Egon Schiele, 1918 (Foto: Dominio público, vía Wikimedia Commons)
El artista austriaco Egon Schiele fue uno de los pintores figurativos más relevantes del siglo XX. En su corta carrera, creó más de 3,000 obras sobre papel y unas 300 pinturas sobre lienzo. Conocido sobre todo por sus retratos contorsionados, Schiele rechazaba la visión convencional de la sociedad sobre la belleza y prefería capturar las verdaderas —y a menudo feas y explícitas— emociones de sus sujetos. Su obra fue considerada chocante en su momento, pero su estilo característico —con líneas angulares y colores apagados— le convirtió en un pionero del expresionismo austriaco.
Schiele fue un rebelde que rechazó la tradición; abandonó la escuela de arte, pero nunca dejó de producirlo. Tuvo también el apoyo del pintor austriaco Gustav Klimt, quien se convirtió en su mentor en 1907. Ambos colaboraron, se hicieron amigos de por vida e incluso tuvieron la misma musa. Como resultado, las primeras obras de Schiele a menudo se comparan con las obras icónicas de Klimt; sin embargo, Schiele pronto desarrolló un estilo propio.
Trágicamente, Schiele murió de gripe española a los 28 años, tres días después de la muerte de su esposa embarazada. A pesar de su corta vida, fue un artista extremadamente prolífico, y su obra ayudó a establecer el movimiento expresionista vienés, además de inspirar otros movimientos inminentes como el expresionismo abstracto. Sigue leyendo para conocer cinco de las obras más famosas de Schiele.
Descubre cinco pinturas famosas del legendario artista austriaco Egon Schiele.
Retrato de Gerti Schiele, 1909
“Retrato de Gerti Schiele”, 1909 (Foto: Dominio público, vía Wikimedia Commons)
Retrato de Gerti Schiele fue pintado cuando Schiele aún era un adolescente. La pintura es protagonizada por su hermana pequeña, Gerti, quien posó mucho para él en sus primeros años. En 1909, el joven artista admiraba el trabajo de su colega Gustav Klimt y solía colaborar con él; su influencia es particularmente evidente en esta pintura.
A pesar de inspirarse en el arte de su mentor, Schiele muestra su propio estilo en evolución, que es menos decorativo que el de Klimt. Creado con pintura al óleo y lápiz, junto con pequeñas cantidades de oro y plata, Retrato de Gerti Schiele tiene una apariencia escultórica.
Autorretrato con planta de linterna china, 1912
“Autorretrato con planta de linterna china”, 1912 (Foto: Dominio público, vía Wikimedia Commons)
En este cuadro, uno de los más célebres autorretratos de Schiele, el artista ve al espectador con una mirada confiada, aunque vulnerable. Fue pintado en una época en la que la carrera artística del joven de 22 años estaba en auge y su obra se exponía en numerosas galerías. Su pelo y su torso están recortados por los bordes del lienzo, y su rostro está pintado con pinceladas expresivas y llenas de color. Las líneas de la composición también son llamativas. La línea de su hombro izquierdo se une con la mandíbula, y el hombro derecho inclinado está en línea con el fondo blanco de dos tonos. Las ramitas con hojas y linternas chinas de la izquierda del cuadro tienen una apariencia delicada, haciendo eco de la representación que el artista hace de sí mismo como ligeramente frágil.
El cuadro se expuso originalmente en Múnich en 1912 junto a un retrato de su amante de entonces, Wally Neuzil. El retrato de Wally fue robado por los nazis de la casa de un austriaco judío, pero fue devuelto a Viena en 2010 tras una batalla legal de 12 años.
Los ermitaños, 1912
“Los ermitaños”, 1912, (Foto: Dominio público, vía Wikimedia Commons)
En este doble retrato, Schiele se pinta a sí mismo y a su mentor, Klimt, de pie y muy juntos. Ambas figuras llevan largos caftanes negros, una prenda que tanto Klimt como Schiele usaban mucho en la vida real. Klimt se sitúa detrás de Schiele, parcialmente oculto y cegado. En una audaz declaración, Schiele se pinta a sí mismo como el viejo maestro en lugar de Klimt. Las figuras oscuras y el título del cuadro sugieren los sentimientos de aislamiento de Schiele, que vivía al margen de la sociedad.
La muerte y la doncella, 1914-15
“La muerte y la doncella”, 1914-15 (Foto: Dominio público, vía Wikimedia Commons)
Durante la época en la que pintó La muerte y la doncella, Schiele recibió la orden de unirse al Ejército en la Primera Guerra Mundial. El artista lo había pospuesto por más de un año, pero finalmente fue designado para vigilar y escoltar a los prisioneros rusos (que más tarde se convertirían en sujetos de su arte). La muerte era un tema importante en la vida de Schiele en aquella época, y este inquietante cuadro capta el estado de ánimo depresivo del artista. Presenta una figura femenina demacrada que se aferra a la figura masculina de la muerte, envuelta en una sábana blanca y rodeada de un paisaje surrealista que parece una tumba. Algunos creen que el cuadro representa la dolorosa separación de Schiele de su antigua amante, Wally Neuzil. El artista lo pintó varios meses antes de casarse con su nueva amante, Edith Harms, y quizá la obra simbolice la muerte de su anterior relación.
Pueblo rodeado de naturaleza (la ciudad vieja III), 1917
“Pueblo entre la naturaleza (la ciudad vieja III)”, 1917 (Foto: Dominio público, vía Wikimedia Commons)
Aunque Schiele suele ser conocido por su obra figurativa, el artista también pintó paisajes y ciudades de manera ocasional. Pueblo entre la naturaleza (la ciudad vieja III) retrata una vista de Krumau, la ciudad natal de la madre de Schiele en la actual República Checa. El cuadro presenta muchas de las características típicas de la obra del artista, como son las líneas definidas, los ángulos agudos y la perspectiva de vista aérea. Sin embargo, en contraste con su estilo habitual, esta obra presenta una gama de tonos brillantes.
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