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6 Cosas sorprendentes que no sabías del artista pop Roy Lichtenstein

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Es el creador detrás de algunas de las pinturas Pop Art más famosas de la historia, pero ¿cuánto sabes realmente de Roy Lichtenstein? El artista pop estadounidense (conocido por sus piezas basadas en cómics) fue parte de un movimiento revolucionario que surgió en Nueva York en la década de 1960. Junto con Andy Warhol, Jasper Johns, y varios otros, Lichtenstein expandió los límites del mundo del arte y forzó al mundo a repensar la definición de arte.

Lichtenstein, quien nació y creció en Nueva York, es recordado por su innovador uso de técnicas comerciales e industriales. Al usar su experiencia personal para dar vida a sus obras de arte, no tuvo ningún problema en incorporar métodos normalmente utilizados en la publicidad a sus pinturas. De hecho, fue este enfoque arriesgado el que ayudó a darse a conocer y a lograr un éxito increíble.

A pesar de todos sus éxitos, aún hay muchas otras cosas que decir acerca de Lichtenstein y su obra. Mientras que sus pinturas más icónicas siguen siendo valiosas piezas de colección y su estilo es mundialmente conocido hoy en día, mucha gente no conoce los altibajos de su carrera. Desde su éxito tardío hasta la controversia que causó su uso de tiras cómicas, vale la pena explorar los detalles de la vida de Roy Lichtenstein.

Aquí tienes 6 cosas que tal vez no sabías acerca de Roy Lichtenstein.

Retrato de Roy Lichtenstein en 1967

Roy Lichtenstein en 1967. (Foto: Eric Koch / Anefo [CC BY-SA 3.0], vía Wikimedia Commons)

Su éxito no fue inmediato.

Nacido y criado en el Upper West Side de la ciudad de Nueva York, el arte y el diseño originalmente fueron solo pasatiempos para Lichtenstein. Tomó cursos de bellas artes en la universidad, pero su tiempo ahí fue interrumpido por el estallido de la Segunda Guerra Mundial. Después de pasar tres años en el Ejército, completó sus estudios y comenzó a trabajar como instructor de arte—profesión que ejercería intermitentemente durante el resto de su vida.

Lichtenstein tuvo varios trabajos esporádicos mientras continuaba pintando y no fue hasta casi cumplir los 40 años que su carrera como artista empezó a despegar. El momento decisivo en su carrera llegó cuando decidió dejar su puesto como profesor en la Universidad de Rutgers para regresar a la ciudad de Nueva York, ya que presentía que la ciudad estaba al borde de una explosión artística.

Roy Lichtenstein - Look Mickey - 1961 enmarcado

Su hijo lo inspiró a cambiar su estilo.

El arte de Lichtenstein es famoso por el estilo que usó durante el apogeo de su fama en los años 60. Esto incluye su uso de contornos gruesos y negros y de puntos Ben-Day. Utilizados en la impresión comercial, estos motivos estilísticos eran comunes en la publicidad de la época y tuvieron una gran influencia en Lichtenstein.

Aunque ya había empezado a utilizar elementos presentes en los cómics, fue hasta que su hijo le planteó un reto que creó su primera pintura a gran escala, reuniendo todos estos elementos. Mientras miraba un cómic de Mickey Mouse, su hijo lo señaló y dijo: “Apuesto a que no puedes pintar tan bien como eso, ¿eh, papá?”. El resultado fue Look Mickey, una pintura que incluye muchos aspectos que llegarían a ser recurrentes en su obra. Burbujas de texto, puntos Ben-Day e imágenes cómicas se unen para formar este ejemplo temprano de Pop Art.

Roy Lichtenstein, Pincelada, 1965

Tenía una relación complicada con el expresionismo abstracto.

Si bien hoy es conocido como uno de los artistas pop más importantes, Lichtenstein alguna vez se consideró a sí mismo un expresionista abstracto. Aunque este estilo se asocia más a menudo con artistas como Jackson Pollock y Willem de Kooning, Lichtenstein incorporó estos principios en su arte a partir de finales de los años 50.

Más tarde, Lichtenstein parodió el estilo que alguna vez había adoptado en su serie Brushstrokes. Creadas entre 1965 y 1966, las obras se burlaban de la pintura gestual de los maestros expresionistas. En estas pinturas, Lichtenstein utilizó sus característicos contornos gruesos, puntos de Ben-Day y colores atrevidos para retratar los detalles de una pincelada. De esta manera, un gesto espontáneo se transforma en una pintura industrial.

Aunque podía ser visto como una burla, Lichtenstein no lo veía de esa manera. “En realidad me encantan los expresionistas abstractos, o los que me gustan, por lo menos”, dijo una vez acerca de la serie. “Mi trabajo es, después de todo, una especie de camisa de fuerza. Hice esos cuadros porque era mi manera de decir: ‘Verás, pintar es como un árbol hecho de pinceladas’. [Los expresionistas abstractos] dejaban las cosas en el lienzo y respondían a lo que habían hecho, a las posiciones y tamaños de los colores. Mi estilo se ve completamente diferente, pero la naturaleza de las líneas es la misma; las mías simplemente no son caligráficas, como las de Pollock o las de Kline”.

Roy Lichtenstein - Tate Londres

Su uso de viñetas de cómics conocidos causó controversia.

La carrera de Lichtenstein despegó mientras continuaba explorando el uso de imágenes de cómics y técnicas de impresión comercial. El artista ganó fama nacional e internacional gracias a pinturas como Drowning Girl y Whaam!, pero su éxito fue bastante controversial.

Muchas de estas aclamadas pinturas fueron adaptadas de viñetas de cómics creadas por artistas conocidos. Estos artistas a menudo no fueron reconocidos—y ciertamente no remunerados—en la obra de Lichtenstein, y esto le ha dejado un mal sabor de boca a algunos artistas y amantes de los cómics. De hecho, Russ Heath, el veterano dibujante de cómics de Washington, D.C., cuyos aviones de combate fueron adaptados por Lichtenstein para Whaam!, tenía opiniones fuertes al respecto. Heath tenía más de 80 años cuando creó un cómic corto sobre cómo se sentía vivir en la pobreza cuando su ilustración era una obra de arte famosa.

En una época en la que la adaptación creativa, la reutilización y la violación de los derechos de autor a menudo se cruzan, es interesante ver este tema explorado en el Pop Art. Por su parte, Lichtenstein declaró: “Estoy copiando nominalmente, pero realmente estoy replanteando lo copiado en otros términos. Al hacerlo, el original adquiere una textura totalmente diferente. No son pinceladas gruesas o finas, son puntos y colores planos y líneas inflexibles”.

Roy Lichtenstein

Los críticos no lo querían.

Como sucede a menudo con los artistas innovadores, los críticos no estaban del todo dispuestos a aceptar la combinación de arte bajo y alto de Lichtenstein. De hecho, en 1964 la revista Life escribió un artículo sobre él que se titulaba “¿Es el peor artista de EUA?”. Al saldar la brecha entre los cómics (que los críticos de arte contemporáneo veían como un arte menor) y las bellas artes, Lichtenstein rompió paradigmas y desafió las percepciones del mundo del arte.

Su obra fue cuestionada por su falta de originalidad y de profundidad, algo que dijo fue difícil de escuchar y le hizo dudar sobre su obra. Sin embargo, esto nunca le impidió seguir sus principios y centrarse en la perfección técnica de su trabajo. Aquellos que niegan su impacto en la historia del arte sólo tienen que mirar sus pinturas ahora. En 1966, cuando la Tate Gallery de Londres se dispuso a comprar Whaam!, varios miembros de su consejo de administración se quejaron porque no estaban de acuerdo con la adquisición. Hoy en día, es una de las obras de arte más emblemáticas de la colección y vale decenas de millones de dólares.

Escultura de Roy Lichtenstein en Barcelona

Foto: Fotos de stock de Jose y yo Estudio/Shutterstock

Su carrera se extendió mucho más allá de su fase de cómics.

Lichtenstein comenzó a alejarse de sus obras de arte inspiradas en los cómics alrededor de 1966. Si bien los elementos caricaturescos continuarían infiltrándose en sus pinturas, disfrutó de una carrera realmente exitosa hasta su muerte en 1997. Destacan sus recreaciones de obras maestras de Van Gogh, Monet y Cézanne—todas ellas hechas con puntos Ben-Day y un estilo gráfico atrevido.

Lichtenstein también incursionó en la escultura e incluso creó una película con la ayuda de Universal Studios para el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Después de retirarse a Long Island en la década de 1970, donde vivió en relativo aislamiento, continuó experimentando con pinturas de bodegones, serigrafías y dibujos con lápices de colores.

 

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