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El artista estadounidense Jackson Pollock es considerado uno de los más grandes pintores del expresionismo abstracto. Sus características pinturas chorreadas—o dripping, que comenzó a producir a finales de los años 40—siguen cautivando al mundo del arte hasta hoy. Pollock redefinió la línea, el color y el espacio pictórico al encontrar una nueva manera de llenar el lienzo.
Dedicada a la autoexpresión, su amplia obra simboliza la libertad de la creatividad y evoca la mente turbulenta y apasionada del artista. “Hoy en día los pintores no tienen que ir a un tema fuera de sí mismos”, dijo una vez. “La mayoría de los pintores modernos trabajan desde una fuente diferente. Trabajan desde dentro”. La vida de Pollock terminó en tragedia, pero su legado sigue vivo. Sus expresivas obras maestras siguen inspirando a los artistas de hoy.
Descubre seis pinturas famosas de Jackson Pollock que definen el desarrollo de su práctica artística.
Guardianes del secreto, 1943
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Guardianes del secreto fue una de las obras más comentadas de la primera exposición individual de Pollock en el Guggenheim de Nueva York en 1943. Representa muchos temas e influencias con los que el artista experimentó a lo largo de su vida, como la mitología mundial, el arte africano y el de los nativos americanos, y el arte prehistórico. Pollock estuvo expuesto a estas primeras formas de arte cuando era niño, y afirmó haber presenciado rituales indios desde una edad temprana. Algunos historiadores creen que estas experiencias desempeñaron un papel importante en el desarrollo del proceso artístico de Pollock.
Influenciado también por las composiciones de Joan Miró y Pablo Picasso, Pollock pintó Guardianes del secreto con formas abstractas. Los “guardianes” masculinos y femeninos situados a ambos lados del cuadro parecen tótems indios, dioses egipcios o incluso piezas de ajedrez con máscaras africanas. En la parte inferior del lienzo hay una figura de un perro pintada al estilo de los dibujos de las tumbas del antiguo Egipto. También hay una tabla en el centro de la composición con símbolos parecidos a los jeroglíficos. El gallo de color rojo sangre que aparece en la parte superior quizá represente la vez que Pollock perdió la punta de su dedo con un hachazo que estaba destinado a una gallina.
Mural, 1943
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Mural, pintado en 1943, representa la transición de Pollock de sus pinturas de caballete a sus característicos lienzos chorreados. Con unas dimensiones de 2.4 x 6 metros, fue la primera obra a gran escala de Pollock, y fue un encargo para el apartamento de Peggy Guggenheim. Cuenta la leyenda que Pollock pasó semanas mirando el lienzo en blanco, quejándose con sus amigos de que tenía “bloqueo creativo”. Finalmente, el día de Año Nuevo de 1944, pintó todo el lienzo en un frenético arranque de energía (a pesar de ello, el cuadro está fechado en 1943.) Más tarde, Pollock contó a un amigo su visión de la obra: “Era una estampida… [de] todos los animales del Oeste americano, vacas y caballos y antílopes y búfalos. Todo está embistiendo a través de esa maldita superficie”.
Cinco brazas de profundidad, 1947
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Full Fathom Five es una de las primeras pinturas de Pollock realizadas con su técnica de dripping. Su superficie está cubierta de una serie de objetos provenientes del estudio de Pollock, como clavos, cerillas, colillas, monedas y una llave. Las capas inferiores del cuadro se crearon con un pincel y una espátula, mientras que las superiores se crearon vertiendo de botes de pintura negra y plateada para casas. “Como un sismógrafo”, señaló el escritor Werner Haftmann. “El cuadro registró las energías y los estados del hombre que lo dibujó”.
El título de Cinco brazas de profundidad ( o Full Fathom Five) fue sugerido por un vecino de Pollock. Cita parte de La tempestad de William Shakespeare, cuando Ariel describe una muerte por naufragio: “Tu padre yace enterrado a cinco brazas de profundidad /se ha hecho coral con sus huesos / los que eran ojos son perlas”.
Ritmo de otoño: número 30, 1950
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Ritmo de otoño: número 30 fue una de las principales obras que aparecieron en la exposición individual de Pollock de 1950 en la Galería Betty Parsons. Para crearla, Pollock extendió el lienzo de 525 centímetros de ancho en el suelo y se movió constantemente a su alrededor mientras vertía, chorreaba y salpicaba la pintura. La espontaneidad era un elemento fundamental en la obra de Pollock, pero su proceso libre no significaba que careciera de control sobre su medio. En una ocasión se le citó diciendo: “Puedo controlar el flujo de la pintura: no hay accidente”.
Postes azules, 1952
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Postes azules (originalmente titulada Número 11) es una de las obras más famosas de Pollock. Contiene pisadas y fragmentos de vidrio por todo el lienzo, lo que muestra la frenética metodología de trabajo de Pollock. En 1973, la Galería Nacional de Australia adquirió Postes azules por 1.3 millones de dólares. Sin embargo, hoy en día tiene un valor estimado de entre 20 y 100 millones de dólares.
Lo profundo, 1953
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Durante los años 50 se produjo un cambio drástico tanto en la obra como en la vida personal de Pollock. Comenzó a evitar el color y a pintar exclusivamente en blanco y negro. El alcoholismo empezó a apoderarse de su vida y su productividad disminuyó constantemente. Lo profundo evoca la batalla interior de Pollock. Su característica pintura chorreada sigue apareciendo, pero está silenciada por pinceladas de pintura blanca en capas. “No en vano se eligió el blanco como la vestimenta de la alegría pura y la pureza inmaculada”, dijo Wassily Kandinsky sobre el cuadro. “Y el negro como la vestimenta del mayor y más profundo luto y como el símbolo de la muerte”.
La noche del 11 de agosto de 1956, cuando Pollock tenía sólo 44 años, perdió el control de su coche por conducir en estado de ebriedad y murió. Edith Metzger también murió en el coche, y una tercera pasajera, Ruth Kligman, resultó gravemente herida.
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