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En opposition au mouvement Expressionniste Abstrait, le Photoréalisme, alias le Super-réalisme, a évolué en Amérique à la fin des années 1960 et au début des années 1970. S'inspirant de la photographie, des peintres dotés d'une capacité technique étonnante se sont efforcés de recréer des images (ou plusieurs combinées) avec des détails précis.
Rejetant l'idéalisme et l'abstraction, les photoréalistes, passés et présents, projettent souvent des photos sur leurs toiles pour leur permettre de les reproduire avec précision et exactitude. Ces artistes se concentrent sur la capture d'environnements et d'objets artificiels présentant des surfaces réfléchissantes et des détails architecturaux. Cela leur permet de vraiment montrer leurs impressionnantes prouesses techniques.
Voici six maîtres du mouvement du Photoréalisme à connaître.
Richard Estes
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L'artiste américain Richard Estes est considéré comme le fondateur du mouvement du photoréalisme. Il est surtout connu pour ses peintures de scènes de la ville de New York qui présentent des détails à couper le souffle et des surfaces brillantes et réfléchissantes. Bien qu'elles apparaissent comme des copies directes de photographies, les peintures d'Este sont en réalité réalisées à partir de plusieurs images. L'artiste a souvent déplacé certains éléments afin de renforcer ses compositions et de mieux visualiser l'âge d'après-guerre de plus en plus high-tech de New York des années 1970 à nos jours.
Chuck Close
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Le peintre et photographe américain Chuck Close est surtout connu pour ses portraits photoréalistes à grande échelle. Se concentrant principalement sur des autoportraits ou des portraits de sa famille et de ses amis, Close construit ses images à partir de plusieurs carrés sur toile qui représentent chacun leur propre section de la photo de référence. Ce système de quadrillage permet à l'artiste de faire une sorte de relevé géographique du visage de son sujet.
Les portraits en grille de Close sont similaires aux œuvres des artistes du Pointillisme, où les images sont mieux mises au point lorsque le spectateur se tient en retrait. « J'ai découvert qu'environ 150 points est le nombre minimum de points pour faire une personne spécifique reconnaissable », a-t-il déclaré à propos de sa technique. « Un visage est une feuille de route de la vie de quelqu'un. »
Ralph Goings
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Ralph Goings est un peintre américain qui a capturé le style de vie de la classe ouvrière. Bien qu'il ait commencé sa carrière artistique en expérimentant le style pictural du mouvement expressionniste abstrait, il est rapidement passé à son style de réalisme distinct. Des voitures classiques aux camionnettes en passant par les stands de hamburgers et les restaurants, il capture la vie américaine quotidienne avec des détails précis et hyperréalistes.
Ses peintures soignées ont parfois été critiquées pour leur manque d'expression artistique, mais cela n'a fait qu'encourager davantage l'artiste. « Il m'est venu à l'esprit que projeter et tracer la photographie au lieu de la copier à main levée serait encore plus choquant », a déclaré Goings. « Copier littéralement une photographie était considéré comme une mauvaise chose à faire. Cela allait à l'encontre de toute ma formation en école d'art… Certaines personnes étaient bouleversées par ce que je faisais et disaient ‘ce n'est pas de l'art, ça ne peut pas être de l'art.’ Cela m'a encouragé de manière perverse, car j'étais ravi de faire quelque chose qui dérangeait vraiment les gens… Je m'amusais énormément. »
Charles Bell
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Travaillant principalement dans la peinture à l'huile, l'artiste américain Charles Bell a créé des natures mortes à grande échelle inspirées des jouets et des jeux d'arcade. Il a représenté des poupées vintage, des jouets mécaniques, des Barbies et des figurines articulées disposées comme si elles étaient mises en scène sous un éclairage de studio rigoureux. Dans d'autres séries, Bell a peint des marbres placés sur des surfaces réfléchissantes et se découpant sur des fonds sombres. À l'aide de peinture, il a accentué leur forme incurvée et leurs motifs colorés et tourbillonnants avec des détails incroyablement réalistes.
Audrey Flack
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La peintre et sculptrice américaine de renommée internationale Audrey Flack est considérée comme une pionnière du mouvement du photoréalisme. Elle est célèbre pour ses versions contemporaines de natures mortes. Elle rassemble des objets ménagers du quotidien comme des tubes de rouge à lèvres, des flacons de parfum, des cartes à jouer et des fruits afin de capturer la féminité. Flack s'est inspirée de la tradition Vanitas du XVIIe siècle, où la nature morte est composée d'objets liés aux « vanités » éphémères de la vie.
« En tant que seule artiste femme du mouvement photoréaliste révolutionnaire, j'ai enfreint le code non écrit des sujets acceptables », a déclaré Flack. « Les photoréalistes ont peint des voitures, des motos et des scènes de rue vides. Cool, sans émotion et banal étaient les termes utilisés pour décrire le mouvement. Mon travail, cependant, était humaniste, émotionnel et rempli d'images symboliques référentielles. »
John Baeder
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Le peintre américain John Baeder est considéré comme l'un des artistes photoréalistes de deuxième génération. Il a une formation en publicité mais a quitté son emploi de bureau en 1972 pour poursuivre sa carrière artistique à temps plein. Son travail comprend des peintures à l'huile, des aquarelles et des photographies et se trouve dans les collections permanentes des musées du monde entier. Il est peut-être le plus célèbre pour ses représentations peintes de convives et de restaurants américains en bord de route, mais ce sont plus que des rendus hyperréalistes. Ses œuvres documentent et commémorent une époque révolue.
Baeder raconte souvent des histoires sur chaque établissement qu'il a visité. Parlant de sa peinture Highway Diner, il a déclaré : « Lorsque Dick Gutman et moi nous sommes rencontrés pour la première fois en 1973, nous avons échangé beaucoup de discussions au restaurant, ainsi que des images et d'autres accessoires liés aux Diners et au grand bord de la route américain. Il avait une photo de ce restaurant. Je ne pouvais pas supporter de le voir si petit et je savais qu'il fallait le peindre. C'était une façon de préserver l'image plutôt que le Diner. C'est à ce moment-là que j'ai commencé à poursuivre le dîner comme sujet. »
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