Frida photographiée par son père, Guillermo Kahlo, en 1932. (Photo : Guillermo Kahlo via Wikimedia Commons , Domaine public)
La peintre mexicaine Frida Kahlo est réputée pour ses sujets symboliques, ses toiles colorées et sa vaste série d'autoportraits. Inspirée par “tout ce qui passe par [sa] tête sans aucune autre considération”, ses peintures sont profondément personnelles. Compte tenu de la nature intime et emblématique de ses pièces, leurs messages et leurs motifs peuvent sembler trop obscurs pour être interprétés. Lorsqu'elles sont vues à travers une lentille contextuelle, cependant, les significations derrière ses peintures poignantes commencent à se matérialiser.
Kahlo explore plusieurs thèmes dans ses œuvres, de l'intérêt pour son ascendance et son héritage à ses luttes contre l'absence d'enfant et la féminité. Ses peintures les plus connues, semblent tourner autour de deux événements majeurs de sa vie : son divorce traumatisant avec son collègue artiste Diego Rivera et un accident presque mortel auquel elle a survécu à l'adolescence. Ici, nous contextualisons sept de ses peintures les plus célèbres afin de saisir les thèmes, les pensées et les émotions qui les sous-tendent.
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Autoportrait au Collier d'Épines et Colibri, 1940
Tout au long de sa carrière, Kahlo a peint 55 portraits d'elle-même, dont son Autoportrait au Collier d'Épines et Colibri. Aujourd'hui, cette pièce reste l'un de ses autoportraits les plus reconnus, en raison du contexte émouvant dans lequel il a été créé et de la nature symbolique de l'image.
Kahlo a terminé cette pièce en 1940, un an après son divorce tumultueux avec le muraliste mexicain Diego Rivera. Compte tenu du moment de sa création, son Autoportrait avec Collier d'Épine et Colibri est largement considéré comme le reflet de son état émotionnel après sa rupture.
Dans le tableau, Kahlo est positionnée devant le feuillage, entre une panthère traqueuse et un singe. (Elle et Rivera avaient de nombreux singes comme animaux de compagnie, ce qui a conduit beaucoup à supposer qu'ils servaient de substituts aux enfants que le couple était tragiquement incapable de concevoir.) Autour de son cou, elle porte un collier d'épines orné d'un colibri. Bien que l'accessoire particulier tire du sang de son cou, son expression reste stoïque. Cette approche calme à la douleur est typique de Kahlo, qui, même dévastée par son divorce, a déclaré de manière poignante que “nous pouvons endurer beaucoup plus que nous ne le pensons.”
Les Deux Fridas, 1939
Comme l’Autoportrait avec Collier d'Épine et Colibri, Les Deux Fridas a été peint en réponse à la séparation de Kahlo de Rivera. Dans cette pièce, Kahlo explore deux facettes d'elle-même. Sur la gauche, elle se représente comme une femme au cœur brisé vêtue d'une robe traditionnellement européenne. Sur la droite, son cœur est entier et elle porte une robe mexicaine moderne, un style qu'elle a adopté alors qu'elle était mariée à Rivera.
Comme elles partagent un banc, les deux Fridas se tiennent la main. Cette étreinte, cependant, n'est pas tout ce qui les relie. De leur cœur jaillit une seule veine, qui se ramifie et s'enroule autour de leurs bras. Sur la gauche, Frida coupe la veine avec des ciseaux chirurgicaux, la faisant saigner. Sur la droite, la veine mène à un minuscule portrait de Rivera, agrippé par Frida et presque invisible à l'œil non aguerri.
Cet autoportrait unique représente probablement la lutte d'identité à laquelle Kahlo a dû faire face lors de son divorce. Bien que surréaliste dans son sujet, Kahlo a insisté sur le fait qu'une telle iconographie était enracinée dans la vie réelle et, par conséquent, un reflet direct de sa personnalité. “Je ne peins jamais de rêves ou de cauchemars”, a-t-elle expliqué. “Je peins ma propre réalité.”
Autoportrait aux cheveux rasés, 1940
Après son divorce, Kahlo a cherché à se réinventer. Dans un acte de défi contre son ex-mari, elle a peint l’Autoportrait aux Cheveux Coupés.
Assise sur une chaise jaune vif avec des ciseaux à la main et des mèches de cheveux l'entourant, l'artiste est représentée avec une coupe courte et vêtue d'un costume d'homme. Au-dessus d'elle flotte une lyrique pertinente d'une chanson folklorique mexicaine. Une fois traduit, on lit : “Écoute, si je t'aimais, c'était à cause de tes cheveux. Maintenant que tu es sans cheveux, je ne t'aime plus.”
De toute évidence, l'approche androgyne de Kahlo dans Autoportrait aux Cheveux Coupés est loin des cheveux longs, des robes fluides et des bijoux féminins exposés dans la plupart des représentations d'elle. Curieusement, cependant, ce n'est pas la première fois qu'elle expérimente un look masculin. Sur les photos de l'artiste enfant et adolescente, il est évident qu'elle portait souvent des costumes, même lorsque ses amies et sa famille conservaient une apparence plus “féminine”.
Autoportrait à la Frontière Entre le Mexique et les États-Unis, 1932
Kahlo et Rivera ont vécu en Amérique pendant une période de quatre ans, entre 1930 et 1934. Alors que son mari a prospéré sous les projecteurs et a trouvé un grand succès dans les cercles artistiques, Kahlo a connu de nombreuses difficultés, y compris des fausses couches. Autoportrait à la Frontière Entre le Mexique et les États-Unis illustre l'aversion de Kahlo pour la culture industrielle et capitaliste des États-Unis ainsi que son amour pour le mode de vie agraire du Mexique.
Sur la droite, une représentation simplifiée de Detroit – l'une des villes dans lesquelles elle et River ont vécu – qui est composée de hauts gratte-ciel et d'une usine de fabrication produisant des panaches de fumée. Sur la gauche, une illustration du Mexique, avec des plantes, des légumes, des statues antiques, un crâne et des ruines de temple en arrière-plan. Bien que Kahlo ait été profondément malheureuse pendant cette période, elle a considérablement grandi en tant qu'artiste et a pu expérimenter avec de différents médiums.
Mes Grands-parents, mes Parents et Moi, 1936
Mes Grands-parents, mes Parents et Moi est l'une des deux peintures d'arbre généalogique que Kahlo a créées. Elle documente son héritage métis, avec sa mère mexicaine et ses grands-parents maternels mexicains à gauche, et son père allemand et ses grands-parents allemands à droite. Kahlo inclut une représentation d'elle-même en tant que jeune enfant debout au centre et tenant le ruban qui relie toutes ces figures ensemble.
La Colonne Brisée, 1944
“Il y a eu deux grands accidents dans ma vie. L'un était le train, l'autre était Diego. Diego était de loin le pire.” En 1925, Kahlo, 18 ans, survit à un accident de tramway qui l'a laissée avec une colonne vertébrale cassée, parmi de nombreuses autres blessures graves. Dans, La Colonne Brisée Kahlo présente un aperçu tragique des effets à long terme de son accident.
La peinture représente Kahlo après une chirurgie de la colonne vertébrale. Nu à l'exception d'un drap d'hôpital et d'un corset en métal, son corps est percé de clous (peut-être comme une allusion à l'iconographie chrétienne du Christ en croix). Visible dans la fissure qui divise son corps se trouve une colonne ionique en ruine, qui a remplacé sa colonne vertébrale et symbolise son corps brisé. En arrière-plan, un paysage stérile est également fissuré et un ciel orageux plane au-dessus.
En 1929, Kahlo peint L'Autobus, une représentation qui rappelle ce qu'elle avait vu quelques instants avant l'accident qui a changé sa vie.
Le Cerf Blessé, 1946
Le Cerf Blessé est un autre autoportrait qui aborde symboliquement la douleur physique et émotionnelle associée aux blessures de Kahlo.
Dans cette peinture, Kahlo s'est représentée en un cerf – un choix peut-être inspiré par son animal de compagnie bien-aimé, Granizo. Frappé par des flèches et positionné derrière une branche cassée (un objet utilisé dans les rites funéraires traditionnels mexicains), il est clair que le cerf va probablement mourir. Au moment de la création du tableau, la santé de Kahlo était en déclin. En plus de l'échec des chirurgies correctives et de la douleur physique persistante associée à son accident, elle souffrait également de gangrène et d'autres maladies.
De plus, comme La Colonne Brisée, Le Cerf Blessé fait référence à l'iconographie chrétienne. Selon la Bible, Saint Sébastien, un saint chrétien primitif et martyr, a été tué par un assaut de flèches. Sa mort est restée un sujet populaire dans l'art pendant des siècles et a probablement inspiré le choix du sujet de Kahlo.
“Saint Sébastien” (panneau) d'Andrea Mantagna (1480). (Photo : Andrea Mantegna, domaine public, via Wikimedia Commons </ a >)
Malheureusement, Kahlo est décédée en 1954. Cependant, grâce à son approche très personnelle de l'art, ses émotions les plus intimes et son imagination admirable sont perpétuellement préservées dans une collection captivante d'œuvres.
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