Tras siglos de seguir con las mismas tradiciones, los artistas abstractos trataron de hacer cuadros que no se atuvieran a las “reglas” convencionales, como el naturalismo y la perspectiva. Este estilo radical dio lugar a poderosas pinturas líricas que hacían hincapié en el color, la composición y la emoción.
El pintor holandés Piet Mondrian, por ejemplo, creó Composición en rojo, azul y amarillo, que resume elocuentemente su filosofía estética utilizando líneas rectas y colores primarios. Asimismo, el Cuadrado negro de Kazimir Malevich es una obra abstracta conocida por su pureza y su sencillez. Otros pioneros como Hilma af Klint y Wassily Kandinsky también crearon lienzos espectaculares que dejaron su huella al demostrar que hay infinitas formas de plasmar las experiencias humanas en la abstracción.
Aquí exploraremos 10 pinturas abstractas famosas para descubrir qué es lo que las hace tan especiales.
Expande tus conocimientos de historia del arte con estas 10 pinturas abstractas famosas.
Hilma af Klint, Núm. 7, edad adulta, 1907
Hilma af Klint, “Núm. 7, edad adulta”, 1907 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Aunque no es tan conocida como muchos de los artistas masculinos de su época, la pintora sueca Hilma af Klint fue una artista abstracta pionera que creó pinturas radicales antes que muchos de sus contemporáneos masculinos. Pidió que su extensa obra—que en su mayoría nunca se expuso en vida—no se viera hasta 20 años después de su muerte. Núm. 7, edad adulta, forma parte de la serie Los diez más grandes de Af Klint. La colección representa las etapas de la vida, incluyendo la infancia, la juventud, la madurez y la vejez. Combinan elementos botánicos y objetos orgánicos reconocibles que hacen referencia al nacimiento y al crecimiento. Este enorme lienzo, que mide 3 metros de alto y 2 de ancho, se pintó sobre papel en el suelo de su estudio y luego se pegó en un lienzo.
Af Klint interpreta la edad adulta pintando varias formas libres de diferentes tamaños y colores sobre un fondo lila. El símbolo central amarillo se parece a una flor, mientras que las espirales y las formas biomórficas son símbolos de crecimiento y fertilidad.
Wassily Kandinsky, Composición VII, 1913
Wassily Kandinsky, “Composición VII”, 1913 (Foto: Tretyakov Gallery vía Wikimedia Commons, dominio público)
El teórico y pintor ruso Wassily Kandinsky usó formas abstractas y color para plasmar diferentes experiencias humanas en el lienzo. Muchas de sus piezas se inspiran en la música: de hecho, el artista creía que podían encontrarse sonidos entre sus pinceladas.
Composición VII fue creada mientras Kandinsky vivía en Múnich, Alemania. Aunque la pintura puede parecer caótica a primera vista, Kandinsky pasó meses planeando su composición, creando más de 30 bocetos en óleo y acuarela antes de crear la pieza final. La temática de esta pintura es la lucha y la redención. Algunos de sus símbolos, como los jabalíes, las montañas y las figuras, pueden verse dentro del laberinto de colores y formas.
Kazimir Malevich, Cuadrado negro, 1915
Kazimir Malevich, “Cuadrado negro”, 1915 (Foto: Tretyakov Gallery vía Wikimedia Commons, dominio público)
El artista ruso Kazimir Malevich perfeccionó sus habilidades pictóricas en numerosos estilos, pero finalmente se hizo famoso por su arte abstracto suprematista, que se basaba en las formas geométricas. Cuadrado negro es su pintura más emblemática, que repitió cuatro veces con pequeñas variaciones.
La versión de 1915 es la primera de estas obras y es considerada por los historiadores y críticos de arte como una obra fundamental del arte moderno, y a menudo se le denomina el “punto cero de la pintura”. El propio Malevich dijo de la obra: “[Cuadrado Negro pretende evocar] la experiencia de la objetividad pura en el vacío blanco de una nada liberada”.
Paul Klee, La máquina gorjeante, 1922
Paul Klee, “La máquina gorjeante”, 1919 (Foto: MoMA vía Wikimedia Commons, dominio público)
El artista suizo-alemán Paul Klee tenía mucho en común con Wassily Kandinsky. Ambos artistas eran miembros del grupo expresionista alemán Der Blaue Reiter, y ambos estaban profundamente influenciados por la conexión entre la música y la pintura. La máquina gorjeante es la representación sonora más famosa de Klee. La obra representa una bandada de pájaros en un cable con un mecanismo de manivela. Klee realizó esta ilustración de técnica mixta con acuarela, tinta y óleo.
Piet Mondrian, Composición en rojo, azul y amarillo, 1930
Piet Mondrian, “Composición en rojo, azul y amarillo”, 1930 (Foto: Kunsthaus Zürich vía Wikimedia Commons, dominio público)
Tras años de pintar en un estilo realista, el artista holandés Piet Mondrian se unió al movimiento de arte abstracto y se convirtió rápidamente en una figura innovadora. Formó su propia filosofía sobre la abstracción llamada neoplasticismo (también llamada De Stijl), describiéndola de la siguiente manera: “Esta nueva idea plástica ignorará los detalles de la apariencia… por el contrario, debe encontrar su expresión en la abstracción de la forma y el color, es decir, en la línea recta y el color primario claramente definido”. Composición en rojo, azul y amarillo es un ejemplo muy conocido de estas ideas.
Wassily Kandinsky, Composición X, 1939
Wassily Kandinsky, “Composición X”, 1939 (Foto: Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen vía Wikimedia Commons, dominio público)
La última pintura de su serie de Composiciones, Composición X, es la culminación de la exploración de Kandinsky para expresarse a través de las formas no representativas. Las formas orgánicas de la pintura están influenciadas por las figuras biomórficas del surrealismo, mientras que los colores expresan las emociones internas que Kandinsky experimentó en los últimos años de su vida. El negro del fondo representa el cosmos y el final de la vida, mientras que permite que las secciones de color destaquen. El cuadro ilustra el círculo de la vida y los altibajos emocionales que todos experimentamos.
Paul Klee, Muerte y fuego, 1940
Paul Klee, “Muerte y fuego”, 1940 (Foto: Zentrum Paul Klee vía Wikimedia Commons, dominio público)
Klee pintó Muerte y fuego en 1940, pocos meses antes de su muerte en junio de ese año. Sufría una enfermedad conocida como esclerodermia, que le provocaba dolor en las articulaciones y erupciones en las manos. Es por ello que su obra durante este periodo se volvió cada vez más simplista, y Muerte y fuego es un ejemplo clave de ello.
Klee ya había sido influenciado por el arte primitivo en el pasado, pero esta pintura es particularmente simplista y los críticos incluso la compararon con el estilo de las pinturas rupestres. El óleo sobre yute, que busca ser una representación de la mortalidad, es protagonizado por un motivo central en forma de cráneo humano que tiene dentro la palabra “tod” (que significa “muerte” en alemán). La palabra “tod” vuelve a aparecer en la forma de “T” del brazo levantado de la figura, en el orbe dorado (O) de su mano y en la forma de “D” de su rostro.
Mark Rothko, Amarillo, rosa y lavanda sobre rosa, 1950
El nombre de Mark Rothko es sinónimo de lienzos pintados con grandes áreas de color. El artista ruso-estadounidense se especializó en la pintura de campo de color (o color field painting), que describe a obras de arte con grandes áreas de un solo tono. Rothko experimentó con la superposición de una serie de combinaciones de colores para comunicar diferentes experiencias y emociones humanas. Amarillo, rosa, lavanda sobre rosa es una de las primeras obras que realizó en los años 50. La cálida yuxtaposición de colores evoca una sensación de alegría.
Barnett Newman, Vir Heroicus Sublimis, 1951
Otro pionero del campo de color, el artista estadounidense Barnett Newman, creía que “un pintor es un coreógrafo del espacio”. El artista inventó un elemento que llamó “zips”, bandas de color vertical que distinguen su trabajo de sus compañeros expresionistas abstractos.
Su pintura Vir heroicus sublimis (“Hombre, heroico y sublime”), mide 2.41 por 5.41 metros y fue su pintura más grande en ese momento. La pieza tiene grandes campos de color rojo brillante divididos por las ocasionales líneas verticales. Con su gran escala, Newman intentó evocar una fuerte reacción del espectador y envolverlo por completo en ese tono vibrante.
Helen Frankenthaler, Montañas y mar, 1952
La artista estadounidense Helen Frankenthaler desarrolló una técnica innovadora para llenar los lienzos con grandes campos de color. Inventó el método soak-stain, o “mancha de empapado”, que consistía en verter pintura diluida en trementina sobre el lienzo. Esta técnica produjo composiciones vibrantes y nebulosas que le daban una sensación y un aspecto completamente nuevos al lienzo. Montañas y mar (1952) fue la primera obra de arte en la que Frankenthaler utilizó este proceso; cuando sus colegas del color field painting, Morris Louis y Kenneth Noland, vieron el resultado, enseguida adoptaron el método.
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