Les images de la Vierge à l'Enfant – un titre qui désigne généralement une représentation visuelle de la Vierge Marie et de son fils en bas âge, Jésus – sont parmi les motifs les plus appréciés de la peinture occidentale. À l'origine une ancienne pratique de dévotion issue de croyances bibliques, la représentation artistique de ces figures est devenue un thème central dans le canon de l'histoire de l'art.
Compte tenu de sa longévité, il n'est pas étonnant que la tradition ait évolué au fil du temps, aboutissant à une multitude d'œuvres allant des icônes divines aux représentations terre-à-terre. Ce n'est qu'en observant le rôle du motif à travers l'histoire que l'on peut saisir pleinement sa signification, à la fois dans l'art chrétien et au-delà.
Qui étaient Marie et Jésus ?
Selon la croyance chrétienne, Marie, une juive galiléenne de Nazareth, a été choisie par Dieu pour porter son fils unique, Jésus. La bible met l'accent sur le fait que Marie était vierge, fécondée non par son fiancé, Joseph, mais par le Saint-Esprit, un phénomène qui, selon l'Évangile de Luc, a laissé Marie elle-même perplexe.
Marie dit à l’ange Gabriel : “Comment cela va-t-il se faire puisque je ne connais pas d’homme ?” L’ange lui répondit : “L’Esprit Saint viendra sur toi, et la puissance du Très-Haut te prendra sous son ombre; c’est pourquoi celui qui va naître sera saint, il sera appelé Fils de Dieu.”
Marie a accepté de porter, de faire naître et d'élever Jésus. Ensemble, le duo est parmi les figures les plus vénérées du christianisme, ce qui rend leur présence perpétuelle dans l'art occidentale sans surprise.
Représentations générales de la Vierge dans l'art
La Vierge et l'Enfant (La Vierge du Livre) par Sandro Botticelli (Photo : Domaine public via Wikimedia Commons)
Tout au long de l'histoire de l'art, la Vierge a été représentée de plusieurs manières. Elle est presque toujours avec Jésus, mais il y a des cas où elle est seule, que ce soit en prière, en donnant une bénédiction ou un geste de prophétie. Voici d'autres formats :
- Lorsque les œuvres incluent Jésus, la Vierge peut être considérée comme une figure en pied tenant le bébé qui lève la main en signe de bénédiction, souvent vers le public.
- Dans les retables, la Vierge à l'Enfant sera en présence d'anges ou de saints, appelés « La Vierge au trône ».
- Il existe d'autres pièces, particulièrement créées au XIVe siècle, dans lesquelles Marie est assise par terre ou sur un coussin bas. Au-delà de ces représentations, on peut également la voir assise (pas par terre) tenant Jésus d'une manière qui semble plus maternelle que formelle.
- Un style appelé « Adoring Madonna » est celui de Marie alors qu'elle s'agenouille en dévotion au Christ. Ce format est généralement peint sur des retables plus petits afin que le public puisse l'avoir pour leur usage personnel.
- Et enfin, on voit aussi Marie faire ce que font beaucoup de mères; parfois, elle allaite son enfant.
La Vierge à l'Enfant dans l'histoire de l'art
Rome antique
La Vierge à l'enfant avec Balaam le prophète dans la catacombe de Priscille à Rome, fin du IIe siècle (Photo : Domaine public via Wikimedia Commons)
Comme beaucoup d'autres tendances de l'histoire de l'art, la tradition de la Vierge (dérivé du terme italien madonna pour notre-dame) et de l'Enfant remonte à l'ancien Empire romain.
La première représentation visuelle connue de Marie et de l'enfant Jésus se trouve dans la catacombe de Priscille, une carrière utilisée pour les enterrements chrétiens de la fin du IIe au IVe siècle. Cette catacombe est célèbre pour ses peintures murales et au plafond séculaires, dont une collection inspirée de la Bible. En plus des contes de l'Ancien Testament, y compris la Ligature d'Isaac et le Jugement dernier, les fresques de sa chambre grecque racontent des histoires du Nouveau Testament, y compris, bien sûr, la naissance de Jésus.
La catacombe de Priscille présente probablement la plus ancienne représentation connue d'un ange dans l'histoire de l'art. Ensemble, ces ‘premières’ en font l'un des sites les plus significatifs de l'art chrétien.
Byzance
Icône de la Vierge et l'Enfant au trône avec des saints et des anges dans le monastère Sainte-Catherine, VIe siècle (Photo : Domaine public via Wikimedia Commons)
Après leurs débuts dans la fresque, la Vierge à l'Enfant s'est matérialisée sous forme de peintures à l'encaustique (à base de cire) et à la détrempe (à base de jaune d'œuf). Rendues sur des panneaux de bois, ces icônes catholiques représentent souvent Marie et Jésus au visage sombre assis sur un trône et flanqués de saints et d'anges tout aussi sérieux. Ils étaient principalement utilisés pour le culte et font partie des œuvres les plus répandues de l'art byzantin.
L'Europe médiévale
Au Moyen Âge, les artistes ont adopté l'esthétique de l'icône byzantine pour créer leur propre style de peinture sur panneau. Des peintres italiens comme Cimabue et Duccio ont créé des portraits à la détrempe de Marie et de Jésus basés sur le modèle byzantin, en particulier des plans d'image plats, des poses assises et l'utilisation de la feuille d'or, un médium dont la popularité a diminué à mesure que la Renaissance se rapprochait.
Début de la Renaissance italienne
Filippo Lippi, Vierge à l'enfant et deux anges, ca. 1460-1465 (Photo : Domaine public via Wikimedia Commons)
Au XVe siècle, les peintres et dessinateurs italiens ont commencé à expérimenter le réalisme dans leur travail. Cette approche a inauguré le début de la Renaissance, un âge d'art éclairé qui a duré de 1400 à 1490. Pendant ce temps, les artistes ont regardé en arrière vers les temps anciens, culminant dans un ensemble d'œuvres qui évoquent les intérêts classiques. Alors que de nombreux chefs-d'œuvre de l'époque, dont Le Printemps et La Naissance de Vénus par Botticelli, ont conservé le sujet mythologique préféré des artistes classiques, certains présentent des représentations naturalistes de Marie (qui semblaient adopter des poses plus engagées) et de Jésus (qui commençait à ressembler plus à un bébé).
Renaissance du Nord
Les idéaux italiens ont progressivement fait leur chemin à travers le continent, culminant dans une Renaissance du Nord. Basé aux Pays-Bas (Pays-Bas et Belgique), en Allemagne, en France et en Angleterre, ce mouvement partage la préférence de la Renaissance italienne pour la peinture réaliste. Dans leurs impressions sur la Vierge à l'Enfant, des artistes comme Jan Van Eyck et Robert Campin ont adopté cette nouvelle approche, résultant en des œuvres qui présentent un sens avancé de la perspective, des méthodes habiles de peinture de figures et un intérêt radical pour les décors terrestres.
Haute Renaissance
Au cours de la Haute Renaissance (1490 à 1527), Michel-Ange, Léonard de Vinci, Raphaël et d'autres artistes italiens ont porté cet intérêt renouvelé pour le réalisme à de nouveaux sommets. Ne s'intéressant plus aux motifs mythologiques, ils se sont concentrés sur des portraits commandés, des études anatomiques réalistes et des figures bibliques, y compris une Vierge à l'enfant de plus en plus prestance et naturaliste.
Empire moghol
La Vierge à l'Enfant n'est pas seulement apparue dans l'art occidental; mais a également servi de muse à la peinture moghole. Pourquoi des figures chrétiennes classiques figureraient-elles dans l'art indo-islamique ? Selon le Metropolitan Museum of Art, au XVIe siècle, “de nombreux sujets chrétiens ont été copiés par des artistes indiens travaillant à partir de bibles illustrées, d'estampes et de peintures qui ont été apportées à la cour moghole par des missionnaires jésuites et des commerçants européens”. De plus, les personnages eux-mêmes sont bien présents à la fois dans le Coran et dans l'Islam lui-même; Marie est considérée comme “au-dessus de toutes les femmes de la création”, tandis que Jésus est considéré comme l'avant-dernier prophète et messager d'Allah.
France néoclassique
Cette iconographie est restée populaire tout au long de la période néoclassique, un mouvement inspiré par le sens de l'équilibre de l'art classique et l'accent mis sur la figure humaine. Alors que des peintres comme William-Adolphe Bouguereau cherchaient à moderniser des sujets plus anciens, dont la Vierge à l'enfant, qu'il imaginait comme des figures du XIXe siècle dans un cadre stylisé, leurs contemporains élaboraient déjà des interprétations de plus en plus avant-gardistes.
Art Moderne et Contemporain
Mary Cassatt, Mother and Child (The Oval Mirror), 1899 (Photo : Domaine public via Wikimedia Commons)
Au tournant du XIXe siècle, l'impressionniste parisienne d'origine américaine Mary Cassatt a subtilement subverti les critères traditionnels de la Vierge à l'enfant avec Mother and Child (The Oval Mirror). À première vue, cette pièce charmante ressemble aux nombreux autres portraits maternels de Cassatt. Ce qui distingue cependant le tableau, ce sont des références particulièrement discrètes. “Le regard adorable de la femme, le doux visage du garçon et sa position de contrapposto suggèrent des images de la Renaissance italienne de la Vierge à l'Enfant”, explique le Metropolitan Museum of Art, “une connexion renforcée par le miroir ovale qui encadre la tête du garçon comme un halo”.
Suivant les traces de Cassatt, des artistes modernes et contemporains ont adopté et adapté le concept de la Vierge à l'Enfant. En 1942, Marc Chagall a conçu The Madonna of the Village, une représentation onirique de Marie et de Jésus flottant dans un fantasme. En 1949, Salvador Dalí a brisé l'iconographie familière avec The Madonna of Port Lligatt. Et en 1963, Allan D'Arcangelo a mis une touche pop art sur la paire avec sa Madonna and Child, un portrait graphique de ‘l'icône’ Jackie Kennedy et de sa fille, Caroline.
En plus de montrer leurs propres pouvoirs créatifs, ces artistes avant-gardistes ont révélé une vérité importante sur la Vierge à l'Enfant : l'iconographie séculaire peut être triomphalement intemporelle.
Cet article a été modifié et mis à jour.
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