Afin de comprendre n'importe quel domaine, il est important d'avoir une base solide. Pour l'art visuel, cela signifie comprendre les éléments de l'art. Ces blocs de construction créatifs sont essentiels et comprendre comment ils fonctionnent est important à la fois pour les artistes et pour les amateurs d'art. En acquérant une compréhension plus approfondie des éléments de l'art, il est plus facile d'analyser, de démêler et de créer tout type d'œuvre d'art, de la peinture à la photographie en passant par la sculpture et l'architecture.
En effet, bon nombre de ces éléments sont enseignés aux écoliers dans le cadre de l'éducation artistique de base. Mais si les concepts peuvent sembler simples, une fois maîtrisés, ils peuvent s'étendre et se développer dans toutes les directions, quel que soit le style d'art créé ou apprécié. Les éléments de l'art sont des composants visuels concrets qui fonctionnent en tandem avec les principes de l'art qui les organisent et les harmonisent.
La ligne, la couleur, la figure, la forme, la valeur, l’espace et la texture sont les sept éléments principaux de l’art et se chevauchent et s’informent souvent. Qu’il s’agisse de dessin, de peinture, de sculpture ou de design, ces éléments de l’art doivent tous être pris en considération. Une fois que vous maîtrisez ces sept éléments visuels, il est encore plus facile de créer votre propre art.
Mais vous n’avez pas besoin d’être vous-même un artiste pour trouver les éléments de l’art utiles. Tout amateur d’art pourra voir les œuvres d’art d’une manière plus significative en en apprenant davantage sur ces composants visuels de base.
Quels sont les sept éléments de l’art?
La Ligne
Ces marques s’étendent sur une distance entre deux points et peuvent être droites ou courbes. En art visuel, les lignes ne doivent pas seulement être faites avec des marques et des contours. Ils peuvent également être implicites ou abstraits. Qu’elles soient bidimensionnelles ou tridimensionnelles, il ne fait aucun doute que les lignes ont un impact énorme sur le reste des éléments de l’art. Ils peuvent être utilisés pour créer une forme et une forme, ainsi que pour donner un sentiment de profondeur et de structure. Les lignes sont le fondement du dessin et sont un outil puissant en soi. L’utilisation de différents types de lignes – continues, brisées, verticales, dentelées, horizontales – change radicalement la psychologie d’une œuvre d’art, ce qui a un impact considérable sur le spectateur.
Tout au long de l'histoire de l'art, les artistes ont utilisé la ligne comme principal moyen d'expression visuelle. Vouloir en savoir davantage? Découvrez la longue histoire du dessin au trait.
La Couleur
En travaillant avec la teinte, la valeur et l’intensité – trois éléments constitutifs des couleurs – les artistes peuvent puiser dans un large éventail d’émotions. Rien ne change plus l’impact émotionnel d’une œuvre que la couleur. Des maîtres comme Van Gogh, Monet et Toulouse-Lautrec ont tous habilement manipulé la couleur dans leur art pour provoquer des sentiments différents. La couleur peut être utilisée symboliquement ou pour créer un motif. Il peut être sélectionné pour le contraste ou pour définir une ambiance spécifique. Une compréhension approfondie de la théorie des couleurs aide tout artiste à mieux utiliser les couleurs dont il dispose.
La Figure
Le résultat de lignes fermées, les formes sont bi-dimensionnelles, plates et n’ont que la hauteur et la largeur. Les formes géométriques comme les cercles et les carrés sont mathématiques et précises, tandis que les formes organiques s’inspirent de la nature et ont tendance à être courbes et abstraites. L’art du collage d’Henri Matisse fait grand usage des formes organiques, tandis que Piet Mondrian est connu pour s’appuyer sur les formes géométriques dans ses peintures. Les formes peuvent être utilisées pour contrôler la façon dont nous percevons une composition. Par exemple, les triangles peuvent aider à attirer l’œil sur un point particulier, tandis que les cercles représentent la continuité.
La Forme
Lorsqu’une figure acquiert de la profondeur et devient tridimensionnelle, elle prend alors forme. Les cylindres, les pyramides et les sphères sont quelques-unes des formes les plus courantes, bien qu’elles puissent également être amorphes. En sculpture, la forme est de la plus haute importance, bien qu’elle puisse facilement être introduite dans le dessin et la peinture en utilisant des techniques d’art 3D. Le sculpteur baroque Bernini était un maître de la forme, sculptant ses sculptures d’une manière qui procurait du plaisir sous tous les angles. La forme est également une grande considération en architecture, avec des architectes renommés comme Frank Lloyd-Wright, Zaha Hadid et Tadao Ando qui accordent une attention particulière à cet élément dans leurs conceptions.
La Valeur
“The Tetons and the Snake River” (1942) d'Ansel Adams. (Photo : Domaine Public, via Wikimedia Commons)
Liée à la couleur, la valeur est la légèreté et l’obscurité d’une couleur. La valeur la plus claire est blanche et la valeur la plus sombre est noire, la différence entre elles étant définie comme le contraste. Jouer avec la valeur peut non seulement changer certaines formes, mais aussi influencer l’humeur de l’œuvre d’art. La valeur est si importante que les Italiens ont créé un terme – chiaroscuro – qui se réfère spécifiquement à l’utilisation de la lumière et de l’obscurité dans une œuvre d’art. Le peintre baroque Caravage était un maître de l’utilisation du clair-obscur dans ses peintures à l’huile de mauvaise humeur. Le photographe Ansel Adams est un autre exemple d’un artiste qui a savamment utilisé la valeur à son avantage en utilisant des zones de contraste pour susciter l’intérêt pour sa photographie de paysage.
L'Espace
Cet élément de l’art peut être manipulé en fonction de la façon dont un artiste place des lignes, des formes, des formes et des couleurs. Le placement de ces autres éléments crée de l’espace. L’espace peut être positif ou négatif. L’espace positif est une zone occupée par un objet ou une forme, tandis que l’espace négatif est une zone qui s’étend entre, à travers, autour ou à l’intérieur des objets. Les artistes pensent souvent au premier plan, au milieu et à l’arrière-plan de leur œuvre, en plaçant délibérément des formes et des lignes dans tout l’espace pour obtenir la composition parfaite. Un sentiment de profondeur dans les œuvres en deux dimensions est souvent atteint par la perspective, qui elle-même peut s’appuyer sur des lignes ou des couleurs.
La Texture
“Pauline Bonaparte en Vénus Victrix” (1805-1808) d'Antonio Canova. (Photo : Domaine Public via Wikipédia)
La texture est un élément de l’art qui joue également avec notre sens du toucher. Il est défini comme une description de la façon dont quelque chose se sent ou ressemble. Parfois, nous parlons d’une texture réelle qui peut être ressentie, comme dans le cas de l’artiste islandais Hrafnhildur Arnardóttir, qui crée un art d’installation à l’aide de cheveux synthétiques. D’autres fois, la texture est une texture visuelle implicite qui est bi-dimensionnelle. Lisse, rugueux, dur, doux, velu, moelleux et bosselé ne sont que quelques textures différentes qui évoquent des réponses différentes.
Par exemple, un artiste recherchant un résultat hyper-réaliste voudrait que les nuages apparaissent duveteux, tandis qu’un autre artiste souhaitant renverser les conventions pourrait jouer avec la texture pour créer une expérience surréaliste pour le spectateur. Le sculpteur du XIXe siècle Antonio Canova en était un maître, comme en témoigne son portrait de la sœur de Napoléon où elle repose sur un coussin qui semble si doux et si doux au toucher, il est difficile de croire que c’est du marbre.
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