La peintre réaliste du XIXe siècle Rosa Bonheur était connue pour ses superbes peintures d'animaux allant des chevaux aux taureaux en passant par les lapins. Vivant dans un château de campagne français qu'elle a acheté, Bonheur ne s'est jamais mariée. Elle portait ses cheveux courts, a obtenu un permis alors nécessaire pour porter des vêtements pour hommes et possédait même une lionne de compagnie. Elle a été la première artiste féminine à recevoir la Légion d'Honneur après la visite de l'Impératrice Eugénie dans son atelier. L'impératrice a déclaré que « Le génie n'a pas de sexe » après avoir vu les peintures de Bonheur.
Bonheur est devenue très célèbre de son vivant. Elle a rencontré d'innombrables chefs d'État et a été appréciée par des artistes comme Eugène Delacroix et John Ruskin. Elle a connu le succès au Salon de Paris et est reçue comme une célébrité du monde de l'art à Londres. Son œuvre la plus célèbre, The Horse Fair, a finalement été achetée en 1887 par l'Américain Cornelius Vanderbilt pour 53 000 $ (environ 1,5 million de dollars dans la monnaie d'aujourd'hui). L'énorme toile est maintenant suspendue au Metropolitan Museum of Art.
Malgré tous ses succès de son vivant, l'héritage de Bonheur finit par sombrer dans l'obscurité avec l'avènement de l'impressionnisme et sa mort à la fin du siècle. Cependant, en 2020, une femme nommée Katherine Brault a acheté le Château de By, dans l'intention de revitaliser la maison de Bonheur, qui était hors d'usage. Avec ses filles, Brault a mené une croisade pour préserver la mémoire de l'artiste féminine autrefois célèbre dans un musée dédié à son travail.
Olga Boznańsk (1865-1940)
“Girl with Chrysanthemums,” par Olga Boznańska, 1894. (Photo : Wikimedia Commons. Domaine Public)
La peintre polonaise Olga Boznańsk a commencé sa carrière professionnelle à Cracovie à la fin des années 1880. Elle a étudié avec des artistes en Allemagne et a appris à se spécialiser dans les portraits. Au tournant du siècle, elle s'installe à Paris. Elle a reçu la Légion d'Honneur en 1912, parmi d'innombrables autres distinctions.
Boznańsk a principalement peint des portraits de femmes et d'enfants, souvent avec des fleurs et un sentiment d'innocence. Bien qu'elle ait chevauché la fin de l'apogée de l'impressionnisme, elle ne se considérait pas parmi eux. Elle a dit une fois à propos de son travail : « Mes peintures sont superbes parce qu'elles sont la vérité, elles sont justes, il n'y a pas d'étroitesse d'esprit, pas de maniérisme et pas de bluff. »
Berthe Morisot
“La sœur de l'artiste à une fenêtre”, par Berthe Morisot, 1869. (Photo : Wikimedia Commons, Domaine Public)
Berthe Morisot était une importante peintre impressionniste qui était pleinement installée dans le monde pictural du Paris de la fin du XIXe siècle. Bien qu'elle ait exposé pour la première fois au prestigieux Salon de Paris en 1864, elle a rejoint ses confrères impressionnistes dans l'exposition monumentale de 1874 qui est venue définir le mouvement. Ses œuvres étaient à l'huile, à l'aquarelle et au pastel. Alors que ses coups de pinceau légers peuvent être vus dans les œuvres de certains impressionnistes masculins, ses compétences ont souvent été ridiculisées comme « féminines ». Mais des portraits formels aux scènes parisiennes, ses peintures sont exposées dans les plus beaux musées d'art du monde.
Socialement, Morisot était issue de la haute société. Elle était la petite-nièce de Jean-Honoré Fragonard, l'artiste qui a formé Marguerite Gérard. Morisot épousa Eugène Manet, frère de son ami le peintre Édouard Manet. Édouard Manet peint Morisot à plusieurs reprises et peindra également sa fille Julie. Pierre-Auguste Renoir peindra aussi mère et fille.
Malgré le monde majoritairement masculin des peintres impressionnistes, Morisot était respectée pour son talent. Faisant référence à l'exposition de 1874 avec des artistes comme Manet et Monet, un critique a dit des peintres révolutionnaires, « cinq ou six fous dont l'un est une femme… [dont] la grâce féminine est maintenue au milieu des effusions d'un esprit délirant ». Aujourd'hui, les œuvres de Morisot sont aussi convoitées que nombre de ses contemporains masculins.
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