Cuando la Edad Media llegó a su fin en el siglo XV, nació una nueva era de arte y cultura en Italia. El Renacimiento, cuyo nombre proviene de la palabra italiana Rinascimento, es ampliamente considerado una edad de oro del arte, la música y la literatura, ya que tuvo un profundo impacto en el curso de la historia del arte.
Este periodo no solo vio la creación de conceptos creativos esenciales como la perspectiva lineal, el escorzo y el realismo anatómico, sino que también dio origen a artistas famosos como Botticelli, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Por primera vez desde la antigüedad, los artistas se propusieron hacer representaciones naturalistas de sus sujetos basados en ideales humanistas.
¿Quieres saber cómo se desarrolló el arte italiano entre los siglos XIV y XVI? Aquí echaremos un vistazo a 20 pinturas renacentistas famosas que dejaron su huella en la historia del arte.
Haz un recorrido por el Renacimiento italiano y conoce 20 pinturas renacentistas fundamentales.
Renacimiento temprano
Masaccio, La Trinidad, c. 1427
Pintado en la iglesia dominicana de Santa Maria Novella, Florencia, el fresco de La Trinidad es la pintura más antigua que se conserva que utiliza una perspectiva lineal sistemática. Según los registros, Masaccio colocó un clavo en el punto de fuga y ató cuerdas para determinar cómo convergían las líneas.
Paolo Uccello, La batalla de San Romano, c. 1435–1460
Paolo Uccello, “La batalla de San Romano”, c. 1435–1460 (Foto: Uffizi vía Wikimedia Commons, dominio público)
El artista y matemático Paolo Uccello creó tres pinturas para representar la batalla de San Romano, un evento que ocurrió en las afueras de Florencia en 1432. Aunque usó la perspectiva para crear una sensación de profundidad en la composición, también representó la escena de tal manera que se asemeja a un escenario teatral.
Piero della Francesca, La flagelación de Cristo, c. 1468–1470
Piero della Francesca, “La flagelación de Cristo”, c. 1468–70 (Foto: Galleria Nazionale delle Marche vía Wikimedia Commons, Dominio público)
La flagelación de Cristo de Piero della Francesca es uno de los ejemplos más antiguos de perspectiva lineal en el arte renacentista. Llamada “la pintura pequeña más grande del mundo” por el historiador de arte Kenneth Clark, presenta una composición inusual basada en el tema de la flagelación de Cristo por los romanos. En primer plano hay tres hombres, que posiblemente representan el pasado, el presente y el futuro, y en el fondo Cristo está siendo flagelado por un soldado romano mientras Poncio Pilato observa.
Antonello da Messina, San Jerónimo en su estudio, c. 1474
Antonello da Messina, “San Jerónimo en su estudio”, c. 1474 (Foto: National Gallery vía Wikimedia Commons, dominio público)
Según el historiador de arte Giorgio Vasari, Antonello da Messina introdujo la pintura al óleo, el medio popularizado en el Renacimiento del Norte, en Italia. Su obra San Jerónimo en su estudio mostró claramente la influencia del estilo de pintura preciso de Jan Van Eyck.
El complejo diseño de la pieza se basa en los diferentes tipos de conocimiento: humano, natural y divino. Da Messina utiliza la perspectiva y la geometría para organizar la iconografía dentro del espacio arquitectónico.
Andrea Mantegna, Lamento sobre Cristo muerto, c. 1480
Andrea Mantegna, “Lamento sobre Cristo muerto”, c. 1480s (Foto: Pinacoteca di Brera via Wikimedia Commons, dominio público)
El artista renacentista Andrea Mantegna era conocido por experimentar con la perspectiva en su arte, y este interés se refleja en su pintura al temple Lamento sobre Cristo muerto. Esta pieza representa a la Virgen María, San Juan y María Magdalena llorando sobre el cuerpo de Cristo. Sin embargo, a diferencia de otros Lamentos, Mantegna emplea un escorzo dramático en la pintura para que el espectador mire el cuerpo de Cristo con los pies por delante.
Pietro Perugino, Entrega de las llaves a San Pedro, c. 1481–1482
Pietro Perugino, “Entrega de las llaves a San Pedro”, c. 1481–2 (Foto: Wikimedia Commons, Dominio público)
Aunque Rafael, su alumno, lo superó en fama, Pietro Perugino hizo contribuciones significativas al arte renacentista. Entrega de las llaves a San Pedro es uno de sus frescos más importantes; este se encuentra en la Capilla Sixtina.
El cuadro retrata la escena de Mateo 16 en la que Jesús entrega las llaves del reino de los cielos a San Pedro. La pieza es un excelente ejemplo de cómo el artista utilizó la perspectiva lineal para dar profundidad a su fondo.
Sandro Botticelli, Primavera, c. 1477–82
Sandro Botticelli pintó Primavera, la primera de sus obras mitológicas, alrededor de 1480 para la finca privada de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici. Es considerada una pintura renacentista innovadora porque refleja el alejamiento de la iconografía católica en el arte y las escenas de las mitologías griega y romana. Por ejemplo, esta pintura representa una celebración alegórica de la primavera, con la diosa romana Venus al centro.
Leonardo da Vinci, Virgen de las rocas, 1483–1486
Leonardo da Vinci, “Virgen de las rocas”, c. 1483–6 (Foto: Louvre via Wikimedia Commons, dominio público)
Aunque hay dos versiones de la Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci, se considera que la primera, que se encuentra en el Louvre, fue pintada en su totalidad por él. Utiliza una composición triangular para representar a la Virgen María, el niño Jesús, Juan el Bautista de pequeño y un ángel en un fondo oscuro y verde. Al igual que otras pinturas de da Vinci, utiliza una considerable técnica de esfumado.
Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus, c. 1484–1486
Sandro Botticelli, “El nacimiento de Venus”, c. 1484–6 (Foto: Uffizi via Wikimedia Commons, dominio público)
Creado a fines del siglo XV, El nacimiento de Venus es la otra pintura mitológica famosa de Botticelli. Muestra a Venus, la diosa romana asociada con el amor y la belleza, recién nacida, de pie y desnuda en una concha de vieira agrandada. La enmarcan otras tres figuras de la mitología clásica asociadas a la naturaleza. Aunque esta obra es sinónimo de arte renacentista en la actualidad, la prominencia del desnudo femenino no tenía precedentes en ese momento.
Alto Renacimiento
Leonardo da Vinci, La dama del armiño, c. 1489–1491
Leonardo da Vinci, “La dama del armiño” c. 1489–91 (Foto: Czartoryski Museum via Wikimedia Commons, dominio público)
Años antes de que el maestro del Renacimiento Leonardo da Vinci produjera la Mona Lisa, hizo otro retrato importante. Titulada Dama del armiño, esta pintura al óleo es un ejemplo del retrato del Alto Renacimiento y el estilo claroscuro.
Representa a una mujer joven con cabello rubio que sostiene una gran comadreja blanca (también llamada armiño) en sus brazos. Si bien esta pintura es una excelente muestra del interés de da Vinci por el realismo anatómico, también utiliza el armiño como símbolo con significados relacionados con la mujer del retrato y la persona que lo encargó.
Leonardo da Vinci, La última cena, 1495–8
Desde finales del siglo XV, La última cena ha cautivado al público por su impresionante escala, su composición única y su tema misterioso. El mecenas de Da Vinci, Ludovico Sforza, le pidió que pintara la última comida de Jesús como se describe en el Evangelio de Juan en el Nuevo Testamento de la Biblia.
Curiosamente, Leonardo optó por ilustrar el momento en que Jesús les dice a sus seguidores que uno de ellos lo traicionará, poniendo gran parte del enfoque de la pintura en las reacciones expresivas individuales de las figuras.
Rafael, Los desposorios de la Virgen, 1504
Rafael, “Los desposorios de la Virgen”, 1504 (Foto: Pinacoteca di Brera via Wikimedia Commons, dominio público)
El maestro del Renacimiento y niño prodigio Rafael creó Los desposorios de la Virgen cuando tenía solo 21 años. Inspirada en las pinturas de su maestro Pietro Perugino, esta obra retrata la ceremonia de matrimonio de María y José.
El historiador de arte Giorgio Vasari comentó sobre las mejoras, diciendo: “Hay un templo dibujado en perspectiva con un cuidado tan evidente que es maravilloso contemplar la dificultad de los problemas que allí se ha propuesto resolver”.
Miguel Ángel, Tondo Doni, 1506
Antes de que Miguel Ángel decorara el célebre techo de la Capilla Sixtina, hizo su única pintura de panel terminada. El Tondo Doni celebra el matrimonio de Agnolo Doni con un retrato de la Sagrada Familia, incluidos el niño Jesús, María y José. La paleta de colores vibrantes y el modelado escultórico de las figuras son típicos del estilo de pintura de Miguel Ángel.
Leonardo da Vinci, La Mona Lisa, 1506
Reconocida tanto por su curiosa iconografía como por su historia única, la Mona Lisa de da Vinci se ha convertido en una de las pinturas más famosas de la historia del arte. El retrato renacentista presenta una figura femenina (que la mayoría cree que es Lisa Gherardini, la esposa del comerciante de telas y sedas Francesco Giocondo) de cintura para arriba. La mujer aparece sentada en una logia, o una habitación con al menos un lado abierto.
Detrás de ella hay un paisaje borroso y aparentemente aislado imaginado por la artista y pintado con esfumado, una técnica que da como resultado formas “sin líneas ni bordes, a modo de humo o más allá del plano de enfoque”.
Giorgione, La tempestad, c. 1506–8
Giorgione, “La tempestad”, c. 1506–8 (Foto: Gallerie dell'Accademia via Wikimedia Commons, dominio público)
Hacia el final del Alto Renacimiento, la escuela de pintura veneciana comenzó a florecer, con su énfasis en el color sobre la línea. Giorgione fue uno de los pintores pioneros de este estilo y La tempestad sigue siendo una de sus obras de arte más respetadas y ambiguas.
En primer plano, muestra a una mujer anónima amamantando a su bebé en el lado derecho y un soldado que lleva un largo bastón de pie en el lado izquierdo. El título se deriva de la tormenta inminente que ocurre en el fondo, que se enfatiza en la paleta de colores oscuros utilizada en el primer plano.
Rafael, La escuela de Atenas, 1509–1511
La Escuela de Atenas es uno de los cuatro frescos murales que pintó Rafael en la Stanza della Segnatura, en el Palacio Papal. Se considera una obra maestra por la forma en que fusiona el arte, la filosofía y la ciencia en una sola pintura. Entre las muchas figuras representadas en la pieza se encuentran los filósofos griegos Platón, Aristóteles y Sócrates, y los matemáticos Euclides y Pitágoras.
Miguel Ángel, La creación de Adán, c. 1508–1512
Miguel Ángel pasó cuatro años pintando el techo de la Capilla Sixtina para el Papa Julio II. No solo es famoso por su increíble escala, sino también por su compleja composición e inspiraciones clásicas.
Entre los muchos paneles que componen el diseño del techo, la Creación de Adán sigue siendo el más famoso. Representa a Adán en una pose lánguida con un brazo extendido, justo antes de recibir la vida del toque de Dios.
Tiziano, Amor sacro y amor profano, 1514
Tiziano, “Amor sacro y amor profano”, 1514 (Foto: Galleria Borghese via Wikimedia Commons, dominio público)
Además los grandes nombres del Renacimiento italiano, como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, también está Tiziano, el maestro del color. Amor sagrado y amor profano es una de las primeras pinturas del artista, pintada para conmemorar el matrimonio del hombre que la encargó. Si bien existen muchas teorías diferentes que exploran las identidades de las figuras centrales, las verdaderas intenciones de la pintura siguen siendo un misterio. A pesar de ello, la obra es un excelente ejemplo del dominio del color y la composición de Tiziano.
Renacimiento tardío
Tiziano, Venus de Urbino, 1538
Después de la muerte de Giorgione en 1510 y de Giovanni Bellini en 1516, Tiziano fue el principal defensor del estilo veneciano. Venus de Urbino representa a una mujer desnuda recostada en una cama dentro de una habitación ornamentada. Similar a Amor Sagrado y Profano, la identidad desconocida de la mujer en Venus de Urbino y el significado de la iconografía ha llevado a muchas interpretaciones diferentes de la obra. Ha inspirado muchas pinturas similares, incluida la Olympia de Manet.
Miguel Ángel, El juicio final, 1541
Varias décadas después de que Miguel Ángel completara el techo de la Capilla Sixtina, regresó al mismo edificio para agregar otro fresco, esta vez cubriendo toda la pared del altar. El Juicio Final captura la Segunda Venida de Jesucristo y el juicio final de Dios sobre la humanidad.
Si bien este tema era común durante el Renacimiento, la interpretación de Miguel Ángel se destaca por sus 300 figuras, mayormente desnudas y su combinación con algunos elementos mitológicos, los cuales hicieron que el fresco generara controversia entre los contemporáneos de Miguel Ángel.
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