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El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York en los años 40 y 50 con artistas que se enfocaron en visualizar el subconsciente. Estos pintores pioneros maduraron como artistas en un momento en el que Estados Unidos atravesaba dificultades económicas tras la Segunda Guerra Mundial.
Los expresionistas abstractos buscaban impulsar el espíritu y la libertad americana al crear arte osado y lleno de emoción. Desde lienzos salpicados hasta campos gigantes de color, los artistas de este movimiento crearon sus piezas usando técnicas experimentales. Sin embargo, todos tenían una cosa en común: una completa dedicación a la autoexpresión.
Sigue leyendo para conocer seis artistas famosos que formaron parte del revolucionario expresionismo abstracto.
Aquí tienes seis artistas famosos que ayudaron a definir el expresionismo abstracto.
Clyfford Still
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Aunque no es tan conocido como algunos de sus contemporáneos del expresionismo abstracto, se cree que el pintor estadounidense Clyfford Still fue el primero en crear obras abstractas desprovistas de una temática obvia. Durante su periodo de madurez, en la década de 1940, creó sus característicos campos de color que expresan tanto vitalidad como mortalidad. Pintó destellos fugaces de tonos vibrantes que se interrumpían y contrastaban con enormes extensiones de color. “No son cuadros en el sentido habitual”, dijo Still en una ocasión. “Son la vida y la muerte fundiéndose en una temible unión… encienden un fuego; a través de ellas vuelvo a respirar, sostengo un cordón de oro, encuentro mi propia revelación”.
Still siguió haciendo arte hasta su muerte en 1980. Sin embargo, la mayoría de sus cuadros permanecieron ocultos hasta que la ciudad de Denver construyó un museo dedicado al artista en 2011. La obra de Still fue vital para establecer el expresionismo abstracto como movimiento, y su estilo único sigue influyendo en los artistas de hoy en día.
Jackson Pollock
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El 8 de agosto de 1949, la revista Life publicó un artículo sobre el artista Jackson Pollock con el siguiente titular: “¿Es el mejor pintor vivo de Estados Unidos?”.
Cuando Pollock apareció con sus famosas “pinturas chorreadas” a finales de la década de 1940, nadie había visto nada parecido. Este artista creaba sus obras a gran escala colocando los lienzos en el suelo antes de arrojarles pintura con un palo o verter el pigmento directamente del bote. Se movía enérgicamente por el lienzo mientras trabajaba, a menudo dejando pruebas de su caótico entorno en el lienzo. Además de las múltiples capas de pintura, algunas obras están salpicadas de objetos del estudio del artista, como clavos, cerillas y colillas. Sus fascinantes y coloridas redes de pintura capturan la vida misma, así como la propia mente ansiosa del artista. Pollock llevó una vida recluida y sufrió de alcoholismo, lo que finalmente le llevó a una muerte prematura a los 44 años; en 1956, murió tras conducir ebrio y estrellarse contra un árbol en Nueva York.
El legado de Pollock sigue vivo. Su forma única y apasionada de definir el espacio pictórico sigue influyendo en generaciones de artistas dedicados a la autoexpresión. “Hoy en día los pintores no tienen que recurrir a un tema fuera de sí mismos”, dijo Pollock en una ocasión. “La mayoría de los pintores modernos trabajan desde una fuente diferente. Trabajan desde dentro”.
Lee Krasner
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En un mundo artístico dominado por los hombres, la carrera de Lee Krasner se vio a menudo eclipsada por su papel como esposa de Jackson Pollock. Sin embargo, fue una artista brillante por derecho propio y una figura clave del movimiento expresionista abstracto. “Resulta que era la mujer de Jackson Pollock y eso es mucho decir”, dijo alguna vez. “Era mujer, judía, viuda, muy buena pintora, por cierto, y un poco demasiado independiente”.
La gran determinación de Krasner se refleja en los atrevidos lienzos que pintó. Trabajaba de forma instintiva y pintaba con un “caos controlado”. Su serie de 31 cuadros titulada Little Image demuestra el poder expresivo de las líneas y los gestos pequeños e intrincados. Creó la serie goteando pintura directamente sobre el lienzo para crear superficies texturizadas con líneas blancas e ilustrativas. En sus últimas obras, Krasner superó su profundo dolor tras la muerte de Pollock. Sus lienzos a gran escala, con colores brillantes y pinceladas firmes, están llenos de energía. Expresan una sensación de euforia y sanación tras un trauma emocional.
El innovador uso del color y la escala de Krasner fue finalmente reconocido en su primera exposición retrospectiva en octubre de 1983 en el Museo de Bellas Artes de Houston, Texas. Desgraciadamente, Krasner murió en junio de 1984 de una hemorragia interna causada por una diverticulitis y nunca pudo ver su retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Willem de Kooning
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El pintor holandés-estadounidense Willem de Kooning es famoso por su estilo dinámico y gestual. Desempeñó un papel fundamental en el movimiento expresionista abstracto. Pero a diferencia de otros artistas del estilo, De Kooning nunca abandonó del todo la representación de la forma humana. A lo largo de su carrera osciló entre el arte abstracto y el figurativo, desarrollando su propio estilo pictórico que fusionaba elementos del cubismo, el surrealismo y el expresionismo. De Kooning es quizá más famoso por Mujeres, una serie de cuadros muy polémica en su momento que representa una imagen deconstruida de la forma femenina con pinceladas vivas y expresivas.
En 1987, a finales de sus 60 años de carrera, a De Kooning se le diagnosticó Alzheimer. Sin embargo, esto no limitó su producción artística. De hecho, fue más prolífico que nunca y siguió pintando hasta que su salud empeoró gravemente. Una vez dijo. “No vivo para pintar. Pinto para vivir”. El legendario artista falleció en 1997 a la edad de 92 años, dejando tras de sí un enorme portafolio que sigue influyendo en los artistas de hoy en día.
Mark Rothko
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El pintor estadounidense Mark Rothko experimentó con varios estilos artísticos antes de llegar a sus características pinturas de campo de color (o color field paintings) en la década de 1950. Sus composiciones de cuadrados y rectángulos de colores brumosos en grandes lienzos expresaban una emoción pura, evocando lo que él denominaba “lo sublime”. Sus obras envuelven al espectador en una atmósfera intensa y sensorial. “Pienso en mis cuadros como si fueran dramas”, dijo. “Las formas de los cuadros son los intérpretes. Han sido creados a partir de la necesidad de un grupo de actores que sean capaces de moverse dramáticamente sin pudor y ejecutar gestos sin vergüenza”.
A lo largo de su vida, Rothko defendió el pensamiento social revolucionario y el derecho a la autoexpresión. A menudo consideraba que el mercado del arte era demasiado crítico y se negaba a plegarse a sus expectativas. Respondió públicamente a las críticas e incluso rechazó encargos, compras y exposiciones. Hacia el final de su vida, la salud mental de Rothko se deterioró. Murió por suicidio a los 66 años.
Helen Frankenthaler
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Helen Frankenthaler, una de las artistas más influyentes del siglo XX, inventó la técnica soak-stain, o “mancha de empapado”. Inspirada en el método de chorreado de Pollock, la artista derramaba pintura diluida en trementina sobre el lienzo, produciendo vibrantes lavados de color que parecían fundirse con él. Al igual que Rothko, Frankenthaler también contribuyó al movimiento color field painting y creó enormes lienzos que celebran la alegría del color puro.
Frankenthaler tenía solo 24 años cuando su carrera artística despegó, y siguió experimentando con nuevas técnicas y materiales a lo largo de su carrera. Frankenthaler no se conformó con los ideales del mundo del arte. Se expresaba a través de la experimentación y la innovación. “No hay reglas”, dijo una vez. “Así es como nace el arte, como se producen los avances. Hay que ir contra las reglas o ignorarlas. En eso consiste la invención”.
Frankenthaler murió en 2011 en su casa de Darien, Connecticut.
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