El teórico de arte y pintor ruso Wassily Kandinsky fue uno de los grandes pioneros del arte moderno abstracto. Este artista creía que “los objetos dañan las imágenes”, así que exploró formas abstractas y colores como una forma de evocar la espiritualidad y las emociones humanas. Kandinsky creó su propio idioma pictórico que transcendía el mundo físico e ilustraba la experiencia humana.
Kandinsky veía la música como la forma más sublime de arte abstracto y creía que sus pinturas podían comunicar ciertos sonidos. “El color es la clave. El ojo es el martillo. El alma es el piano con sus muchos acordes”, dijo alguna vez. “El artista es la mano, que al tocar esta o aquella tecla, hace vibrar el alma automáticamente”.
Sigue leyendo para conocer más sobre seis pinturas famosas de Kandinsky que capturan la brillante mente de este artista.
Estas seis pinturas de Wassily Kandinsky muestran el desarrollo de su distintivo estilo.
Der Blaue Reiter (El jinete azul), 1903
A diferencia de las composiciones abstractas por las que Kandinsky eventualmente se haría famoso, esta obra de arte temprana representa un momento clave en el estilo de desarrollo del artista. En esta, una de sus últimas pinturas en este estilo impresionista, Kandinsky pintó un paisaje bañado por el sol con pinceladas cortas y coloridas. La figura a caballo fue la primera versión de muchos jinetes en las pinturas de Kandinsky. Incluso inspiró un movimiento artístico de cuatro años en Alemania llamado Der Blaue Reiter (El jinete azul).
El grupo de artistas de Der Blaue Reiter—incluyendo a Wassily Kandinsky, Franz Marc y August Macke—compartían el deseo común de expresar la espiritualidad a través de su arte. Creían en la conexión entre el arte visual y la música; las asociaciones simbólicas del color; y un acercamiento espontáneo e intuitivo a la pintura.
Composición IV, 1911
Composición IV es una representación semiabstracta de los cosacos en Moscú durante el periodo revolucionario de 1905-1906. Este óleo sobre lienzo es parte de una colección de 10 piezas donde Kandinsky representa una batalla que finalmente lleva a la paz. Entre las vibrantes franjas de color y las audaces líneas negras, Kandinsky pintó varios cosacos que llevaban lanzas, así como barcos y un castillo en la cima de una colina azul. Las figuras fluidas y reclinadas a la derecha de la composición representan la armonía y el final de la batalla. Estas figuras y símbolos se repitieron en las últimas obras de Kandinsky, volviéndose aún más abstractos.
Composición VII, 1913
Kandinsky creó Composición VII en 1913 mientras vivía en Múnich, Alemania. Puede parecer una mezcla aleatoria de formas y símbolos, pero en realidad fue planeada con meses de antelación. Antes de crearla, Kandinsky creó más de 30 bocetos, usando óleos y acuarelas, para decidir cuál sería la composición.
Kandinsky creía que su arte podía evocar el sonido de la música y usaba los términos “improvisaciones” y “composiciones” para describir sus pinturas. Composición VII—con su vórtice de color y símbolos—a menudo era descrita como “operística”. A pesar de estar centrado en el tema de la batalla y la redención, Kandinsky mantuvo varias referencias simbólicas en esta pintura, incluyendo glifos de barcos con remos, montañas y figuras.
Composición VIII, 1923
Pintada mientras Kandinsky enseñaba en la Bauhaus, el orden geométrico de Composición VIII ilustra el espíritu del estilo de la escuela, así como el interés del artista por el suprematismo y el constructivismo. El uso de círculos, cuadrículas, semicírculos, triángulos y otras formas matemáticas por parte de Kandinsky refleja su creencia de que la forma y el color por sí solos pueden comunicar emociones y sonidos.
Hubo seis eclipses solares entre 1921 y 1923, dos de ellos ocurridos en el año en que Kandinsky creó Composición VIII. Estos eventos podrían haber sido la inspiración para los círculos multicolores de la pintura. Según Kandinsky, el negro significaba silencio mientras que el naranja indicaba el alto instrumental. El amarillo, formando un halo alrededor de los círculos azules y rojos, representa explosiones de sonidos, como trompetas y fanfarrias.
Varios círculos, 1926
Los círculos son un motivo común en la obra de Kandinsky. El artista afirmó que esta forma “es la síntesis de las mayores oposiciones. Combina lo concéntrico y lo excéntrico en una sola forma y en equilibrio. De las tres formas primarias, es la que apunta más claramente a la cuarta dimensión”.
En Varios círculos, Kandinsky limitó la pintura a una sola forma: el círculo. Esto le permitió centrarse en el color, la escala y la composición. Variando en tamaño y tono, los círculos parecen moverse alrededor del lienzo e interactuar entre sí. Algunos incluso se superponen y cambian de color donde se encuentran. Kandinsky defendió la idea de que los colores podían tener diferentes valores espirituales. Los tonos en esta pintura promueven la armonía emocional, mientras que el movimiento dinámico de las formas redondas evoca la vida misma—desde las estrellas en el cosmos hasta las gotas de agua en una hoja.
Composición X, 1939
La última de su serie de Composiciones, esta obra es la cúspide de la exploración de Kandinsky de la expresión a través de la forma no representativa. Las formas orgánicas fueron influenciadas por las figuras biomórficas del surrealismo, mientras que los colores expresan las emociones internas que Kandinsky experimentó cerca del final de su vida.
Además de representar el cosmos y el fin de la vida, el fondo negro resalta las secciones de color. La pintura ilustra el círculo de la vida y los altibajos emocionales que todos en el mundo experimentamos.
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