L’artiste surréaliste espagnol Salvador Dalí compte parmi les créateurs les plus prolifiques du XXe siècle. Il a réalisé plus de 1500 tableaux au cours de sa longue carrière, qui s’est étendue de 1910 jusqu’à sa mort en 1989. Bien que l’artiste excentrique ait exploré d’autres médiums, notamment la sculpture, la gravure, la mode, l’écriture et même le cinéma, les peintures de Dali sont particulièrement emblématiques. Il a développé son propre langage visuel pour représenter son monde intérieur, ses rêves et ses hallucinations.
“Le fait que moi-même, lorsque je les peins, je ne comprenne pas mes propres tableaux, ne veut pas dire que ces tableaux n’ont pas de sens”, a dit Dalí. “Au contraire, leur signification est si profonde, complexe, cohérente et involontaire qu’elle échappe à l’analyse plus simple de l’intuition logique.”
Lisez la suite de cet article pour découvrir cinq des plus célèbres peintures de Dalí.
Voici cinq tableaux célèbres de Salvador Dalí à connaître.
La Persistance de la Mémoire, 1931
La Persistance de la Mémoire est sans nul doute le tableau le plus célèbre de Dalí et l’une des images les plus emblématiques du surréalisme. Il a été peint en 1931, au plus fort du mouvement surréaliste. Durant cette période, les artistes exploraient leur subconscient et décrivaient souvent leurs propres rêves. Lorsque Dalí peint La Persistance de la Mémoire, sa pratique artistique est guidée par l’étrange “méthode paranoïaque-critique”. Développée par Dalí lui-même, la technique consiste à invoquer un état d’esprit paranoïaque pour faciliter une œuvre d’art qui capture des concepts déconstruits de la réalité.
Dans La Persistance de la Mémoire, Dalí explore la fluidité du temps et de l’espace en illustrant des montres qui fondent dans un paysage catalan. Les fourmis entourent une montre de poche, représentant la décomposition, un concept par lequel Dalí était fasciné. La partie la plus déroutante de l'œuvre est sans doute cette forme de visage endormi au le sol. On pense qu’il s’agit d’un autoportrait de l’artiste.
Rêve causé par le vol d'une abeille autour d'une grenade, une seconde avant l'éveil, 1944
Le Rêve causé par le vol d'une abeille autour d'une grenade, une seconde avant l'éveil est l’une des œuvres les plus connues de Dalí durant la période de l'après-guerre. Il représente la figure endormie de l’épouse de l’artiste, Gala, planant légèrement au-dessus d’un rocher à Port Lligat, un petit village situé dans une petite baie sur la péninsule du Cap de Creus, sur la Costa Brava de la mer Méditerranée. À côté de son corps nu se trouvent deux gouttes d’eau, une grenade et une abeille qui semblent également flotter dans les airs.
Le rêve de Gala est inspiré par le bourdonnement de l’abeille qui est représentée dans la moitié supérieure de la toile, parmi une succession de symboles. Une grenade éclate pour libérer un sébaste géant dont la bouche fait bondir deux tigres féroces vers Gala. Un fusil semble presque transpercer le bras de Gala comme une piqûre d’abeille, tandis qu'à l'arrière-plan, un éléphant translucide portant un obélisque de verre semble traverser la mer bleue à grandes enjambées. L’éléphant est basé sur une statue de l’artiste italien Gian Lorenzo Bernini. Pour Dalí, c’est un symbole de guerre et de destruction. Sa présence transmet l'atmosphère de terreur souvent ressentie dans un cauchemar.
La Tentation de saint Antoine, 1946
Pour La Tentation de saint Antoine, Dalí a peint des animaux imposants aux pattes fuselées qui portent des objets de tentation sur leur dos. L’étrange parade est menée par un cheval, représentant la tentation du pouvoir. Le premier éléphant porte la coupe d’or de la luxure et une femme nue, tandis que les autres apportent des bâtiments qui représentent le confort de la maison, d'autres figures nues, et de hautes tours avec des connotations phalliques. Ils marchent vers Saint Antoine le Grand, moine chrétien, lors de son pèlerinage dans le désert égyptien. Il est représenté essayant de résister et de les repousser avec une croix. Dans les nuages, on peut distinguer l’Escorial, un palais royal espagnol.
La figure de Saint Antoine occupe très peu de place sur la toile; peut-être que Dalí a voulu attirer l’attention loin de lui, afin de mieux montrer la nature accablante de la tentation à laquelle il fait face.
Galatea des Sphères, 1952
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Galatea des Sphères est un portrait de la femme et muse de Dalí, Gala. Il dépeint sa tête, son cou et ses épaules dans une série de sphères tridimensionnelles. L'image fracturée a été peinte durant la période mystique nucléaire de l'artiste, durant laquelle il brouillait la frontière entre abstraction et figuration. Depuis l'explosion de la bombe atomique en Août 1945, Dalí était fasciné par la physique nucléaire. Ayant décrit l'atome comme sa “principale nourriture intellectuelle”, l'artiste était intéressé par l'idée d'une matière composée d'atomes qui n'entrent pas en contact. Il a reproduit cette idée à travers son art, en peignant des objets en suspension.
Nature morte vivante, 1956
Avec Nature morte vivante, Dalí continue à explorer les théories mathématiques et les traduit dans son style Mysticisme nucléaire. L'artiste a choisi de réinterpréter la nature morte traditionnelle en illustrant les objets en mouvement constant. La nourriture, les boissons et l'argenterie semblent tournoyer dans les airs, comme possédés par un vortex tourbillonnant.
Pour Dalí, la spirale représentait la forme la plus parfaite de la nature, et il l'utilisait souvent comme symbole de l'ordre cosmique. On retrouve le motif à travers cette peinture – de la structure du chou-fleur au barreau du balcon. Alors que Dalí travaillait sur cette pièce en 1956, les scientifiques découvrirent que la molécule d'ADN est en forme de spirale. “Pour la première fois dans l'histoire de la science”, a dit Dali, “la physique fournissait la preuve de l'existence de Dieu”.
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