Jarrón griego que muestra a Heracles e Yolao luchando contra Cicno, 510-500 a.C. (Foto: Wikimedia Commons, CC BY 3.0 DE)
La cerámica de la antigua Grecia es un asombroso remanente arqueológico que nos ofrece una mirada a una de las primeras civilizaciones humanas. Desde el año 1,000 hasta el 400 a.C., los artesanos griegos fabricaron recipientes de arcilla para uso cotidiano, como jarrones, tazas y platos. Muchas de estas piezas de cerámica estaban decoradas con pinturas narrativas que visualizaban historias de mitos populares y de la vida mediterránea antigua.
La cerámica griega ocupa hoy un lugar especial en los museos de todo el mundo, pero estas vasijas no son solo antigüedades hermosas; nos permiten conocer la vida, las prácticas y las creencias de una de las grandes culturas del pasado.
Sigue leyendo para descubrir cómo se fabricaban estas primeras piezas de cerámica y cómo evolucionó el estilo de la cerámica griega a lo largo de los siglos.
¿Cómo se hacía la cerámica griega?
La arcilla era un material disponible en toda Grecia, pero el tipo más popular era la arcilla del Ática. Al tener un alto contenido de hierro, adquiría un color anaranjado-rojizo y un ligero brillo tras la quema.
Las vasijas griegas solían hacerse por secciones en un torno, y las piezas individuales (el cuerpo, el cuello, la base y, de ser necesario, las asas) se unían con barbotina. Después, el alfarero regresaba la pieza al torno para aplanar las uniones y refinar la forma final.
Formas tradicionales de cerámica
Los alfareros griegos buscaban crear piezas de cerámicas de uso práctico, como para contener vino, agua, aceite y perfumes. Una vez que encontraban una forma que funcionaba, la reproducían y rara vez la cambiaban. Estas cuatro formas comunes se mantuvieron a lo largo de los años:
Vasijas grandes de almacenamiento y transporte
Estas vasijas de almacenamiento tenían cuerpos grandes y asas fuertes. Los estilos tradicionales son el ánfora, pithos, pelike, hydria y pyxis.
Vasijas para mezclar
Las vasijas para mezclar suelen tener la forma de grandes cuencos sin asas ni pies. Se utilizaban sobre todo en las fiestas masculinas para beber. Los tipos más comunes son el krater y el dinos.
Jarras y copas
Las jarras y las copas tenían a veces asas largas para que fueran más fáciles de tomar cuando se estaba recostado. Los estilos más famosos son el kantharos, el phiale, el skyphos, el oinochoe y el loutrophoros.
Vasijas para aceites, perfumes y cosméticos
Estas vasijas solían tener cuellos largos y no tenían asas. Los estilos incluyen el gran lekythos, de gran tamaño, y los pequeños aryballos y alabastron.
Si bien la cerámica griega tenía una forma relativamente restringida, la verdadera libertad artística estaba en la decoración. Sigue hacia abajo para conocer los diferentes estilos de pintura que surgieron.
Estilos decorativos
Después de que el alfarero esculpía la vasija, se la entregaba al pintor para que la decorara. Los pintores solían trabajar en talleres colectivos bajo la dirección de un “maestro” alfarero. La mayoría de los jarrones griegos no están firmados, pero se cree que muchos individuos dedicados a este oficio eran extremadamente prolíficos. En algunos casos, se han atribuido más de 200 jarrones a un solo artista, identificado por su estilo distintivo. Estos pintores no ganaban mucho, pero su obra tenía una gran demanda y se vendía en todo el Mediterráneo.
Para decorar las vasijas, los antiguos griegos utilizaban pinceles para añadir pigmento negro que se hacía con una mezcla de potasa alcalina o sosa, arcilla con silicio y óxido ferroso negro de hierro. La pintura se fijaba a la arcilla con orina o vinagre que se quemaba en el horno, fijando el pigmento en la vasija. En los estilos de cerámica posteriores, los detalles se añadían a menudo con una pintura negra diluida que adquiría un tono amarillo-marrón o rojo oscuro después de la cocción.
La cerámica griega puede clasificarse en cuatro períodos estilísticos principales: cerámica protogeométrica, cerámica geométrica, cerámica de figuras negras y cerámica de figuras rojas.
Cerámica protogeométrica
Las vasijas griegas del periodo protogeométrico (entre el 1050 y el 900 a.C.) adoptaron las formas y decoraciones de la cultura micénica, en la que los artesanos pintaban principalmente círculos, triángulos, líneas onduladas y arcos sencillos sobre la cerámica. Cada marca está perfectamente colocada para complementar las curvas de la vasija, lo que lleva a los historiadores a creer que fueron cuidadosamente realizadas con un compás y pinceles de diferentes tamaños.
Cerámica geométrica
A partir del año 900 a.C., el arte geométrico prosperó en Grecia. Este estilo de cerámica pintada incluía audaces diseños lineales que ahora se reconocen al instante como antiguos motivos griegos. Utilizando barniz negro, los pintores adornaban la cerámica con líneas horizontales (meandros), triángulos, círculos y formas en zigzag que envolvían todo el cuerpo del jarrón.
En el siglo VIII a.C., los artesanos empezaron a cubrir sus piezas de cerámica con figuras humanas estilizadas, pájaros y animales, pintados en marrón y negro. Con el tiempo, las decoraciones se hicieron cada vez más ornamentadas, y los artistas llenaron los espacios vacíos con todo tipo de motivos, incluido el antiguo símbolo religioso de la esvástica (mucho antes de que los nazis se lo apropiaran).
Hacia finales del siglo VII, surgió en Corinto el estilo geométrico orientalizante. Los artistas combinaron motivos griegos e ilustraciones representativas con las líneas curvas de la cerámica egipcia y asiria para producir un estilo único de cerámica. Se caracterizaba por un amplio catálogo de motivos animales—incluyendo la esfinge y el grifo—en frisos a lo largo de la parte más ancha del vaso. A finales del siglo VII, esta nueva tendencia se extendió por todo el país.
Olpe protocorintio con animales y esfinges, c. 640–630 a.C. (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Cerámica de figuras negras
La cerámica de figuras negras es quizás el estilo que nos viene a la mente cuando pensamos en vasijas griegas. Este célebre estilo fue una invención corintia durante el siglo VII y desde allí se extendió a otras regiones, como Esparta, Beocia, Eubea, las islas del este de Grecia y Atenas. La cerámica de figuras negras dominó el mercado durante los siguientes 150 años, a medida que los pintores de cerámica ganaban confianza para representar figuras estilizadas y animales con mucho más detalle. Las figuras, realizadas en su mayoría con tinta negra, solían ilustrar complejas escenas de la mitología griega. Los artistas pintaban sus figuras posando para mostrar sus movimientos, desde luchas contra sus enemigos hasta danzas.
En esta época, muchos pintores de jarrones comenzaron a firmar sus obras. Esto indica su orgullo y ambición como artistas, así como la gran demanda de su trabajo. Muchos historiadores consideran que las mejores obras pertenecen a Exekias y al pintor de Amasis, que destacan por su experta destreza pictórica y su capacidad para contar una historia a través de su arte.
Cerámica de figuras negras del pintor de Amasis, c. 550-540 a.C. (Foto: Wikimedia Commons, (CC BY-SA 4.0)
Cerámica de figuras rojas
Cuando surgió la técnica de las figuras rojas, a menudo se veía junto con el estilo de las figuras negras y, a veces, ambas técnicas aparecían en el mismo vaso. Sin embargo, hacia el año 530 a.C., la cerámica de figuras rojas se impuso y fue el método que perduró durante los siguientes 130 años.
En lugar de pintar las figuras en negro, los artistas empezaron a delinearlas con un fondo negro, dejando las figuras en blanco. Esto permitió a los pintores lograr una mayor precisión en sus personajes, desde las diversas expresiones faciales hasta los intrincados detalles de la ropa. Los artistas también pudieron representar complejas escenas cotidianas con mayor perspectiva y figuras superpuestas.
Hacia el siglo IV a.C., las vasijas pintadas perdieron popularidad, ya que los lienzos curvos tenían sus limitaciones. Los artistas empezaron a preferir medios más abiertos y planos—como la pintura mural—para poder crear escenas más elaboradas. Así, la cerámica griega tradicional desapareció como forma de arte. Sin embargo, sigue siendo un medio histórico importante que continúa cautivando a quienes desean conocer esta fascinante cultura perdida.
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