Como un pintor que vivió el trauma de la Segunda Guerra Mundial, Francis Bacon exploró sentimientos como el sufrimiento, el miedo y la ira en sus pinturas. Este artista buscó crear arte que reflejara emociones duras y honestas. En su obra, de estilo intenso y grotesco, Bacon representaba formas animales con características casi extraterrestres, así como figuras humanas angustiadas que a menudo gritan de dolor o de terror.
Aunque debutó como artista cuando ya tenía treinta y tantos años, Bacon rápidamente se hizo famoso. Su uso de motivos inquietantes como la carne cruda, la crucifixión, la sangre y el biomorfismo atrajo atención tanto positiva como negativa y solidificó a Bacon como uno de los principales pintores de la posguerra. Era común que este prolífico artista se centrara en un tema durante largos periodos de tiempo y utilizó regularmente formatos de trípticos y dípticos para sus pinturas, a menudo para retratar una serie de motivos cambiantes. Entre sus series encontramos retratos de la crucifixión y de papas gritando.
El artista británico alcanzó una considerable fama y fortuna durante su vida. Sus pinturas existencialistas resonaron con la angustia que invadía a las generaciones de la posguerra, e incluso hoy en día tienen un gran número de seguidores. De hecho, junto a íconos de la historia del arte como Leonardo da Vinci y Edvard Munch, las pinturas de Bacon están entre las más buscadas del mundo.
Aquí exploraremos los elementos clave del estilo artístico de Francis Bacon.
¿Quién fue Francis Bacon?
Bacon nació en Dublín, Irlanda, el 28 de octubre de 1909. Su infancia se dividió entre Irlanda e Inglaterra, tiempo durante el cual expresó un interés por la moda y el dibujo. Bacon siempre tuvo una relación difícil con su estricto padre, y en 1926, cuando Bacon tenía 17 años, tuvieron una pelea y el artista irlandés fue expulsado de la casa familiar en Londres.
Durante los años siguientes, Bacon ejerció varias profesiones, incluyendo diseñador de interiores y operador telefónico. Al mismo tiempo comenzó a pintar, inspirándose principalmente en el arte de Picasso, en fotografías médicas y en el surrealismo. Después de la guerra y de años de experimentar con la pintura, Bacon entró en la escena artística londinense con una exposición de Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión en 1945. Este tríptico se considera la culminación de la obra temprana del artista, y el precursor de su interés de toda la vida en la pintura emocional y existencial de la posguerra.
Temas y motivos en la obra de Bacon
Biomorfismo
Bacon fue introducido al biomorfismo a través de las pinturas de Picasso. Este término de arte moderno se relaciona con el surrealismo y describe vagas formas orgánicas y naturales que se asemejan un poco a la biología real.
Crucifixión
Varios de los cuadros de Bacon exploran la imagen de la crucifixión, que también utilizaron muchos de los artistas que lo inspiraron, incluyendo Picasso y Velázquez. Para el artista, la crucifixión parecía encarnar la profunda agitación emocional que experimentó la humanidad después de la Segunda Guerra Mundial.
Gritos
Bacon tendía a trabajar en periodos de profunda inmersión artística en diferentes temas, y el “grito” sigue siendo uno de sus motivos más icónicos.
En sus veintes, Bacon estaba obsesionado con fotos médicas gráficas de bocas infectadas y después, en 1935, vio El acorazado Potemkin, una película muda de Sergei Eisenstein donde una una enfermera cubierta de sangre grita de terror y desesperación. Estas imágenes se unieron para formar una idea que se quedaría con Bacon por buena parte de su carrera.
El estudio de Francis Bacon en City Gallery The Hugh Lane, Dublín, Irlanda
Foto: Antomoro vía Wikimedia Commons
Legado
Después de su muerte, el estudio de Bacon en Londres fue trasladado a Dublín. Hoy en día, los visitantes de este espacio pueden ver todos los papeles, fotos, libros y muebles tal y como eran durante la vida del artista.
Debido a su temática intensamente emocional y su estilo vanguardista, el arte de Bacon sigue siendo muy influyente hasta el día de hoy. Su portafolio de pinturas dramáticas y existencialistas continúa siendo visto como una parte clave del arte de la posguerra, reflejando el trauma que muchas personas vivieron durante esta época.
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