Depuis l'émergence de la Renaissance Italienne, l'histoire de l'art occidental a entamé un parcours fascinant à travers différents genres stylistiques. Alors que la peinture du XVe siècle se concentrait sur la représentation de l'idéal, les mouvements ultérieurs ont exploré de nombreuses autres esthétiques et idées, souvent en réaction à leur prédécesseur historique. Et bien qu'il existe de nombreuses peintures remarquables à étudier de ces différents mouvements artistiques, nous avons réduit la liste à 19 œuvres emblématiques qui s'étendent de la fin du XVe siècle à la première moitié des années 1900.
Parmi cette liste de chefs-d'œuvre, certains sont si connus qu'ils sont devenus une partie de la culture populaire, ainsi que d'autres qui, bien que célèbres dans les cercles artistiques, peuvent ne pas être aussi familiers. Par exemple, la peinture surréaliste La Trahison des Images de René Magritte, qui présente un rendu d'une pipe brune accompagnée de la phrase emblématique « Ceci n'est pas une pipe », a été référencée dans des films ainsi que dans des jeux vidéo. De même, la Joconde de Léonard de Vinci continue d'inspirer les auteurs et les cinéastes du monde entier. En revanche, parmi les tableaux qui ont échappé à la même attention, citons le joyau impressionniste de Pierre-Auguste Renoir, le Bal du Moulin de la Galette et le Nu Descendant Un Escalier de Marcel Duchamp.
Envie de parfaire vos connaissances en histoire de l'art ? Poursuivez votre lecture pour faire une visite présélectionnée de 19 des peintures les plus célèbres de l'histoire de l'art occidental.
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La Renaissance Italienne
Sandro Botticelli, La Naissance de Vénus, c. 1484-6
Sandro Botticelli, La Naissance de Vénus, c. 1484–1486. (Photo : Uffizi via Wikimedia Commons, Domaine Public)
Créé dans ce qu'on appelle le début de la Renaissance (ou le Quattrocento), La Naissance de Vénus est une représentation stylistique de la déesse romaine mythologique, Vénus. C'est l'un des premiers tableaux de la Renaissance à montrer une inspiration classique.
Anecdote : la nudité représentée dans La Naissance de Vénus était inhabituelle – et plutôt osée – à l'époque.
Léonard de Vinci, La Joconde, c. 1503-1506
Léonard de Vinci, La Joconde, c. 1503–6. (Photo : Louvre via Wikimedia Commons, Domaine Public)
Presque tout le monde connaît le sourire enchanteur de La Joconde. Peint à la Haute Renaissance par le mathématicien Léonard de Vinci, il présente des techniques de peinture naturalistes ainsi qu'un fond fumé utilisant du sfumato.
Anecdote : La Joconde a été volée au Louvre en 1911, mais il semble que le voleur ait rendu le tableau célèbre. Les journaux ont diffusé l'histoire du crime dans le monde entier, suscitant un intérêt international pour la peinture. Lorsque l'œuvre d'art est finalement revenue au musée de Paris deux ans plus tard, elle a été célébrée comme un chef-d'œuvre.
Michel-Ange, Le Plafond de la Chapelle Sixtine, 1508-1512
Photo : Stock Photos de Creative Lab/Shutterstock
Michel-Ange a passé quatre ans à peindre le plafond de la chapelle Sixtine pour le pape Jules II. Il n'est pas seulement réputé pour son échelle incroyable, mais aussi pour sa composition complexe et ses inspirations classiques.
Anecdote : Michel-Ange était réticent à accepter le poste. Lorsque le pape Jules II lui a demandé de peindre le plafond, il a clairement indiqué qu'il détestait la peinture et préférait la sculpture. Il a même écrit un poème exprimant ses frustrations.
La Période Baroque
Diego Velázquez, Les Ménines, 1656-7
Diego Velázquez, Les Ménines, 1656-7. (Photo : Museo del Prado via Wikimedia Commons, Domaine Public)
L'artiste espagnol Diego Velázquez était le peintre de la cour du roi Philippe IV et connu pour ses portraits expressifs qui capturaient la ressemblance physique et la personnalité de ses sujets. Les Ménines est son œuvre la plus vénérée et encore aujourd'hui louée par les historiens de l'art pour sa conception complexe. Il montre l'infante Marguerite-Thérèse entourée de dames d'honneur, d'un chaperon, d'un garde du corps, d'un chambellan et même de Velázquez lui-même.
Anecdote : Le roi et la reine sont inclus dans la peinture. Au-dessus de la tête de la princesse, il y a un cadre en bois sombre. À l'intérieur se trouvent son père et sa mère, le roi Philippe IV d'Espagne et Mariana d'Autriche.
Le Siècle d'Or Néerlandais
Rembrandt van Rijn, The Night Watch, 1642
Rembrandt, The Nightwatch, 1642. (Photo : Rijksmuseum via Wikimedia Commons, Domaine Public)
Au XVIIe siècle, les artistes néerlandais se sont inspirés des techniques de peinture de la Renaissance du Nord à une époque connue sous le nom de siècle d'or néerlandais. The Night Watch de Rembrandt van Rijn est un immense portrait de groupe dans lequel les personnages sont presque grandeur nature. Il met en valeur l'utilisation dramatique de la lumière et de l'ombre par l'artiste.
Anecdote : Le tableau est vu par environ 4 000 à 5 000 visiteurs par jour au Rijksmuseum d'Amsterdam.
Johannes Vermeer, La Jeune Fille à la Perle, c. 1665
Johannes Vermeer, La Jeune Fille à la Perle, c. 1665. (Photo : Mauritshuis via Wikimedia Commons, Domaine Public)
Une autre des peintures les plus acclamées à émerger de cette période est le portrait séduisant de Johannes Vermeer, La Jeune Fille à la Perle. Il représente une femme anonyme portant des vêtements bleus et jaunes et assise devant un fond noir austère.
Anecdote : La Jeune Fille à la Perle est parfois surnommée la « Mona Lisa du Nord ». Cela est dû en partie à l'expression captivante du sujet et au mystère qui entoure la pièce en elle-même.
La Période Romantique
Théodore Géricault, Le Radeau de La Méduse, 1818-9
Théodore Géricault, Le Radeau de La Méduse, 1818-9. (Photo : Louvre via Wikimedia Commons, Domaine Public)
Le mouvement artistique Romantique mettait l'accent sur l'émotion, la sublimité de la nature et l'individu. Le Radeau de La Méduse de Théodore Géricault dépeint un naufrage historique au large des côtes de la Mauritanie d'aujourd'hui, où des marins ont survécu à des conditions dangereuses pour trouver un havre de paix. L'utilisation de l'échelle et du drame de la peinture en fait une pierre angulaire du Romantisme Français.
Anecdote : Le Radeau de La Méduse est une pièce énorme, mesurant environ 5 mètres sur 7. Le radeau lui-même était encore plus grand, mesurant 7 mètres sur 20.
Eugène Delacroix, La Liberté Guidant le Peuple, 1830
Eugène Delacroix, La Liberté Guidant le Peuple, 1830. (Photo : Louvre via Wikimedia Commons, Domaine Public)
La Liberté Guidant le Peuple est une peinture dramatique à grande échelle de l'artiste français Eugène Delacroix. Créée pendant la Révolution française tumultueuse, elle capture l'esprit du soulèvement du peuple.
Anecdote : Aux côtés de Marianne se trouve un jeune garçon des faubourgs. Ce personnage a plus tard inspiré Victor Hugo pour son Gavroche dans Les Misérables.
Le Réalisme et l'Impressionnisme
Édouard Manet, Le Déjeuner sur l'Herbe, 1863
Édouard Manet, Le Déjeuner Sur l'Herbe, 1863. (Photo : Musée d'Orsay via Wikimedia Commons, Domaine Public)
Le chef-d'œuvre à grande échelle de Manet, Le Déjeuner Sur l'Herbe comble le fossé entre les mouvements artistiques réalistes et impressionnistes avec son approche moderne du style et du sujet. Mettant en vedette une femme nue pique-niquant en compagnie de deux hommes bien habillés, il s'inspire des peintures classiques de nus féminins tout en le plaçant dans un cadre contemporain.
Anecdote : Les hommes vêtus du tableau étaient des proches de Manet : son frère, Eugène Manet, et son futur beau-frère, le sculpteur néerlandais Ferdinand Leenhoff. La femme nue est Victorine-Louise Meurent, une muse populaire des peintres parisiens de la fin des années 1800. Elle était surnommée « La Crevette » à cause de ses cheveux roux et de son teint rosé.
L'Impressionisme
Claude Monet, Impression, Soleil Levant, 1872
Claude Monet, Impression, Soleil Levant, 1872. (Photo : Musée Marmottan Monet via Wikimedia Commons, Domaine Public)
Impression, Soleil Levant dépeint un paysage marin brumeux aux teintes bleues parsemé de petits bateaux et d'un soleil orange vif. Son utilisation radicale de coups de pinceau expressifs pour représenter un lever de soleil est ce qui a déclenché le mouvement de l'art Impressionniste et a nommé son créateur, Claude Monet, le « père de l'impressionnisme ».
Anecdote : La peinture représente le port du Havre, mais Monet a estimé qu'il n'y avait pas assez de détails pour intituler la peinture après l'emplacement. Par conséquent, le nom Impression, Soleil Levant lui a été donné. Monet a intitulé la plupart de ses peintures avec « Impression » pour cette raison.
Pierre-Auguste Renoir, Le Bal du Moulin de la Galette, 1876
Pierre-Auguste Renoir, Le Bal du moulin de la Galette, 1876. (Photo : Musée d'Orsay via Wikimedia Commons, Domaine Public)
Le Bal du moulin de la Galette fait partie des pièces les plus célèbres de Renoir. Comme beaucoup d'autres œuvres impressionnistes, elle a été peinte en plein air et offre un aperçu de la vie et des loisirs à la Belle Époque en France.
Anecdote : Les sujets du Bal du Moulin de la Galette étaient des collègues artistes, des universitaires et des amis proches de Renoir. Le peintre leur a proposé de le rejoindre à la Maison Fournaise pour poser pour la composition.
Le Post-impressionnisme
Vincent van Gogh, La Nuit Étoilée, 1889
Vincent van Gogh, La Nuit Étoilée, 1889. (Photo : MoMA via Wikimedia Commons, Domaine Public)
Alors que le mouvement impressionniste se préoccupait de représenter la lumière dans sa peinture, le mouvement Post-impressionniste s'est concentré sur la couleur. Et peu d'artistes sont aussi réputés pour leur utilisation de la couleur que Vincent van Gogh. La Nuit Étoilée a été créée tard dans la courte carrière du peintre hollandais et représente la vue depuis sa fenêtre à l'asile de Saint-Rémy-de-Provence.
Anecdote : Ce n'était pas la première Nuit Étoilée de Van Gogh. L'année précédente, en 1888, l'artiste a peint sa Nuit Étoilée originale représentant le Rhône.
Georges Seurat, Un Dimanche Après-Midi à l'Île de la Grande Jatte, 1884-6
Georges Seurat, Un Dimanche Après-Midi à l'Île de la Grande Jatte, 1884-6. (Photo : Art Institute of Chicago via Wikimedia Commons, Domaine Public)
L'artiste français et théoricien de la couleur Georges Seurat était l'un des inventeurs du Pointillisme, une technique de peinture qui consiste à appliquer de la peinture sur la toile à l'aide de petits points de couleur. Son opus magnum massif, Un dimanche après-midi sur l'île de la Grande Jatte, affiche sa maîtrise du style unique.
Anecdote : Seurat n'avait que 26 ans lorsqu'il a réalisé ce tableau.
L'Expressionnisme
Edvard Munch, Le Cri, 1893
Edvard Munch, Le Cri, 1893. (Photo : National Gallery of Norway via Wikimedia Commons, Domaine Public)
L'un des pionniers de l'Expressionnisme Norvégien, l'approche stylistique d'Edvard Munch pour transmettre l'émotion, en particulier les sentiments d'angoisse, est mieux illustrée dans son chef-d'œuvre emblématique, Le Cri.
Anecdote : Cette peinture a inspiré le masque du tueur dans la franchise de films de Wes Craven, Scream. Le réalisateur a déclaré à propos de la peinture : « C'est une référence classique à la pure horreur de certaines parties du XXe siècle, ou peut-être simplement à l'existence humaine ».
Le Cubisme
Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907
Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907. (Photo : MoMA via Wikimedia Commons, Utilisation Équitable)
Peu d'artistes peuvent se vanter d'avoir un portfolio aussi diversifié que Pablo Picasso. Pionnier de plusieurs styles différents, il est peut-être mieux connu pour ses œuvres sur le cubisme. Et tandis que Les Demoiselles d'Avignon sont souvent considérées comme une peinture proto-cubiste, elle montre toujours un intérêt pour les formes, la perspective et la simplification des formes.
Anecdote : Henri Matisse a été le rival de Picasso pendant des années, et lorsque Les Demoiselles d'Avignon ont été révélés, Matisse a publiquement critiqué le tableau. Il croyait que cela sapait l'art moderne.
Marcel Duchamp, Nu Descendant un Escalier Nᵒ 2, 1912
Marcel Duchamp, Nu Descendant un Escalier Nᵒ 2, 1912. (Photo : Philadelphia Museum of Art via Wikimedia Commons, Utilisation Équitable)
Bien que la peinture de Duchamp Nu Descendant un Escalier, N° 2 ait d'abord été rejetée par les cubistes comme étant de style trop futuriste, l'œuvre a ensuite été reconnue comme un exemple des deux mouvements et un chef-d'œuvre moderne. Comme les Cubistes, il utilise la fragmentation et la simplification des formes, et comme les Futuristes, il dépeint le mouvement.
Anecdote : Les frères Duchamp détestaient la pièce et tentaient de la censurer. Duchamp avait espéré débuter la peinture dans l'exposition de printemps des œuvres cubistes du Salon des Indépendants. Cependant, il a été rejeté par le comité, et les frères de l'artiste l'ont exhorté à retirer l'œuvre ou à peindre sur la pièce. Duchamp a refusé de changer son œuvre et a rappelé plus tard : « Je n'ai rien dit à mes frères. Mais je suis immédiatement allé au salon et j'ai ramené ma peinture chez moi en taxi. C'était vraiment un tournant dans ma vie, je peux vous l'assurer. J'ai vu que je ne serais plus très intéressé par les groupes après ça. »
Pablo Picasso, Guernica, 1937
Peint vers la fin du mouvement artistique cubiste, Guernica de Picasso est l'un des exemples les plus marquants de l'art anti-guerre. Il capture l'angoisse des personnes et des animaux causée par une violence inutile.
Anecdote : Les sujets principaux de la peinture sont des femmes. Une figure puissante est représentée criant de douleur alors qu'elle tient un bébé mort dans ses bras. Une autre tient ses bras en l'air et tient une lampe à huile, signe d'espoir.
Le Surréalisme
René Magritte, La Trahison des Images, 1929
Les peintures Surréalistes de Magritte sont connues pour leur sens unique de l'ironie. L'une de ses pièces les plus célèbres, La trahison des Images, insiste sur le fait que la pipe représentée « n'est pas une pipe » car elle en est simplement une représentation.
Anecdote : La peinture a reçu de mauvaises critiques de la part des critiques d’art qui pensaient qu'elle suggérait l'idée du nihilisme. Dans une interview, Magritte s'est défendu en déclarant : « La fameuse pipe. Comment les gens me l'ont reproché ! Et pourtant, pourriez-vous bourrer ma pipe ? Non, ce n'est qu'une représentation, n'est-ce pas ? C'est une pipe, j'aurais menti! »
Salvador Dalí, La Persistance de la Mémoire, 1931
La Persistance de la Mémoire a été peinte à l'apogée du mouvement artistique Surréaliste et considérée comme l'œuvre la plus emblématique de Salvador Dalí. Il affiche des sujets étranges évoquant un paysage onirique. Aujourd'hui encore, l'horloge fondante est synonyme du nom de l'artiste espagnol.
Anecdote : Dalí avait probablement des hallucinations lorsqu'il a peint la pièce. À l'époque de la création de l'œuvre, le surréaliste pratiquait sa « méthode paranoïaque-critique ». Dalí tenterait d'entrer dans un état d'hallucinations psychotiques auto-induites afin de pouvoir créer ce qu'il appelait des « photographies de rêve peintes à la main ».
Frida Kahlo, Les Deux Fridas, 1939
De nombreuses peintures de Frida Kahlo ont exploré sa vie personnelle à travers l'imagerie surréaliste. Les Deux Fridas a été créé après que l'artiste mexicaine s'est séparée de son mari Diego Rivera et explore deux côtés d'elle-même réunis par des mains jointes et une longue veine. Bien qu'elle soit classée dans le style surréaliste, Kahlo a insisté sur le fait qu'elle dépeignait sa vie et a été citée comme disant : « Je ne peins jamais de rêves ou de cauchemars. Je peins ma propre réalité. »
Anecdote : L'original Les Deux Fridas était presque grandeur nature et était le plus grand tableau de Kahlo.
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